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CRÍTICA : CLOUD NOTHINGS - ATTACK ON MEMORY

2012-01-31T19:36:00.007+01:00

PUNTUACIÓN (sobre 10) - 7,1

El tercer disco del extraño Dylan Baldi como Cloud Nothings esta obteniendo gran reconocimiento entre la prensa americana más cool, quizás porque la producción ha corrido a cargo de un grande como Steve Albini o puede que porque ya su anterior disco homónimo, merecía más atención de la que obtuvo hace un año. Lo cierto es que la mano de Albini se hace notar claramente en los inicios del disco, alejando al grupo de las melodías pegadizas y guitarras contagiosas que habían practicado con anterioridad, acercándolo a un sonido mas rudo y seco, de efecto demoledor, que bien merece los halagos que recibe, y aunque la personalidad más luminosa y pop de Baldi va surgiendo en el resto del disco, para recuperar las intenciones de sus dos primeros álbums, la fuerza que le otorga la producción consigue hacer destacar este conjunto bastante por encima de lo que hasta ahora había grabado.
Todo el álbum lo podemos incluir dentro de un estilo lo-fi, indie rock con querencia punk, pero durante su transcurrir las influencias se muestran amplias. Desde el inicio, con los dos temas mas contundentes del álbum, donde quizás más se deja notar el afamado productor, podemos observar la amplitud de miras que ha alcanzado Cloud Nothings, en la inicial "No Future No Past" la presencia de Pixies y Nirvana se hace evidente, con un sorprendente piano inicial que recuerda en algo a Radiohead, después la extensa "Wasted Days" añade también a Sonic Youth a la ecuación, dejando un excelente comienzo de álbum, con puede que los dos temas más acertados del lote. A partir de ahí entran en escena los anteriores logros del grupo, rebajando bastante la dureza del comienzo sobre todo en la más superficial "Fall In", pero con un aire más vivo se sigue manteniendo un buen nivel, como en los acercamientos a The Strokes "Stay Useless" o a Smashing Pumpkies "No Sentiment", en el potente instrumental "Separation" y en la despedida mezcla de indie rock de la pasada década y los noventa que forman las aceleradas "Our Plans" y "Cut You".
En definitiva un buen álbum, con un espectacular inicio, que aunque no se mantiene, nunca llega a caer, con un Dylan Baldi que demuestra de nuevo facilidad para las melodías, pero que se muestra más acertado cuando se deja llevar por la fuerza que imprime a sus producciones Steve Albini que cuando se acerca al lado del punk pop más facilón . Puede que esta sea la clave a resolver en un futuro, seguro no lejano ante lo prolífico que se muestra Baldi, si se decantará por seguir el camino iniciado en este álbum o todavía dará alguna vuelta más, quizás con otro productor muy diferente. Conviene no perderle la pista, porque aunque las alabanzas a este Attack On Memory, puedan ser algo excesivas, si muestra un potencial, de seguir por este camino, más que interesante

LOS MEJORES DISCOS DEL 2011

2011-12-29T18:14:00.016+01:00

Para terminar el año aquí tenemos la lista de nuestros albums favoritos, que ya decíamos hace un año, como todas es una lista subjetiva que arrastra los gustos de los que hacemos disconcierto, por lo que sigue sin haber rap ni tampoco un par de discos que encabezan muchas listas, recuperando cosas que en los ochenta todos despreciábamos y que ahora a nosotros, por mucho que ciertos medios cools digan que es la más, siguen sin gustarnos. Como ya hiciéramos un año atrás, la lista consta de 10 puestos, que no de 10 discos, pues nos tomamos la licencia de poner por puesto los que nos apetece, facilitándonos el trabajo y elevando hasta 22 el número de albums de este año, muy por encima del 2010, demostrando que para nosotros este año ha sido muy superior musicalmente, además al final de la entrada os dejamos unos cuantos discos más que hemos estado a punto de incluir y que seguramente con el tiempo nos arrepentiremos de no haber incluido, que el paso del tiempo es muy importante a la hora de saborear un disco, haciendo que algunos mejoren y otros empeoren. Los discos llevan un enlace a su crítica, y los que no comentamos en su momento llevan una pequeña reseña.

----------------- DISCOS DEL 2011 PARA DISCONCIERTO ------------
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1. GIRLS - FATHER, SON, HOLY GHOST

La agradable sorpresa se ve confirmada con un segundo disco, donde el eclecticismo y el control de muchas ramas del pop y el rock de siempre, aumentan las posibilidades al infinito. Pop de los 50´s, 60´s o 70´s, hard rock 70´s, folk clásico o indie actual todo se une para un disco irresistible, los tres que le siguen se han quedado cerca ,pero este es nuestro disco del año.

Crítica http://disconcierto.blogspot.com/2011/09/critica-girls-father-son-holy-ghost.html

2. + ARCTIC MONKEYS - SUCK IT AND SEE
Que fueran un hype en su momento, no justifica ya que se haga de menos a un grupo que es capaz de firmar un disco con tanta clase como este. Un lujo tanto en terrenos pop como rock.
Crítica http://disconcierto.blogspot.com/2011/06/critica-arctic-monkeys-suck-it-and-see.html

+ P. J. HARVEY - LET ENGLAND SHAKE
Tremenda nueva manera de mostrar su furia, contenida pero latente. Disco político, disco pop, disco rock, disco folk, de todo un poco y todo bien. Una grande en plena forma.
Crítica http://disconcierto.blogspot.com/2011/03/pj-harvey-let-england-shake.html

+ THE WAR ON DRUGS - SLAVE AMBIENT
Reconstruyendo con personalidad el sonido clásico americano y aquí acercándolo a un sonido moderno y apto para más públicos.Poco más abajo su compinche los sigue de cerca.
Crítica http://disconcierto.blogspot.com/2011/08/critica-war-on-drugs-slave-ambient.html

3. + BON IVER - BON IVER
No alcanza a su debut, pero se queda cerca y lo hace evolucionando, arriesgando con un sonido más denso, que despeja cualquier duda sobre su valía y le amplia horizontes
Crítica http://disconcierto.blogspot.com/2011/06/critica-bon-iver-bon-iver.html

+ THE BLACK KEYS - EL CAMINO
Grupo imparable, disco irresistible. Blues, soul, funk, sonido clásico y actual a partes iguales de un duo con una carrera tan sólida que ya nadie espera un tropiezo.
Crítica http://disconcierto.blogspot.com/2011/12/critica-black-keys-el-camino.html

4. + KURT VILE - SMOKE RING FOR MY HALO
En el mismo camino que sus amigos de The War On Drugs, sirviéndose de los clásicos de la música americana para crear un sonido personalísimo y actual.
Crítica http://disconcierto.blogspot.com/2011/03/kurt-vile-smoke-ring-for-my-halo.html

+ ST. VINCENT - STRANGE MERCY
Una impresionante voz guiada por unas alucinantes guitarras lideran un álbum pop lleno de variadas influencias que incluso llegan al rock sinfónico.
Crítica http://disconcierto.blogspot.com/2011/09/critica-st-vincent-strange-mercy.html

5. + ATLAS SOUND - PARALLAX
Bradford Cox es de los que tampoco falla, y con Atlas Sound no para de crecer, como este disco que crece y crece atrapándonos con su pop cálido.
Crítica http://disconcierto.blogspot.com/2011/12/critica-atlas-sound-parallax.html

+ PANDA BEAR - TOMBOY
Mostrándose algo más cálido y luminoso que en sus últimos trabajos tanto en solitario como con Animal Collective, logra seguir a gran nivel tras dos obras maestras.
Crítica http://disconcierto.blogspot.com/2011/05/critica-panda-bear-tomboy.html

6. DISCO LAS PALMERAS! - NIHIL OBSTAT
Ya avisábamos de que lo tendrían difícil en las listas de fin de año, gallegos, discográfica pequeña, optando por la contundencia... Duele ver discos de estilo noise shoegaze con mucha menos personalidad mejor valorados, pero el mercado nacional esta así. Disco nacional del año.
Crítica http://disconcierto.blogspot.com/2011/08/critica-disco-las-palmeras-nihil-obstat.html

7. + FLEET FOXES - HELPLESSNESS BLUES
Confirmando muchas de las virtudes de su debut, algo por debajo de aquel, con un sonido menos inmediato pero mostrando ese folk preciosista de intrincadas melodías en cada tema.
Crítica http://disconcierto.blogspot.com/2011/05/critica-fleet-foxes-helplessness-blues.html

+ TOM WAITS - BAD AS ME
El que nunca falla, un genio repasando sus logros, acercándose a su cara más cruda y a la más dulce a partes iguales, no es ni de lejos su mejor disco, pero a su nivel eso no importa mucho.
Crítica http://disconcierto.blogspot.com/2011/11/critica-tom-waits-bad-as-me.html

+ WILCO - THE WHOLE LOVE
Estrenando discográfica propia, aún quedan lejos sus mejores obras, pero en su caso los momentos en que se vuelven a acercar a ellas, y aquí los hay, son más que suficientes.
Crítica http://disconcierto.blogspot.com/2011/09/critica-wilco-whole-love.html

8. + LISABÖ - ANIMALIA LOTSATUEN PUTZUA
De nuevo guiados por las letras del escritor Martxel Mariscal, Lisabö firman su mejor disco hasta la fecha concretando un sonido post rock y post hardcore de lujo, mostrando una fiereza brutal desde que las baterías arrastran con fuerza el inicio con la contundente "Oroimenik Gabeko Filma", una descarga de rabia que no cesa ni en los momentos en los que el ritmo se torna más pausado, "Ez Zaitut Somatu Iristen", "Laztan Isilen Diederra" o el inigualable punto final que es "Ezereza Mugak". Consiguen los vascos en este cuarto esfuerzo atraparnos con solo seis canciones largas, que no te dan descanso y te atrapan irremediablemente mientras te preguntas que significará eso que cantan tan desgarradoramente. Su calidad debería minimizar el handicap que les supone cantar en euskera a la hora de obtener un mayor reconocimiento y esperamos que con eso aumente de paso su nivel de producción y no tengamos que esperar otros cuatro años para su próximo álbum.

+ MANEL - 10 MILLES PER VEURE UNA BONA ARMADURA
Aún más preciosista y cuidado que su debut, no hace si no confirmarlos como unos excelentes músicos y que canten en catalán no debería ocultar a nadie que unos magníficos letristas.
Crítica http://disconcierto.blogspot.com/2011/03/critica-manel-10-milles-per-veure-una.html

+ RUSSIAN RED - FUERTEVENTURA
Muchos se lían hablando de las tendencias políticas de Lourdes Hernandez, o de que si su música sale en anuncios. Pero eso no tiene nada que ver con un excelente segundo disco mucho más pop.
Crítica http://disconcierto.blogspot.com/2011/05/critica-russian-red-fuerteventura.html

9. JOSH T. PEARSON - LAST OF THE COUNTRY GENTLEMAN
Es Josh T. Pearson un personaje extraño dentro del mundo de la música, pocos le recordaran como el líder del grupo Lift To Experience, con el que público un magnífico debut hace ya 10 años y no se volvió a saber nada de el hasta la publicación ahora de este trabajo que recuerda a aquel en su tema inicial, por la clara influencia de Jeff Buckley, "Thou Are Loosed" para despues desarrollar en los otros seis temas que lo componen, un tratado de folk desnudo y desgarrador, de aires clásicos y deudor del Neil Young más intimo. Un álbum llevado por el arrepentimiento y el dolor, tan sinceros que incluso duele, lejano de cualquier aire cool, incluso de ese nuevo folk que triunfa en muchas listas como esta, de digestión difícil con temas muy largos y ritmo monótono, no apto para todos los públicos y prohibido para los no fans del country folk más tradicional, un disco para escuchar solo en ciertos momentos de ciertos días, pero que ahí se muestra monstruoso y que cuando te atrapa se convierte en imprescindible. Ni idea de si tardaremos diez años más en volver a saber de él, esperamos que no.

10. + MY MORNING JACKET - CIRCUITAL
Tras un error han sabido levantarse, y sin dar marcha atrás del todo, demostrando lo que mejor hacen, sin perder esas ganas de ser diferentes que los hace especiales.
Crítica http://disconcierto.blogspot.com/2011/06/critica-my-morning-jacket-circuital.html

+ NACHO VEGAS - LA ZONA SUCIA
Mostrándose más amable y extrañamente optimista vuelve a conseguir que luzcan sus melodías clásicas y sus inigualables letras. No es su mejor disco, pero con él también da igual.
Crítica http://disconcierto.blogspot.com/2011/03/critica-nacho-vegas-la-zona-sucia.html

+ RADIOHEAD - THE KING OF LIMBS
Que sí, que sí, que no es ni de lejos de sus mejores discos, pero ¿es que no os ha quedado claro ya? Como con algún otro de la lista, su nivel es tal, que les llega de sobra.
Crítica http://disconcierto.blogspot.com/2011/02/critica-radiohead-king-of-limbs.html

+ SMITH WESTERNS - DYE IT BLONDE
De los grupos revival con aire de hype que optaban a estar aquí nos quedamos con ellos porque su menos habitual acercamiento al glam tiene un encanto irresistible en todos los temas del disco.
Crítica http://disconcierto.blogspot.com/2011/02/critica-smith-westerns-dye-it-blonde.html

Aquí acabamos, no sin antes repetir que estas listas dependen mucho del momento en que se hacen y que tenemos claro que en unos meses, nosotros mismos la cambiariamos y añadiríamos algún disco que hemos barajado hasta el final como los de BEIRUT, NUDOZURDO, PAINS OF BEING PURE AT HEART, THE DECEMBERISTS, THE HORRORS, VERONICA FALLS ...

CRÍTICA : THE BLACK KEYS - EL CAMINO

2011-12-26T13:11:00.011+01:00

PUNTUACIÓN (sobre 10) - 8,3

Ya en nuestra lista de mejores del 2010 nombrábamos el anterior trabajo de The Black Keys como un disco que se había quedado fuera por poco, con el paso del tiempo, tan importante a la hora de juzgar un disco, Brothers se ha convertido en una de las más grandes faltas de aquella selección. Ahora, casi un año después, ya podemos afirmar que dentro de unos días este El Camino no faltará en la nueva lista de lo mejor de este año que ya se termina, y no lo hará porque, tras un cierto éxito alcanzado con Brothers, parece que Dan Auerbach y Patrick Carney no querían muchos agobios, optaron por una grabación rápida y un productor con el que ya habían trabajado como Danger Mouse, para obtener un séptimo álbum sencillo y amable (hay quien ve en esto un defecto respecto a Brothers), que de un plumazo elimina los pocos errores de su antedecesor, recortando sus excesos y concretando, en menos de 38 minutos y medio, toda la evolución que de manera lenta pero segura guía la carrera de los americanos.
Hay muchas maneras de evolucionar para un grupo, pero la forma de ir ampliando lentamente las constantes de tu sonido, esta favoreciendo mucho a The Black Keys. Sin abandonar en ningun momento el sonido blues rock, con influencias de todas las épocas (desde el maestro Robert Johnson a Jimi Hendrix, Derek And The Dominoes, Canned Heat, ZZ Top, Led Zeppelin... o más modernos como Jon Spencer Blues Explosion o White Stripes), que les acompaña desde su debut, han ido sumando cada vez mas influencias de funk y soul arropadas por coros pop, de tanta calidad que aquí, desde el momento en que la batería empieza a marcar desenfrenadamente el ritmo, con la única pausa en todo el álbum de la ledzepeliana "Little Black Submarines", la mezcla se muestra casi perfecta, puro groove. Una mezcla que a veces se decanta más al lado del puro blues como en "Money Maker" o "Run Right Back" y otras más al funk y soul como en "Sister" o "Stop Stop", pero que en casi todo el minutaje se muestra de un equilibrado que asusta, logrando sonar irresistible y regalándonos hitazos como la inicial "Lonely Boy" (tremendo video para acabar de convertirla en uno de los temas del año) o la excepcional "Nova Baby". En definitiva es este un trabajo más accesible de lo que acostumbran, algo que podría parecer negativo, pero que no lo es, porque consiguen que no sobre practicamente nada, con todas las canciones a gran altura, al que quizás podríamos achacarle cierta monotonía rítmica, que podría haber subsanado otro baladón setentero como "Little Black Submarines" en la segunda mitad del disco, pero poco más.
Una de las mejores cosas que podemos decir de Auerbach y Carney a estas alturas, es que si juntamos a diez fans del grupo y le preguntamos por su mejor álbum (para mi es Rubber Factory), podemos apostar que se nombrarán tres o cuatro de los siete, porque de momento no han tenido más que logros en su cuenta y todo con un ritmo de producción envidiable, pues pocos pueden presumir de siete álbums de estudio en menos de diez años. Muchos criticarán El Camino con respecto a Brothers por motivos que nosotros alabamos, pero pocos o ninguno dirán que no les gusta. De hecho, estamos convencidos de que solo a alguien que nunca ha sido fan del rock clásico le puede disgustar este disco.

CRÍTICA : KATE BUSH - 50 WORDS FOR SNOW

2011-12-16T11:35:00.003+01:00

PUNTUACIÓN (sobre 10) - 7,3

La publicación seis años después de un nuevo trabajo de Kate Bush ha tenido una excelente acogida entre la, a veces, impredecible prensa musical actual, hasta el punto de que posiblemente, sea uno de los que mejor trato esta recibiendo en toda su carrera. Es 50 Words For Snow un disco notable sin duda, pero no es ni por asomo lo mejor de su carrera y siendo justos no es que sea muy superior a su anterior Aerial, que paso con más pena que gloria para muchos de esos medios, que parecen haberse enterado ahora, de la enorme influencia que ha tenido en algunas de la más importantes artistas de los últimos quince años (Bjork, P.J. Harvey ...) y en algunas de sus más recientes favoritas (St. Vincent, Florence Welch ...). Lo cierto es que este nuevo álbum tiene los suficientes aciertos como para confirmar ese estatus de gran artista que merecidamente se ha ganado y algún fallo, que no le permite convertirse en un disco tan sobresaliente como alguno de sus trabajos clásicos.
Entre lo mucho positivo que contiene el disco, destaca la tremenda apertura estilística que ha alcanzado la de Kent. Desde un principio se caracterizó por dominar muchas influencias, desde el pop, folk o el rock sinfónico ... pero en este álbum podemos hablar sin problemas de todo eso más jazz, new age, o art rock, todo filtrado por su marcada personalidad. Comienza el álbum con tres temas "Snowflake", "Lake Tahoe" y "Misty" que duran a un ritmo pausado casi 35 minutos, algo que les perjudica en algún momento de bajón y que dejan claro que este es un disco exigente y nada amable, aún con todo, las escuchas acaban por descubrir tres canciones preciosas, que acabarán por acompañarnos en muchos días de ese invierno tan protagonista en este trabajo. El cambio de ritmo en el adelanto "Wild Men" nos muestra a una Kate Bush una vez más acercándose a dos de sus más grandes referentes Peter Gabriel y David Bowie, consiguiendo un tema mucho más contagioso que sus predecesores y con un estribillo que seguro que los Tv On The Radio consideran que deberían haber compuesto ellos para mejorar su último disco. La delicadeza y sencillez de "Among Angels" despiden el álbum de manera inmejorable, con un piano y una voz perfectas.
La parte negativa que no deja alcanzar el sobresaliente al álbum se encuentra, además de algún exceso en la duración de los temas que no favorece, en los dos duetos sonados del álbum. "Snowed In At Wheeler Street" con Elton John, aunque se muestra atractiva en un principio, transcurre muy monótona y repetitiva y siempre da la impresión de que le falta un cambio, un algo que esperas durante más de ocho minutos y no llega. La titular "50 Words For Snow" con el actor Stephen Fry recitando esas 50 palabras, es simple, pesada y ridícula a más no poder, tanto que incluso duele verla incluida en un trabajo de este nivel y su larga duración estropea bastante la valoración global del disco.
Sin duda Kate Bush ha entrado en esa categoría de artistas grandes, de los que siempre esperamos lo mejor y es ahora reconocida por todos. Quizá quedará un peldaño por debajo de los nombres míticos de la historia de la música, pero en esto tendrá más que ver algo que también la acerca al gran Peter Gabriel como es su escasísima producción, que con la calidad de discos como este, la de los anteriores o seguro de la de los que vendrán.

CRÍTICA : ATLAS SOUND - PARALLAX

2011-12-01T13:19:00.015+01:00

PUNTUACIÓN (sobre 10) - 7,7

La evolución del sonido de los proyectos de Bradford Cox, tanto con Deerhunter como en Atlas Sound su proyecto en solitario, ha sido bastante similar en el sentido de que la instrumentación se ha ido ablandando paulatinamente, caminando hacía una suavidad impensable cuando la banda presentó Turn It Up Faggot. Ese camino se completa en este Parallax, sin duda el más dulce y amable trabajo de todos los publicados por Cox, donde al igual que comentábamos en la crítica de Halcyon Digest, se deja llevar por influencias de todas las épocas del pop y el rock, para conseguir de nuevo un gran álbum, aquí de tonalidad relajada guiado por su hipnotizante voz, con un conjunto de temas que, como ocurre en todos sus trabajos, crecen ilimitadamente con cada escucha y que crean un sonido cada vez más personal.
Dentro de esa sonoridad suave de la que hablamos y que recorre todo el disco, podemos distinguir entre un conjunto de temas algo más lentos y otra parte que, sin grandes estruendos, acelera el ritmo. Los primeros son medios tiempos donde Cox se pasea por influencias que van desde el pop más clásico hasta esa electrónica ligera que tan bien utiliza. Al igual que en el último trabajo de Deerhunter nombrábamos a Animal Collective (en sus canciones más lentas) aquí repetimos, y añadimos que la comparación se puede extender hasta algunos cortes del nuevo disco en solitario de Panda Bear en temas como "Amplifiers" y sobre todo la gran "Te Amo", con sus ritmos cálidos con delicada base electrónica. También "Modern Aquatic Nightsongs" encaja perfectamente en la comparación anterior aunque aquí con un punto más experimental, como el que tienen "Parallax", "Doldrums" o "Flagstaff", que se diferencian por su tono mucho más frío. El adelanto "Terra Incognita" es de este grupo de canciones pausadas la más diferente y una de las más destacadas, delicada desde una instrumentación preciosista con bonitas guitarras y un claro inicio folk que torna en un luminoso final pop. Repartidas sobre todo en la segunda parte del álbum se encuentran los cinco temas más rápidos del álbum, recorriendo el indie de todas las épocas en las magníficas "The Shapes", "Mona Lisa" o "Lightworks", acercándose a un pop más clásico en "Angel Is Broken" o incluso con el aire de blues-rock moderno de "Praying Men" todas ellas se muestran acertadísimas desde la primera escucha, ejerciendo de contrapunto perfecto a los temas más lentos, consiguiendo dar luminosidad por momentos a un trabajo en principio destinado a la tristeza, con letras que hablan sobre la soledad y dedicado a la fallecida este año, Trish Keenan, vocalista de Broadcast. El conjunto de canciones se muestra sólido y quizás los únicos peros son, que en la primera mitad suenan seguidos cuatro temas de los más reposados, provocando cierta monotonía en el ritmo de esa parte y que incluso en el devenir total del álbum, algún tema más contundente y explosivo podría haber dado una mayor variedad y acabar de redondear un disco sobresaliente.
Nos preguntábamos en la crítica de Halcyon Digest si Bradford Cox se podía convertir en el nuevo rey del indie y si la extraña enfermedad que padece le dejaría, lo cierto es que como comentábamos allí, sigue igual de prolífico y lo que es mejor, sigue dejando sin parar grandes discos a sus espaldas(siete si contamos Microcastle/Weird Era Cont. como uno, más Ep´s y excelentes rarezas que nos regala de vez en cuando). Porque quizás este Parallax no alcance el nivel de los dos últimos de Deerhunter, pero se queda cerca y nos vuelve a mostrar a un compositor detallista, imaginativo y original, con gran bagaje musical e infinitos referentes, lo que hace que en sus críticas ya no nombremos artistas concretos sino estilos, y que ha sido capaz de construirse un estilo propio sumando todas esas virtudes. Quizás él mismo ya nos ha contestado.

CRÍTICA : FLORENCE + THE MACHINE - CEREMONIALS

2011-11-21T13:03:00.015+01:00

PUNTUACIÓN (sobre 10) - 6,7

Era lógico el revuelo que ha creado la publicación de Ceremonials, el éxito de Lungs, con algún tema como "Dog Days Are Over" convertido en hit, provocó expectación ante la dirección que tomarían Florence + The Machine para este segundo esfuerzo. Lo cierto, es que unas declaraciones de Florence Welch adelantando más soul y menos indie, parecían aclarar algo de lo que los fans encontrarían, pero el caso es que poco ha cambiado estilísticamente respecto al debut, y a pesar de mantener casi todas las virtudes de aquel, este álbum queda por debajo, es un buen disco, pero no un disco notable como era Lungs. Porque a pesar de que las variaciones que han incluido son pocas, lo cierto es que ninguna beneficia a las canciones. No sabemos si ha sido por esa intención de buscar un sonido más soul, pero lo cierto es que debido a ciertos excesos, se ha perdido algo de frescura, y eso para un grupo que arrastra un sonido denso, tanto instrumental como vocalmente, es muy importante, pues es fácil arrastrar cierta monotonía cuando se fuerza demasiado la búsqueda de hacer destacar los puntos fuertes del grupo.
Siendo positivos, no es difícil encontrar en Ceremonials las virtudes más destacadas del grupo, sigue estando una de las voces femeninas más impresionantes del mundo, una base instrumental sólida y espectacular a la vez, y la facilidad para, partiendo de clásicas del pop rock de los últimos tiempos (aquí sobre todas Kate Bush), conseguir espectaculares melodías que atrapan desde la primera escucha. Temas como la apabullante "What The Water Gave Me", la maravillosamente ochentera "Lover To Lover" donde la Welch se acerca completamente a Annie Lennox, la potente "Heartlines" o la preciosista "All This And Heaven Too" muestran todas esas virtudes que hicieron triunfar su debut. La parte negativa esta en esa perdida de frescura de la que hablamos, una falta que hace que temas tan atractivos como "No Light, No Light" o "Seven Devils" no se lleguen a redondear y se pierdan entre un exceso de coros y cargada instrumentación. Peca el álbum de alargar la duración en los temas (algo que a nosotros nunca nos molesta si es necesario), ese minuto y medio de más que duran los temas con respecto al primer disco, no le han sentado bien, como tampoco una producción demasiado rebuscada y recargada, obra de nuevo de Paul Epworth, aquí también co-compositor de muchos de los temas, con algunos como "Only If For A Night","Never Let Me Go" o "Spectrum" que los acercan demasiado a otras de sus producciones como Adele, y a un pop soul blando propio de listas de éxitos que los aleja demasiado de influencias antes más reconocibles como P.J. Harvey o Joanna Newsom.
Para terminar, aclaramos que nunca pensamos que Florence + The Machine fuesen a ser un estandarte del indie rock, pero sí que los imaginábamos como un grupo fresco que aprovechara sus cualidades circulando no solo por sendas pop, sino adentrándose también en el rock y el folk. Parece que no es ese el camino que van a seguir, y aunque supone una decepción comprobar que se han excedido en potenciar alguno de sus puntos fuertes, como la capacidad de jugar con la voz de Florence Welch o el innegable talento para cubrir los temas con una completísima instrumentación, haciéndolos perder parte de su encanto, no quita para reconocer que este Ceremonials es un disco destacado dentro de ese pop de producción cuidada que se acerca a un público amplio, y que merece el éxito que seguro obtendrá.

CRÍTICA : TOM WAITS - BAD AS ME

2011-11-14T12:40:00.011+01:00

PUNTUACIÓN (sobre 10) - 7,5

Siete años han pasado desde que Tom Waits publicara su último trabajo de estudio con material completamente nuevo, mucho tiempo sin duda. Aunque la extensísima recopilación de Orphans, hace cinco, nos permitió disfrutar del genio de Pomona ampliamente, ya había ganas de nuevo de arrastrarnos en ese fango de blues, rock y folk de arrolladora personalidad, que ha conseguido llevarlo a ser uno de los pocos que ha creado un estilo único y propio. Para su regreso ha dejado a un lado la experimentación sonora que destacaba en sus últimos trabajos, para sonar más a sí mismo que nunca. En esa decisión se encuentra lo mejor y lo peor que podemos decir de Bad As Me, repleto de canciones intachables que suenan a clásico desde la primera escucha, supera a su antecesor, el gutural Real Gone, pero le falta ese punto de sorpresa, que si contenían por ejemplo los superiores Mule Variations o Alice/Blood Money. Queda pues un álbum que no se situará en el podio de su discografía, pero que alcanza sobradamente el notable y se afianza entre lo más destacado del año, como siempre que Waits entra en el estudio, confirmándolo como un tipo que nunca falla.

La primera parte del disco contiene la mayor parte de temas acelerados, acertadas explosiones de ese blues-rock arrollador al que tan bien le sienta la inigualable voz rota de Waits, como la excelente apertura "Chicago", "Raised Right Men" y "Get Lost", que parecen marcar un ritmo rápido aunque pronto dejan paso a temas pausados que marcan el camino en el resto del álbum (seis de los últimos nueve temas son lentos), y es curiosamente insertadas en medio de esas canciones más paradas donde encontramos los mejores temas movidos, la titular "Bad As Me" vacilona y contagiosa a más no poder, la rockera "Satisfied" tremenda desde la primera escucha, con unas arrolladoras guitarras de Marc Ribot y Keith Richards (recuperado de nuevo en unos cuantos temas y que se habrá divertido con la referencia a él y Jagger de la letra) y un Waits desbocado que derrite el cemento cada vez que suelta un "when i'm gone", y la simplemente salvaje "Hell Broke Luce". La fantástica parte rockera del álbum tiene su contrapunto en una extensa coleccion de baladas, que recorren los caminos clásicos del autor, desde el punto blues de la excelente "Face To The Highway",pasando por el aire de pianista al fondo de un bar oscuro a última hora de "Kiss Me" y "Pay Me", al toque country de "Back In The Crowd" y la desgarradora "Last Leaf",hasta el aire de villancico de "New Year´s Eve", y curiosamente también la mejor es la que se encuentra incrustada entre las canciones aceleradas del principio, ese perfecto tema de banda sonora de clásico de David Lynch que es "Talking At The Same Time". Para los más fans, la edición limitada de lujo incluye un segundo cd con tres temas extras, todos medios tiempos como "She Stole The Blues" y "After you Die" con sonoridad algo más rebuscada, aunque sin llegar a experimentos pasados, y "Tell Me" sencilla y acertadísima canción que bien merecía pertenecer al primer disco.

Es pues este Bad As Me, un trabajo donde el dúo compositivo que forman Waits y su esposa Kathleen Brennan, muestran todas las caras de los ya casi cuarenta años de carrera del artista de manera precisa y serena. Un álbum, que nos vuelve a demostrar que todo el reconocimiento que recibe es poco y que toda la admiración que levanta entre sus compañeros (además de Richards , vuelve a colaborar Les Claypool en un tema y se incorpora Flea en un par de temas) es merecida, gracias a una de las carreras más sólidas y regulares que existen en la historia del rock.

CRÍTICA : WILCO + JONATHAN WILSON - AUDITORIO MAR DE VIGO 04/11/2.011

2011-11-07T18:55:00.010+01:00

PUNTUACIÓN (SOBRE 10) - 8,2

Mientras esperábamos la apertura de puertas del Auditorio Mar De Vigo, no podía parar de pensar en que el concierto de Wilco se llevaría la máxima nota otorgada hasta ahora en este blog. Aunque la opinión preconcebida es la peor enemiga de una crítica, lo cierto es que recordando anteriores conciertos de los americanos, sin ir muy lejos el de hace un par de años en Santiago de Compostela de características muy similares a este, estaba convencido de que la noche nos acercaría de nuevo al grupo que se ha convertido en la máquina perfecta, sin duda uno de los mejores directos, si no el mejor, que actualmente existen en el planeta. Como se puede ver y aunque el concierto se lleve una estupenda nota (la mejor para un directo que hemos dado, eso sí), no ha sido así, y dándole vueltas al concierto nos hemos dado cuenta de que poco ha tenido que ver el grupo con ello. Diferentes razones hacen que este no sea nuestro favorito de los conciertos de Wilco, la primera una circunstancia personal, no nos gustan los conciertos sentados, nos paso hace dos años y aún más nos ha disgustado esta vez, dado que el grupo optó por el setlist más musculoso de toda la gira española, que hizo que los ya de por sí bastante justos asientos del auditorio, con poco espacio entre ellos, insufribles para gente alta, se convirtieran en un suplicio durante muchas partes del concierto (desde aquí un sobresaliente a los que en las primeras filas se levantaron para el inicio del concierto con "Art of Almost" y "I Might", imposible disfrutarlo a tope sentados). La segunda también tiene que ver con el escenario, y aquí quiero ser cauteloso, pues hace dos años también en el Palacio de Congresos en Santiago hubo voces críticas y nosotros sin embargo disfrutamos de un sonido perfecto, pero a pesar de tener una excelente situación centrados y en la mitad de la mitad delantera del graderío, nos llevamos la impresión de que el auditorio no aguanto del todo bien esas partes musculosas de las que hablamos, y la acústica se resintió por momentos, pero parece que a otros la acústica les pareció perfecta, de ahí lo de la cautela. La tercera razón sigue en terrenos del sonido, pues hubo fallos en el amplificador de Jeff Tweedy en la primera parte del concierto, y se le notó incomodo con ellos aunque se solucionaron, nosotros creemos que volvieron en los bises, momento en que la banda se lió a guitarrazos sin cesar, y esos fallos se juntaron con esa dificultad del auditorio que contábamos de aguantar aquel torrente sonoro y aunque a pocos pareció importar con la fiesta que nos habían montado estos genios para aquellos momentos, lo cierto es que la parte final del espectáculo se vio empañada por un exceso de distorsión y acoples. Por eso para nosotros la máquina perfecta sonó un pelín menos perfecta que otras veces.
La fiesta comenzó puntual, Jonathan Wilson, experimentado músico de estudio y productor, aunque no lo parezca, deleitó a un público aún a medio llegar, con ese sonido sesenta-setenta de la California de Laurel Canyon, mezclado con un puntito de los Pink Floyd mas calmados que recorre su segundo (sí segundo, tenía ya un disco publicado que aquí nunca llegó) disco en solitario Gentle Spirit. Agradó a pesar de las prisas con que acabó su actuación, dejándose el mejor tema de su disco, la cien por cien Neil Young "Valley Of The Silver Moon", en el tintero. Las prisas de Wilson se confirmaron cuando Wilco salto al escenario 15 minutos antes de la hora, a los miembros de la gira les esperaba un largo viaje en autobús tras el show, y no era cuestión de alargar más de lo necesario la espera. Sin concesiones a la galería, el sexteto para sorpresa de todos empezó con "Art Of Almost", contundente, precisa y con el espacio perfecto para que Nels Cline empezara su espectáculo de punteados espasmódicos, y continuo del tirón con la contagiosa "I Might", dejando claro que este iba a ser el concierto más diferente de todo su paso por España. Continuaron dando espacio a su lado más experimental juntando tres joyas como "Ashes Of American Flags","Bull Black Nova" y "I'm Trying To Break Your Heart", calmando un poco la excitación del inicio y mostrando que Jeff Tweedy no estaba de todo cómodo con su amplificador, después incluso paró el concierto para que se lo arreglaran, lo que dio paso a sus primeras charlas con el público, siempre repletas de ironía y buen humor. A nosotros a esas alturas ya nos parecía que la acústica estaba sufriendo en las partes potentes, pero cuando le arreglaron el problema (aunque el no quedo del todo contento, comento que no tocaba más la guitarra cuando la dejó, como siempre, para cantar "Hummingbird") pensamos que era por eso. Aún con todo el asunto de los problemas, la incomodidad de Tweedy no les impidió dejar una impresionante "One Wing" , o acercarse de nuevo a su último trabajo, con la delicada "Black Moon" y la guitarrera "Born Alone", para tras la siempre adorable "Hummingbird", dar una sorpresa al público juntando el tema que da titulo a su nuevo trabajo con un tema de su debut que no estaban interpretando últimamente, "Box Full Of Letters". A partir de ahí, con el grupo ya entonado y con Tweedy más cómodo llego lo mejor de la noche, si olvidamos "Capitol City" uno de los temas más prescindibles del álbum y de su directo, sonaron perfectas e insuperables, "Hanshake Drugs", uno de los mejores temas de la banda, "Jesus, Etc." la belleza hecha canción, "Impossible Germany", con de nuevo el impresionante Cline, más uno de los mejores juegos a tres guitarras de la historia de la música en su apoteósico final, de lo más celebrado por el público, y para sorpresa la enorme "Misunderstood", que tampoco venían tocando, parece que sustituyó a "One Sunday Morning" puede que por la petición de un fan a Tweedy, que consiguió como siempre volver loca a la gente con sus arrolladores Nothing finales. Muy pocos en el mundo pueden firmar algo tan perfecto como lo que se acababa de vivir, todos nos emocionamos y tuvimos claro que era el momento de quedarnos en pie cuando el grupo volvió para los bises. Lo hicieron decididos a no bajar la adrenalina y de nuevo variando con respecto a sus anteriores bolos, juntaron seis bises acelerados sin ningún tema que rebajara el ritmo. El problema fue que toda la potencia que desarrollaron a base de guitarrazos y con Glen Kotche desenfrenado a la batería, provoco un bajón en la calidad del sonido, con el auditorio retumbando y alguna guitarra y teclado distorsionando. No mermó esto ni un ápice la euforia del grupo ni del público, más bien demostró que temazos como "Dawn On Me", "A Shot In The Arm","I'm The Man Who Loves You", "Heavy Metal Drummer", "Monday" y "Outtaside" son irresistibles en directo. Terminaron así con dos horas de concierto, dos horas que mientras a la mayoría de los grupos más reconocidos del indie cool del momento se les hacen inalcanzables, a Wilco se le quedan cortas y te dejan esa sensación de salir pensando que ojalá hubieran tocado (ponga aquí los temas que desee), "At Least That´s What You Said", "Spiders", "Company In My Back", "Via Chicago", "Kamera", "One Sunday Morning", "Sunken Treasure" ...
Sin duda esa opinión preconcebida que llevabamos al concierto nos jugó una mala pasada, esperábamos el concierto perfecto y nos gusto algo menos que anteriores citas con los de Chicago a pesar de que hubo momentos majestuosos, pero es lo que tiene haber llegado al grado de compenetración que han alcanzado estos seis estupendos músicos, con dos como Cline y Kotche, entre lo mejor del mundo en sus instrumentos y un líder tremendo como Jeff Tweedy, de ellos ya solo esperas lo sublime. Seguirá, por que es inevitable, esa corriente de moda entre sus detractores de acusarles de sonar demasiado perfectos, de que son muy buenos tocando pero les falta garra, ya se sabe, son escusas vanales de quien no puede explicar por que no los disfruta (por otro lado algo lícito, sobre gustos ...), explicaciones sin sentido que todos hemos escuchado muchas veces sobre grandes artistas, que si es muy bueno pero le falta algo, que si tiene mucha fuerza pero le falta alma, que si, que sí, que un grupo impresionante en directo, incluso aunque no sea el mejor día.

WILCO EN VIGO : CAMBIO DE RECINTO

2011-10-31T18:58:00.007+01:00

El concierto de Wilco el próximo 4 de Noviembre en Vigo cambia de lugar, se traslada del Pabellón Das Travesas al Auditorio Mar De Vigo, según a dado a conocer la organización (si se puede llamar así) con una nota en su Facebook. It Happened In ... Vigo que ha sido el nombre con el que se ha bautizado el espectáculo, anuncia su apertura de puertas a partir de las 19:30 horas, sin más información sobre la hora de actuación del telonero Jonathan Wilson y de Wilco.
Aclarado este nos gustaría comentar que la organización (por llamarlo algo) de este evento esta siendo vergonzosa. Faltando pocos días para el concierto no hay ninguna información en su Web y solo un escueto comentario en su muro de Facebook (que muchos no usamos) informa del cambio de recinto. Wilco han agotado el papel en Barcelona, Madrid y San Sebastian con aforos muy superiores a las 2.500 entradas que se pretendían despachar para As Travesas. Dado el cambio al Auditorio Mar De Vigo con aforo para 1.400 personas y al saber que aún quedan localidades, no queda más que relacionar una horrenda organización con nula promoción e inexistente información, con el fracaso en la venta de localidades de uno de los grupos más importantes del mundo que viene además con nuevo disco bajo el brazo. El cambio de recinto además trae consigo el que las localidades serán de asiento, algo no del gusto de todos, más si tenemos en cuenta que así se les pudo ver en su hasta ahora única actuación en Galicia en Santiago. Deja a mayores la duda de que asiento ocuparás, pues las entradas no son numeradas y dada la nula información de horarios más allá de esas 19:30 de apertura de puertas y siendo día laborable, pues dependerá de la suerte el sitio que cada uno obtenga, aunque sin duda la calidad del sonido saldrá muy beneficiada.
Este que se planteaba sin duda como uno de los conciertos del año en Galicia, ha empezado apuntando al fracaso por una paupérrima gestión, esperemos que la calidad del grupo acabe arreglándolo todo.

EDITO 03-11-2.011 - POR FIN SE CONOCEN LOS HORARIOS:

APERTURA TAQUILLAS : 18:30
APERTURA DE PUERTAS : 19:30
JONATHAN WILSON : 20:30 - 21:30
WILCO : 22:00

CRÍTICA : COLDPLAY - MYLO XYLOTO

2011-10-28T19:18:00.011+02:00

PUNTUACIÓN (Sobre 10) - 5,6

La evolución disco a disco de Coldplay ha sido clara y no ha tratado de engañar a nadie, su cada vez más enorme popularidad y las constantes referencias de los medios musicales como los máximos candidatos a sustituir a U2 como la banda más "grande" del planeta lo constatan de manera tan fehaciente como el acercamiento a un pop cada vez más comercial de su sonido. Particularmente nos encantaron sus dos primeros trabajos, desde la preciosista emotividad de Parachutes, llena de facilidad para dar con la melodía perfecta , hasta la facilidad con que llenaron esas melodías preciosistas de una épica grandilocuente en A Rush Of Blood To The Head, un trabajo que para nosotros marcaba también un camino, gracias a hits inapelables como "Clocks" o "In My Place", por el que Coldplay podrían haberse convertido en una de las bandas de estadio más importantes del planeta (para muchos este ha sido siempre un grupo de radiofórmula). Su tercera entrega X&Y demostraba que no querían estancarse, y evolucionó hacía un sonido más recargado que a pesar de algún gran tema resultaba fallido y fue su anterior Viva La Vida Or Death And All His Friends el que continuando por el mismo camino los convirtió definitivamente en una banda de estadio, muchos de sus fans primerizos los abandonaron por buscar convertirse en un grupo de masas y aunque era cierto, no lo es menos que el álbum se mostraba como un acertado conjunto de pop luminoso destinado al gran público. Como decía a nosotros nos gustaban más los dos primeros discos y quizás sea por eso, que este Mylo Xyloto nos ha resultado confuso, pues hemos disfrutado de los temas más lentos donde Chris Martin y los suyos se acercan a sus inicios, pero nos han decepcionado completamente, salvando un par de honrosas excepciones, los temas movidos, más cercanos aquí que nunca al pop comercial, llenos de elementos de electrónica ligera y efectos de producción, pero faltos del talento para redondear las melodías emotivo-épicas que antaño entregaban.
Las canciones de Mylo Xyloto, once si descontamos los tres intrascendentes interludios, se dividen entre los temas más rápidos, que intentando seguir los pasos de su mayor hit "Viva La Vida", buscan la grandilocuencia de un pop tarareable y discotequero repleto de facilones "oooohh " para el gran público, y temas más pausados donde vuelven a buscar la emotividad que siempre les acompaño. De entre los primeros, los más acertados son "Charlie Brown" con su eufórico ritmo y sobre todo "Don't Let It Break Your Heart" tema de melodía luminosa hipercontagiosa con unas juguetonas guitarras, que nos recuerda casi al final del álbum, lo mejor de la cara comercial del grupo. Del resto solo podemos salvar algo "Hurts Like Heaven" por su intento de contagiar la misma euforia que las dos anteriores pero se hace muy pesada ya al inicio del álbum. Después, los tres adelantos "Paradise", aburridísima e hipercomercial, "Every Teardrop Is A Waterfall" pop bailón que por mucho que se engañen los fans no copia "I Go To Rio", pues Chris Martin confiesa que se le ocurrió al ver la escena de Biutiful donde suena "Ritmo De La Noche", y "Major/Minus" donde saquean de manera soporífera a los U2 etapa americana, caen a niveles donde nunca imaginamos que se arrastrarían, y aún queda lo peor, la colaboración con Rihanna, "Princess Of China", que al escucharla das por seguro que la ha escrito ella (pero no) y que ni siquiera un sampler de los inigualables Sigur Rós la salva de la más absoluta mediocridad pop comercial. Para la esperanza están, los dos temas que nos acercan a Parachutes, "Us Against The World" y "U.F.O." preciosidades que mezclan delicadas guitarras acústicas y eléctricas con la sensibilidad característica de Martin, más "Up In Flames" sencillo tema de ligera percusión electrónica y piano que sumados al falsete típico rinden a la perfección e incluso la final "Up With The Birds" que a pesar de esa estructura con cambio de ritmo hacia lo épico ya tan repetida se suma a esos momentos esperanzadores. Las cuatro muestran a los británicos que son capaces de emocionar y adquirir innumerables fans de manera sencilla sin caer en lo mas burdo del pop de radiofórmula.
Coldplay han decidido seguir el camino que emprendieron hace tiempo ya, aquí alejándose de Brian Eno (aclaremos que eso de Enosificacion, que aparece en los créditos, no será nada, si viene a ser parecido a lo que fue en el grandioso The Lamb Lies Down On Broadway de Genesis, que como aclaró Peter Gabriel no fue más que una pequeña colaboración remezclando algunas voces y guitarras una tarde que coincidieron en el estudio), para acercarse a un pop de corte bailable de comercialísima producción, que sin duda hará que sigan aumentando sus ventas, mientras pierden totalmente a los que vieron en ellos un grupo de referencia en la época post OK Computer. Y aún así no caeremos nosotros en eso que están haciendo muchos de arrastrar toda su carrera, pues tanto sus dos primeros trabajos, como esos cuatro temas lentos más el acertado arrasa-estadios que es "Don´t Let It Break Your Heart" demuestran el oportunismo falso de tirar por suelo toda su obra, pero lo cierto es que tampoco entendemos a algunos sitios y revistas musicales de moda que han criticado este Mylo Xyloto como uno de los mejores de su discografía, cuando es sin duda su peor álbum en conjunto.

CRÍTICA : RYAN ADAMS - ASHES AND FIRE

2011-10-21T11:34:00.006+02:00

PUNTUACIÓN (sobre 10) - 7,0

Podríamos hacer un resumen rápido sobre el nuevo álbum de Ryan Adams respondiendo a dos sencillas preguntas, ¿es el mejor disco de los últimos años del de Jacksonville? y ¿esta al nivel de sus mejores trabajos?. Las respuestas son claras en ambos casos, a la primera pregunta un definitivo sí, a la segunda un rotundo no. Y es que este Ashes And Fire, recupera al Adams más centrado, el cantautor de raíces americanas de inigualable voz que recupera la esencia de grandes del genero como Bob Dylan o Gram Parsons, con temas sencillos de estremecedora belleza, pero a su vez no consigue llegar del todo a la frescura y perfección de los temas de su genial debut en solitario Heartbreaker, ni alcanza los mejores cortes de los algo inferiores, pero también sobresalientes Gold, Cold Roses y Jacksonville City Nights.
Empezando por la parte positiva del álbum, diremos que el americano vuelve de lleno a lo que mejor hace, y agarrado a su guitarra acústica compone un trabajo lento, dulce y sencillo, en solitario tras seis años acompañado por The Cardinals. El principio es contundente y directo, con la excelente "Dirty Rain" que nos adentra en una notable primera parte del álbum, con una vigorosa "Ashes And Fire" que nos deja con la simplemente excelente "Come Home", que nos deja claro que la colaboración de Norah Jones en el álbum será importante, en la casi desnuda "Rocks" parece pedir perdón por sus constantes delirios de grandeza, para rematar esta primera parte con la ligeramente mas movida "Do I Wait", de las mejores del lote, con importancia de los teclados obra de Benmont Tench, uno de los Heartbreakers de Tom Petty. La segunda parte del disco no mantiene el nivel tan constante, pero nos deja baladas country de alto nivel como "Save Me" o canciones algo más luminosas como la acertadísima "Lucky Now". Pasando a lo más negativo del álbum, aclarar que esa segunda parte no se mantiene constante porque faltan temas algo más vivos del nivel de "Do I Wait" y porque algún tema como "Invisible Riverside" cae en la monotonía. Además aclarar que la producción nos ha decepcionado un poco, sobre todo si tenemos en cuenta que recae sobre Glyn Johns (padre de su más habitual Ethan Johns) un clásico que además de haber trabajado con los Faces, los Beatles, Bob Dylan y otros grandes, tiene en su currículum ni más ni menos que haber trabajado con The Who en uno de los discos más grandes de todos los tiempos Who's Next. Quizá por eso esperábamos mucho, pero lo cierto es que la frescura y fuerza arrolladora que destilaban las bellísimas composiciones de Adams en las primeras producciones de su hijo Ethan, aquí no acaban de destacar, y en todo momento la instrumentación se mantiene dulce y blanda sin dejar explotar nunca ni la voz ni la guitarra de ese Adams que siempre quiso ser una figura del rock, y aunque eso le ha llevado muchas veces por caminos erróneos, cortarlo en seco hace que pierda una de sus señas de identidad. Por último, y puede que más por un gusto personal que otra cosa, falta aquí la harmónica insuperable de joyas como "Come Pick Me Up" o "Firecraker", de la que ya casi nunca se acuerda y que hubiera engrandecido varios temas.
Cuando publicamos a principio de año la crítica de III/IV su anterior cd, comentábamos que las mayores perdiciones que arrastra el americano son su mala cabeza y su incontinencia creativa sin ningún control, este acercamiento a sus inicios y su actitud algo mas calmada pueden hacernos creer en un principio de madurez que le hacia mucha falta y que ojalá, acabe en una mejor selección de sus esfuerzos a la hora de publicar. Comentábamos también que tras muchos años esperándolo, empezábamos a perder la confianza en que pudiéramos volver a ver al tipo que nos deslumbró con Heartbreaker, y aunque no es Ashes and Fire un paso definitivo, aunque le faltan momentos rotundos como las joyas antes citadas, supera sin problemas sus últimas referencias y lo coloca a la altura de lo mejor que hizo con Whiskeytown, y con eso nos basta para albergar de nuevo esperanza y para imaginarlo de nuevo acústica y harmónica en ristre dando de nuevo salida al inmenso talento que sabemos que guarda.

CRÍTICA : THE DRUMS - PORTAMENTO

2011-10-11T17:05:00.006+02:00

PUNTUACIÓN (sobre 10) - 6,5

Son sin duda The Drums uno de esos grupos que obtienen demasiado rápido un excesivo reconocimiento por parte de cierta prensa musical, curiosamente y debido en parte a eso, y a algún otro factor como la personalidad de su líder Jonathan Pierce, el descarado pastiche que es su música y el hecho de ser un grupo americano de pop británico, son también un grupo ideal para ser vapuleados por otra parte de la prensa musical. Como con la mayoría de estos grupos relámpago, el segundo álbum se convierte en el momento de mayor apogeo de las críticas de los que siempre se mostraron contrarios a la banda y el punto en el que muchos de los que los ensalzaron abandonan el barco. Como nosotros no solemos caer mucho del lado de este tipo de grupos, seguro suponíais que los pondríamos fatal, pero lo cierto es que este Portamento no tiene nada que envidiar a su debut (acaso algún hit tipo "Let's Go Surfing"), si bien como aquel no deja de ser un disco correcto con buenos momentos. No entendemos ni a los que se exceden en los halagos ni a los que se ceban en ponerlos a parir.
Lo cierto es que Portamento se diferencia mucho menos de The Drums de lo que pueda parecer, las influencias siguen claras y grandes del pop de los ochenta como The Smiths, The Cure o New Order siguen apareciendo por todas partes acompañados de espíritu playero juvenil. La única novedad es el cambio hacía un ritmo y un estilo más lento, oscuro y melancólico, alejándose de la luminosidad saltarina de su debut, en un casi ridículo intento de mostrarse mas personales y maduros. Pero lo cierto es que este cambio no hace perder de todo el espíritu juvenil y pegadizo de los temas más exitosos del anterior y aunque con menos dosis de adrenalina canciones como "The Book Of Revelation", "What You Were", "Money" o la final "How It Ended" conservan el gancho. Por otro lado esas nuevas connotaciones de pop más oscuro que a veces los hace fijarse, de manera blandita, en las bases rítmicas de grupos como Interpol (y aquí ya pasan a convertirse en un pastiche de pastiches) los muestra acertados por momentos y destacan temas como "I Don't Know How To Love" o "If He Likes It, Let Him Do It". El álbum transcurre sin grandes altibajos, aunque al igual que en su primer esfuerzo arrastra el gran defecto de la monotonía, provocada por la similitud de la mayoría de sus canciones, con los mismos ritmos de guitarra, y el mismo acompañamiento de las baterías y los teclados que demuestran una alarmante falta de recursos instrumentales que acarrean también en sus de momento flojos directos.
Terminamos aclarando en lo positivo que este segundo disco mantiene el aceptable nivel del primero, los pocos cambios no les han sentado mal y debería gustar a los que conquistaron entonces. Lo negativo es que la falta de recursos y personalidad musical que acusaban no ha mejorado y convierte en un más difícil todavía mantener su facilmente conseguido estatus con su próximo intento.

CRÍTICA : WILCO - THE WHOLE LOVE

2011-09-30T11:33:00.015+02:00

PUNTUACIÓN (sobre 10) - 7,7

Escuchar lo nuevo de Wilco sin haber escuchado/visto/leído un sinfín de opiniones se hace hoy en día prácticamente imposible debido al status que ha alcanzado la banda. Porque los de Chicago tras publicar consecutivamente un disco sobresaliente como Summerteeth y dos clásicos como Yankee Hotel Foxtrot y A Ghost Is Born, tres albums que mostraban a un grupo que tras coronarse como uno de los más importantes del alt-country, evolucionaba con excelentes tratados de pop en el primero, de art-pop insuperable en el segundo, para después girar y mezclar todo lo anterior a la manera de una perfecta banda de rock en el tercero, se convirtieron, con toda justicia, en uno de los grupos más importantes de la pasada década y consagró a Jeff Tweedy como uno de los mayores talentos musicales de los últimos años. Esto conllevó un aumento de popularidad (sin pasarse, que escuchar a algún super-indie hablar de música comercial es una estupidez supina) que han mantenido con sus dos anteriores trabajos y que provoca, como ya hemos dicho otras veces, un exceso de comentarios y una prisa por enjuiciar que dejan en el aire muchas ideas y opiniones, unas acertadas, pero otras muchas muy equivocadas y sin fundamento. La saturación que esto provoca, nos hace a veces confundirnos a la hora de disfrutar (o no) un nuevo álbum, por eso la primera parte de la crítica la dedicaremos a lo importante, el disco , escuchado en calma y con perfecta calidad, la segunda la dejaremos para esas cosas que después nos ha sorprendido (o no) oír/ver/leer.
Wilco estrenan compañía propia(dBpm) con este The Whole Love , algo que para ellos debe de suponer un paso liberador y para celebrarlo su nuevo álbum es una amalgama de todo lo que han hecho hasta ahora, repasando todas las caras que el grupo ha mostrado a lo largo de su excelente carrera. Por eso The Whole Love suena autorreferencial (algo que ya sucedía en Sky Blue Sky y Wilco(The Album)), porque suenen a Wilco haciendo que todas sus influencias queden aquí claramente reflejadas pero bajo ese sonido personal e intransferible que la banda ha alcanzado. Quizá lo único ligeramente novedoso lo encontramos en los temas de apertura y cierre, "Art Of Almost" nos muestra a los Wilco más experimentales, cercanos a como los hemos disfrutado antes pero aquí mezclando una primera parte con bases electrónicas cercanas a Radiohead con un apoteósico final rockero a mayor gloria de ese maestro de la guitarra que es Nils Cline, una genialidad que se contrapone a "One Sunday Morning", donde Jeff Tweedy libera sin ataduras a ese cantautor americano clásico que siempre ha llevado dentro, para a la manera de Neil Young o Bob Dylan, dejarnos 12 maravillosos minutos de una tonada guiada por una preciosa melodía repetitiva de acústica y piano que ligeramente va creciendo en intensidad. La vibrante "I Might" nos muestra la vertiente mas divertida de Yankee Hotel Foxtrot, "Sunloathe" nos trae la influencia cada vez más presente de los Beatles, aquí acertando con un delicioso cambio de ritmo en la parte final, "Dawn On Me" nos trae todo lo mejor del pop contagioso de Summerteeth, "Black Moon" tema intimista que en principio parece cortar el excelente ritmo que a esas alturas lleva el disco, va creciendo con cada escucha mientras que "Born Alone" con sus irresistibles guitarras nos recuerda la frescura de los temas más acelerados de Being There y cierra una primera parte del álbum sobresaliente. La segunda parte no consigue mantener el nivel tan alto, principalmente por su principio ya que "Open Mind" es un medio tiempo al estilo A.M., que no consigue destacar y "Capitol City" es un nuevo acercamiento a los Beatles que intenta mostrarse juguetona pero se hace monótona y simple, "Standing O" nos eleva de nuevo, mezclando la aceleración guitarrera del "I´m A Wheel" de A Ghost Is Born con los tics del mejor glam rock de T.Rex, después "Rising Red Lung" vuelve al intimismo folk rock mientras "Whole Love" se convierte en un tema contagioso con las escuchas, que hará que no pares de repetir su titulo. Para los más fans la edición de lujo trae un cd extra con cuatro temas, una gran versión del guitarrero "I Love My Label" de Nick Lowe, un medio tiempo lleno de punteos con "Message from Mid-Bar", el estupendo instrumental "Speak Into The Rose" que hará las delicias de quienes disfrutan con el final de "Art Of Almost" y una versión alternativa de "Black Moon" que no aporta nada.
Es este un trabajo que sigue la senda que han marcado desde que la actual formación permanece junta, pero que supera a sus dos predecesores, pues el conjunto es muy equilibrado y muestra una luminosidad recuperada, quizás no encontremos temas del calado de "Impossible Germany", pero tiene unos cuantos que puestos en manos de una de las mejores bandas en directo del mundo, van a volver locos a los que tengamos la suerte de disfrutarlos en vivo. No dudamos que el disco anda unos peldaños por debajo de sus obras magnas, pero la calidad de la banda es tal, que con subir algo el nivel como han hecho, les llega para firmar uno de los mejores discos del año. Además se les ve ilusionados ante la nueva etapa con compañía propia, así que confiamos en que sus nuevos trabajos continuen creciendo y los llevan a donde ya han demostrado que pueden llegar.
Hablando ahora de los comentarios que ha traído el octavo trabajo en estudio de Wilco y a pesar de estar recibiendo una buena acogida general, no son pocos los fans del grupo que dicen sentirse algo decepcionados, pero esto no nos sorprende pues son una banda que tuvo a muchos de sus primeros fans en contra cuando giraron del alt country a un pop rock más experimental, igual que los que se enamoraron de ellos en la década pasada parece que se les hacen cortos los logros de sus últimos albums y comentan que parecen acomodados, se entiende que ambos grupos tienen razón en sus quejas, pero mientras, los fans de todas sus caras disfrutando este álbum como enanos. Hay quien les crítica, no sin cierta razón, que su ramalazo Beatles no da para más, aunque "Sunloathe" hace dudar. Hay sitios que critican la duración del álbum por excesiva, pero son 56 minutos (el tonti pop bailarín de discos amarrados a los cuarenta minutos escasos, esta haciendo estragos en ciertos medios musicales), y casi todos proclaman "One Sunday Morning" una preciosa canción pero demasiado larga, pero es justo eso lo que la hace especial, de verdad no me imagino a ningún crítico hace cuarenta y tantos años diciendo que Bob Dylan debería haber acortado la duración de "Desolation Row" o Neil Young la de "Cowgirl In The Sand". Para finalizar, hay ciertos medios de moda que puntúan poco el álbum (precisamente ellos que regalan ochos y nueves a cualquier iluminado con un teclado) y lo hacen siempre recurriendo a la comparación con Yankee Hotel Foxtrot, algunos medios lo soban tanto para criticarlos, que parece más bien que quieren que se arrepientan de haberlo publicado, pero si tu eres fan, seguro no te importará pues aún menos puntuaron al imprescindible A Ghost Is Born. Ya lo decíamos, se comentan muchas cosas cuando Wilco publica algo nuevo, mientras ellos siguen sacando grandes (o grandísimos) discos, y ya van ocho.

CRÍTICA : ST. VINCENT - STRANGE MERCY

2011-09-23T12:10:00.013+02:00

PUNTUACIÓN (sobre 10) - 8,0

Vamos a hacer una crítica corta para el tercer disco de Annie Clark como St. Vincent, tras su paso por la banda de acompañamiento de Sufjan Stevens y de formar parte de esa especie de comuna musical que es The Polyphonic Spree en su tercer álbum. La crítica será corta porque lo cierto, es que lo que hace de este Strange Mercy un estupendo trabajo, es sencillo de explicar. Tan sencillo de explicar como complicado de conseguir. Lo nuevo de St. Vincent logra mezclar un pop con ligeras bases electrónicas, de ese que muchas divas de las listas de ventas se dedican a arruinar, con algún acercamiento a grandes nombres femeninos del pop y el rock, diferenciándolo y destacándolo de otras artistas similares, con su excelente trabajo en la búsqueda de originalidad en cada canción, llevando la instrumentación un paso más allá, para sorprendernos en cada tema. Mención aparte merecen sus guitarras, totalmente influenciadas por algún grande del rock sinfónico y progresivo, quizá herencia de su paso por The Polyphonic Spree, y que son las que llevan el peso en esa parte más original de cada tema. Todo esto acompañado de unas letras que podrían ser serie negra femenina y a veces feminista.
En las canciones de Strange Mercy no es difícil encontrar esa base de pop de tinte electrónico, es además evidente en algún tema la influencia de artistas como Kate Bush en la delicada "Champagne Year", de P.J. Harvey en la magnífica "Northern Lights" o de Bjork en la inicial "Chloe In The Afternoon". Pero también es cierto que ya desde ese estupendo tema inicial se aprecia la importancia que las seis cuerdas van a tener en el álbum, una importancia que alcanza su máximo cuando beben directamente de Robert Fripp y de sus guitarras sinfónicas,progresivas y experimentales tanto de discos de King Crimson como de su extensa carrera posterior. Es en temas como "Surgeon" o "Dilettante" donde apreciamos lo conseguido que esta ese acercamiento al rock sinfónico con unas guitarras que relanzan las canciones llenándolas de variaciones rítmicas, siendo el mejor ejemplo la inigualable "Neutered Fruit", donde también aparecen unos teclados que acaban por convertirla en un tema completamente sinfónico-progresivo. Todos los temas buscan esa vuelta de tuerca más, para hacerlos diferentes, algunos se exceden un poco y no consiguen cuajar del todo, como el single "Cruel" o la excesiva "Hysterical Strength", pero en contraposición otros menos rebuscados triunfan, como la arrolladora balada "Cheerleader" , la titular "Strange Mercy" o la final "Year Of The Tiger". Las bases pop, la importancia de las guitarras e incluso la influencia del rock sinfónico nos hacen recordar Bitte Orca de Dirty Projectors, que como aquí, también conseguían estupendos temas pop completos y variados rítmicamente.
Suponemos que habrá muchos a los que les cueste dar una oportunidad a St. Vincent, por que no comulgan con ese tipo de pop o porque le espantan las referencias a rock sinfónico, pero incluso a ellos les recomendamos este Strange Mercy, porque es una clara demostración de lo que se puede llegar a hacer con talento para al contrario de otros muchos, intentar engrandecer un estilo.

CRÍTICA : GIRLS - FATHER, SON, HOLY GHOST

2011-09-19T17:35:00.012+02:00

PUNTUACIÓN (sobre 10) - 8,5

Creo sinceramente que aunque su estreno en 2.009 con Album, pudo recordar en algo a un hype de esos que tanto abundan en las revistas y sitios más cools de aquí y de allá, sobre todo por pelotazos como la irresistible "Lust For Life" o la arrolladora "Morning Light", aquel debut nos mostraba bien a las claras que Girls eran algo diferente, un dúo (ahora se acompañan de tres músicos más) repleto de influencias clásicas, excelentemente actualizadas por las composiciones del líder Christopher Owens y por la instrumentación de Chet "JR" White. Todo se corroboró con la edición de su Broken Dreams Ep el pasado año y ahora con este Father, Son, Holy Ghost , se confirman como uno de los grupos de más talento del momento. Y lo hacen, como no, de una manera diferente a como muchos los esperaban, porque aunque los tres primeros temas puedan engañar, este es un álbum de baladas y medios tiempos, con innumerables influencias de pop y rock clásico de los 50, 60, 70 y algo más, con unas letras aun más desgarradoras que en sus anteriores entregas, llenas de desilusiones, remordimientos, vacíos existenciales ... no sabemos si tiene que ver, pero puede que la muy comentada infancia de Owens en la secta Childrens Of God, que lo hizo permanecer años aislado del mundo exterior, marque muchas de ellas, sobre todo en las que tratan sobre la relación con su madre.
No es sencillo hablar de todos los referentes que recorren el disco, seguro que nos dejaremos muchos en el tintero, porque la riqueza musical es densa, haciendo que durante todo el minutaje tengamos la sensación de escuchar algo familiar y que cada vez descubramos algo nuevo, conservando, eso sí, lo que ya nos ofrecieron antes como esa cercanía a Elvis Costello y su manera de rememorar a los más clásicos del pop y el rock. El inicio del cd es la parte más rítmica, empezando con "Honey Bunny" tema de aires surferos con estribillo pegadizo, que hace difícil no nombrar a Brian Wilson , a continuación "Alex" nos descubre a Owens cantando como Elliott Smith en un tema de pop de guitarras del de toda la vida, dando un excelente resultado y demostrando ya la importancia que van a tener las guitarras y sus solos en este segundo largo. Cierran esta primera parte más rápida, sorprendiéndonos con "Die" tema de hard rock setentero que emparenta directamente con Deep Purple en su parte cantada y se queda a medio camino de la épica folk de alguna balada de Led Zeppelin y del punto progresivo de Uriah Heep en su instrumental segunda mitad. "Saying I Love You" cambia el ritmo y retrocede hasta los años 50, para recordarnos baladas de Buddy Holly, Roy Orbison o incluso las mas melosas de los Everly Brothers, porque Girls no se han cortado a la hora de aplicar azúcar y aún así, bajo las enseñanzas de Elvis Costello, increíblemente consiguen que el tema funcione tras la contundencia de "Die". La desgarradora "My Ma" es un baladón setentero que se acerca a George Harrison mezclado a una lenta de T. Rex, con unos preciosos teclados y coros que elevan la intensidad para introducirnos en los arrolladores mas de seis minutos del single "Vomit", que empieza con reminiscencias de Pink Floyd, continua con una parte central de pura balada rock de los setenta llena de acertadas guitarras que acaba mezclándose con un coro final que recuerda mucho al de "The Great Gig In The Sky" del Dark Side Of The Moon, para que todo unido a la desgarrada interpretación de Owens nos den uno de las canciones del año. "Just A Song" es otro tema largo, que empieza con un solo de guitarra española que descoloca para dar paso a una dulce balada acústica que a mitad de tema cambia de tercio para acercarse a los Pink Floyd de Atom From Heart Mother y posteriormente soltarnos un final que suena a los Carpenters (más azúcar) de manera clara. En "Magic" vuelven a retroceder en el tiempo con un tema que recuerda de nuevo a solistas que ya hemos nombrado, pero aquí a la manera de los Beatles más desenfadados, acertando a relajar la intensidad emotiva que en esta parte lleva el disco. En los casi ocho minutos de "Forgiveness", Owens se queda a medio camino entre John Lennon y algún cantautor acústico, para en la parte final hacer explotar el tema con un solo de guitarra memorable, que recuerda a los de algunos temas de Wilco en A Ghost Is Born. "Love Like A River" aparca directamente en los años 50 y nos trae una balada de Fats Domino remasterizada, mientras "Jamie Marie" despide el trabajo con un preciosista ritmo lento, que se acelera con la entrada de un estupendo teclado en su parte final.
Todas las influencias que hemos nombrado (y todas las que se nos han olvidado), pueden hacernos pensar en una feroz crítica de todas esas revistas y sitios que los encumbraron, pues durante años han venido destrozando grupos que se han dejado caer por el hard rock setentero, por el rock sinfónico, por el soft pop... pero de momento esta siendo todo lo contrario, y es que quizá lo que realmente sorprende de este segundo largo de Girls, es la perfección compositiva y de producción con las que se acercan a cada estilo, sin aportar nada nuevo es cierto, pero redondeando los temas de cada uno de ellos, dejando que sean nuestros gustos más cercanos a un estilo u otro, los que nos hagan elegir nuestros temas favoritos del álbum.
Podemos entender que los de San Francisco perderán algún fan con este trabajo, aquellos que apreciaban la parte más inmediata de Album, pero nosotros no podemos dejar de recomendarlo e igualar nuestra mejor nota hasta la fecha, pues este es un disco que no hace más que confirmar a Girls como un grupo único y a este 2.011 como uno de los mejores años musicales de los últimos tiempos, muy por encima del anterior y eso que aún nos queda para terminarlo (ojo que la próxima crítica tambien es de un discazo). Toda esta bonanza ha hecho que los que rodeamos disconcierto ya estemos discutiendo si este es el disco del año o es el de The War On Drugs, con alguno que aún apuesta por el de Artic Monkeys, Bon Iver o PJ Harvey ... y que felices estamos.

CRÍTICA : CYMBALS EAT GUITARS - LENSES ALIEN

2011-09-13T13:10:00.011+02:00

PUNTUACIÓN (sobre 10) - 7,3

Los de Staten Island vuelven dos años después de sorprendernos con Why There Are Mountains?, excelente debut autoeditado para unos chicos que apenas alcanzaban los 20 años, con un segundo esfuerzo que a pesar de contar con un productor de renombre como John Agnello, continua con las mismas señas de identidad y no abandona el espíritu libre e independiente que recorría su primer trabajo. Se confirman Cymbals Eat Guitars como una alternativa ( diferente, muy válida y con enorme futuro) a los grupos que últimamente llegan triunfantes desde New York.
Musicalmente los referentes de Cymbals Eat Guitars son claros, desde el principio nos encontramos con los magníficos Built To Spill y Modest Mouse como su máxima influencia, acercándose también a mitos como Pavement, Sebadoh y en menor medida a Dinosaur Jr. cuando las guitarras se aceleran. A todo esto añade el grupo liderado por Joseph D´Agostino una manera de componer que busca siempre continuas piruetas rítmicas, con subidas, bajadas y varias canciones dentro de una misma canción, todo enrevensando las melodías y huyendo de la facilidad e inmediatez, con un puntito de psicodelia de aires setenteros. Otros hablan también de influencias como la Velvet Underground y Lou Reed o Weezer, pero eso son coyunturas diferentes, como que el nombre del grupo esta sacado de una frase de Reed describiendo el sonido de la Velvet o de que el grupo interpretará algunos temas de Weezer en sus inicios.
Todos sus referentes aparecen en este Lenses Alien desde la inicial "Rifle Eyesight (Proper Name)" tema de mas de ocho minutos y medio que comienza mostrando las guitarras de Built To Spill, después la fuerza rítmica de Modest Mouse y encuentra también espacio para enrevesarlo todo con partes instrumentales llenas d. A continuación CEG nos muestran todo su arsenal de melodías guitarreras, empezando por "Shore Points", una pequeña montaña rusa, que aunque estilísticamente tiene poco que ver, por la forma en que esta construida y cantada, recuerda los inigualables temas rápidos y teatralizados que Peter Gabriel ideó para The Lamb Lies Down On Brodway, continuando con "Keep Me Waiting" el tema más ortodoxo del álbum, quizá el único que te atrapa desde la primera escucha. "Plainclothes", y la estupendas "Definitive Darkness" y "Another Tunguska" se mantienen algo más accesibles que los dos primeros temas, rebajando el ritmo, pero sin dejar de buscarles las vueltas. La parte final del álbum comienza con "The Current" donde vuelve el ligero toque setentero que también tenía el tema inicial y "Plainclothes" llena una vez más de piruetas a medio tiempo. Los dos últimos temas recuperan la fuerza del principio del álbum, en "Secret Family" mostrándose mas duros que nunca y en "Gary Condit" donde empiezan con un ritmo lento, para acabar de nuevo con esas guitarras contundentes que tanto deben a los grupos que tienen como referencia.
Aunque reconocemos que este es un disco ligeramente inferior a su debut, y que el grupo no ha conseguido de momento un sonido personal que consiga que sus influencias no se noten tanto, hay que dejar claro se han quedado cerca de su primer trabajo y que sus esfuerzos por no sonar evidentes pronto les acercarán a un sonido más propio. Lo que nos dejan claro de nuevo es que si eres de los que gusta de aquel Indie Rock de los noventa y no te espantan las piruetas rítmicas, disfrutarás una barbaridad con sus álbums, y con su insultante juventud esperemos que por muchos años.

CRÍTICA : THE WAR ON DRUGS - SLAVE AMBIENT

2011-08-31T17:27:00.023+02:00

PUNTUACIÓN (sobre 10) - 8,5

Hace unos meses cuando publicábamos la crítica del disco de Kurt Vile Smoke Ring F or My Halo (ojo no para de crecer con las escuchas), comentábamos que había abandonado The War On Drugs para centrarse en su carrera en solitario y que con él habían dejado el grupo otros dos miembros, no prometía mucho el futuro para la banda, que nos había sorprendido con su excelente debut Wagonwheel Blues , cuando tres de sus cinco fundadores abandonaban, pero lo cierto es que su líder Adam Granduciel, ahora bajo el formato de trío, no ha permitido que esto le afectara y nos regala este Slave Ambient que supera incluso al trabajo de su amigo Vile. Ojalá todas las separaciones fueran como esta, con las dos partes publicando grandes obras, a partir del estilo que siguen compartiendo, ese que actualiza y filtra por estilos más modernos a grandes nombres del folk y del rock americano con una personalidad propia, y además ayudándose, como demuestra que Granduciel sea parte de The Violators, el grupo de Vile o que incluso componga una canción de su último álbum. Lo cierto es que ya es hora de empezar a reconocer el inmenso talento de estos dos tipos de Philadelphia, pues desde el 2.008 The War On drugs lleva un par de discos y un par de Eps y el más prolífico Kurt Vile cuatro largos y tres Eps, todo de gran nivel y culminado este año con la publicación de dos magníficos albums.
Se pueden detectar fácilmente las muchas similitudes entre el disco de Vile y esta nueva placa de The War On Drugs, pero es importante resaltar sus diferencias. Ambos trabajos, al igual que los anteriores parten de las mismas referencias, Bob Dylan, Tom Petty y Bruce Springsteen son las más evidentes pero mientras Vile se acerca también a otros clásicos como Derek and the Dominos o la Velvet Underground, las influencias clásicas en Slave Ambient se centran ante todo en aquellos tres y en especial en Dylan, sobre todo cuando Granduciel canta con esa voz arrastrada que recuerda al genio de Duluth. Otra diferencia la encontramos en la producción, pues si bien destacamos la mejora en el trabajo de Vile que le hacía abandonar el aire Lo-Fi de sus anteriores discos, allí todo se movía en un tono más acústico que dejaba entrever clarísimamente las influencias clásicas, mientras que lo cierto es que aquí la producción es de un a nivel espléndido, lo que provoca una claridad en la completísima instrumentación que hace que veamos nítida la influencia, a la hora de arropar su folk rock con múltiples teclados y eléctricas, de grupos como Spacemen 3 o Spiritualized. Por último y aunque este es un disco, que desde sus melodías entrelazadas con punteos de guitarra, requiere de escuchas y que no ha todo el mundo le entrará fácilmente, al igual que destacábamos de Smoke Ring For My Halo, lo cierto es que en su segunda parte sí contiene un par de temas que se abren a un público más amplio, acertando de pleno en un acercamiento al indie rock actual de más éxito.
El álbum empieza con "Best Night" una preciosa canción que emparenta directamente con los punteados que marcaban la melodía en el álbum de Vile y que cada vez que la escuchas te atrapa más y más, tras ella "Brothers" sigue en la misma linea pero la mejora con su perfecto acercamiento a Dylan, que parece difícil de mejorar hasta que escuchamos la mas pausada "I Was There" que con las mismas constantes que la anterior se pega a la cabeza irremediablemente con un piano y una harmónica impresionantes, aunque parezca increíble el nivel todavía mejora más con la genial "Your Love Is Calling My Name" donde Tom Petty entra en escena junto con una apabullante instrumentación, que nos enseña toda la calidad de la producción. Excelentes cuatro temas de apertura para un álbum que a partir de aquí cambia, los temas instrumentales entran en escena alternándose con los cantados hasta el final del álbum. Entre los instrumentales, dos son intros, "The Animator" atmosférico y perfecto en la conexión entre dos de los puntos álgidos del álbum, y el anecdótico "Come For It", mientras que los otros dos son temas en sí mismos, uno como continuación "City Reprise #12" lleno de teclados y el otro "Slave Ambient", el mejor de todos, uno de los pocos momentos donde apreciamos un pequeño acercamiento a otras de las referencias que se suelen citar al hablar del grupo y que en anteriores trabajos se apreciaban más, como es el noise y que al escucharlo tenemos la sensación de que Granduciel alucinó con aquella gira de Neil Young del 91 cuando llevó de teloneros a Sonic Youth. Los temas cantados de la segunda parte se dividen en los que continúan la senda del inicio de nuevo con Dylan y Petty en el espejo, en "It´s Your Destiny" arropados por un sonido de aires ochenteros, y en la adictiva y mas canónica "Black Water Falls" que despide el disco de manera maravillosa. Los otros dos temas cantados de esta parte son los que en alguna prensa les están valiendo comparaciones con Arcade Fire, con algunos hablando muy erróneamente de grupo que quiere sonar como los canadienses, pues si bien algún parecido hay en los teclados épicos de la maravillosa "Come To The City" (uno de los temas junto con "Brothers" que compone Dave Hartley el otro miembro fundador que queda y que debería prodigarse más atendiendo a los resultados), y la increíble rítmica de "Baby Missiles" pueda recordar a los de Win Butler, eso no debería llevar a plumillas con poco bagaje a pensar mal, no dándose cuenta de lo 100% Springsteeniana que es la canción, y que esa es una influencia de la banda desde que se formara en el 2.005 y no es más que una coincidencia pues AF se han acercado varias veces al de New Jersey en sus dos últimos trabajos, además el resto del álbum no tiene nada que ver.
Aclarar que algún punto negativo podemos sacar del disco, para empezar "I Was There" debería durar algo más y no cortar tan bruscamente el excelente momento de la harmónica, algunas influencias que se hacían notar más en sus anteriores esfuerzos como la Velvet (que sí ha mantenido Vile) o los toques noise se echan algo de menos pues ampliaban gratamente su espectro sonoro y para terminar la cantidad de instrumentales al concentrarse en la segunda parte, se hacen algo excesivos y hubieran quedado mejor con alguno al principio y con algún tema cantado más al final, que perfectamente podría haber sido "Comin´through" del Ep Future Weather (recomendado hacerse con él) paso inicial de la creación de este trabajo, al igual que Barrel Of Batteries lo fuera de su debut.
Terminamos la que creo ha sido la crítica más larga que hemos escrito, repitiendo una vez más que seguramente este disco no estará en lo más alto de las listas de la prensa y sitios musicales del momento, de tendencias pop bailonas y algo reacios al rock clásico, pero para nosotros este es un disco sobresaliente y como habréis notado los habituales, con nuestra manera de puntuar más baja que la mayoría de sitios musicales, obtiene la mejor nota que hemos dado hasta la fecha. De momento Disco Del Año

CRÍTICA : BEIRUT - THE RIP TIDE

2011-08-24T19:29:00.014+02:00

PUNTUACIÓN (sobre 10) - 7,4

Beirut, o lo que es practicamente lo mismo Zach Condon, es uno de esos grupos que parecen estar condenados a demostrar mucho más que otros, para acabar recibiendo siempre menos de lo que merecen. Se estrenó como Beirut, con apenas 20 años, con Gulag Orkestar, un excelente álbum de folk pop lleno de influencias balcánicas (impensable de un oriundo de Nuevo México), impregnado de un aire lo-fi que no ocultaba a un compositor detallista con una dulcísima voz, con un dominio excelente de la mas variada instrumentación (toda la sección de vientos, ukeleles, mandolinas, acordeón ... ) y un don innato para la épica. Tan solo año y medio después, tras publicar algún Ep notable como Lon Gisland, su segundo largo The Flying Club Cup confirmó todo su potencial superando a su predecesor, alejándose por completo de cualquier signo lo-fi, entrando de lleno en el pop preciosista sin perder su espíritu folk y con un algún ligero toque de chanson francesa, y demostró que las canciones de folk pop redondo con estribillos escondidos en sus melodías de trompetas y demás instrumentos de viento, no tenían el más mínimo secreto para él, lo que empezó a hacer que lo compararán con el inigualable Sufjan Stevens, aunque lo cierto es que si bien sus estilos tienen un punto de partida común, siguen caminos completamente diferentes. Unos supuestos problemas de agotamiento, le han llevado en los últimos cuatro años a tomarse con más calma su carrera y solo ha publicado la recopilación de dos Eps March Of The Zapotec/Holland, el segundo bajo el nombre de Real People un proyecto anterior con aires de electrónica y el primero un pequeño acercamiento desde sus propias coordenadas a la tradición mexicana, ambos irregulares pero con momentos de gran calidad. Esta espera de cuatro años para su tercer disco, ha creado más expectativas que nunca en torno a un trabajo suyo, para nosotros se pueden dar por cumplidas, aunque con algún pero.
Empezando por la parte negativa de este The Rip Tide, diremos que se encuentra un peldaño por debajo de sus dos predecesores, entre las razones hay que destacar para empezar la corta duración del álbum, 33 minutos tras cuatro años se hacen muy escasos, aunque seguramente el punto más importante sea la poca variación que encontramos en los temas, todos se parecen a alguno anterior y el trabajo se vuelve algo monótono, el pop preciosista se adueña de casi todo y empezamos a echar de menos en Beirut aquel espíritu más libre y divertido que daban las influencias de folk centroeuropeo a su primer álbum, aquel espíritu y aquella variedad que lo situaban cerca de Neutral Milk Hotel o A Hack and a Hacksaw (Jeremy Barnes y Haether Trost colaboraron para la edición de su debut) y que parece haber perdido. Aún con esto, y pasando ya a lo más positivo, el álbum mantiene un alto nivel y el bueno de Condon sigue demostrando lo bien que se le dan esas pequeñas joyas pop llenas de detalles, y es así como las herederas de "Elephant Gun" que son "A Candle´s Fire" y "Port Of Call" se elevan por encima de todas junto con la más luminosa en la instrumentación "Vagabond", mientras que dos temas más sencillos e íntimos de lo habitual como son "Goshen" y "The Peacock", muy cercanos al folk americano, ganan muchos puntos con las sucesivas escuchas. En conjunto el álbum es más accesible y pop que nunca con algún tema incluso optimista y soleado como el dedicado a su ciudad natal "Santa Fe" o puramente romántico como "East Harlem".
En definitiva, sin ser su mejor obra, es de nuevo este un trabajo notable, que aún así no convencerá ni a un solo oyente al que no le gusten sus anteriores discos y al que la mayoría de la prensa musical volverá a dar una buena nota, pero sin exagerar , que para dar notazas hay suficientes trabajos de tonti-pop por ahí, quedando de nuevo Beirut un poco en segundo plano, lejano de el éxito que a otros les llega demasiado fácil, algo inexplicable viendo su discografía en la que de momento todo obtiene de un notable para arriba y esto hay pocos que lo puedan decir actualmente. En realidad a nosotros esto no nos importará mientras siga publicando buenos discos, que con lo insultantemente joven que es, le quedaran muchos y si es recuperando un poco sus inicios, aún mejor.

CRÍTICA : LOS PLANETAS - PARQUE DE CASTRELOS , VIGO 13-08-2.011

2011-08-16T11:09:00.007+02:00

PUNTUACIÓN (sobre 10) - 6,7

El Sábado el tiempo no acompañó para disfrutar de un concierto en Castrelos, orballando sin parar, algunos llegamos sin tiempo para ver a Munich y pensábamos encontrarnos mucha más gente de la que había, sobre todo en la zona gratuita la de pago, con aproximadamente la mitad del aforo, nos permitía situarnos en un sitio privilegiado a pesar de llegar justos de tiempo.
En cuanto Los Planetas empezaron, todo el mundo corroboró lo que ya sabíamos sobre el despliegue técnico que en sus últimas giras les acompaña, sonido potentísimo y un espectáculo visual de lujo, aún con esto la potencia excesiva estropeó el inicio del concierto, un poco estruendoso de más, algo que no favorece a sus nuevos temas de deje flamenco. Son, como también sabíamos, esos temas que forman sus dos últimos álbums los que ocupan la primera mitad de sus conciertos, algo que viendo al público asistente durante esta parte, muchos dudarían de si es una buena decisión, incluso el propio grupo se toma esta primera parte con un toque de cierta desidia, algo que resulta bastante extraño pues parecen bastante convencidos de su nuevo sonido, pero lo cierto es que hasta que sonaron juntas "Reunión En La Cumbre" y "Alegrías del incendio" que finalizan la primera parte del directo acelerando tanto a fans como al grupo, todo resultó bastante tedioso y monótono. Aunque un par de temas como "Ya No Me Asomo A La Reja" y "Virgen De La Soledad" aumentaron mucho el nivel, lo cierto es que todos los que desde siempre han tachado a Los Planetas de mal grupo en directo, tendrían fácil aquí encontrar sus más comunes reproches, desde la nula interacción con el público hasta la poca fuerza y la escasa vocalización de Jota.
Supongo que a estas alturas la nota de ahí arriba os empieza a resultar extraña, pero aunque no me convenció la primera mitad del concierto, no me ha resultado difícil encontrar cosas positivas como el espectáculo visual o los cuatro temas mencionados y además quedaba la segunda parte. Una segunda parte que empezó con sorpresa, Isa de TAB apareció en el escenario para interpretar la inmensa "No Se Como Te Atreves" haciendo suya la parte que en cd interpreta La Bien Querida y dando el pistoletazo de salida a la parte del concierto en la que Los Planetas recorren sus seis primeros trabajos repasando hits. Podría hablaros de que a estas alturas el sonido estaba perfecto, de que las guitarras se habían afilado, de que Eric es un batería de lujo y de que Jota es Jota y chitón, y todo es cierto, pero de lo que me apetece hablar es de las canciones. Sonaron entre otras "Segundo Premio", "Rey Sombra", "Santos Que Yo Te Pinté", "Un Buen día" y "Corrientes Circulares En El Tiempo" para recordarnos a todos los que estábamos que son los mas grandes de nuestra música, que sus temas clásicos perduraran siempre, que los que no los soportan es porque no alcanzan a entenderlos, que de mal directo nada... pero si no puedo parar de saltar. Al acabar "De Viaje" todos sentimos que no podía ser el final, pero si aún quedan un porrón de temazos por sonar, pensamos, pero lo cierto es que las cerca de dos horas de concierto y las luces encendiéndose marcaban la retirada.
Puede que ahora a alguno le parezca corta la nota de arriba, pero aunque la segunda parte del concierto enseñó lo que pueden hacer vibrar al público, no deja de demostrar que ( y aunque prefiero a Los Planetas anteriores, también me gustan sus dos últimos discos) los temas más actuales ocupan el 60 por ciento de sus conciertos y solo el 40 restante queda para sus seis primeros trabajos, algo sin duda excesivo porque además de ser la mayoría de sus temas aflamencados menos lucidos en directo, dejan una cantidad exagerada de hits fuera y desde aquí reclamamos que por ley sus conciertos no duren menos de dos horas y media y que el reparto de temas entre sus albums sea más equitativo, para que "La Caja Del Diablo", "David y Claudia", "La Copa De Europa", "Si Esta Bien", "Maniobra De Evasión", "Dulces Sueños" y otras muchas no se queden nunca sin sonar.

WILCO EN VIGO

2011-08-09T12:13:00.009+02:00

Aunque por motivos personales este año pensábamos que no podríamos hacer críticas de conciertos, lo cierto es que las últimas confirmaciones en la ciudad de Vigo, primero Los Planetas y ahora Wilco, hacen que ya no lo tengamos claro y por si fuera poco un grupazo como No Age en Santiago por 5 euros ....
Los inigualables Wilco tocarán en Vigo el 4 de noviembre en el pabellón de As Travesas, arrebatándole el concierto a A Coruña, donde se rumoreo a principios de año que tocarían los de Jeff Tweedy. Sin querer entrar en polémicas que ni nos van ni nos vienen, Vigo, a pesar del descenso en cantidad de este año y de la rebaja en cuanto a calidad con la excesiva contratación de triunfitos ,Juanes y demás de los últimos años, se confirma como la mejor opción de los aficionados a la música menos comercial en Galicia, algo por encima de Santiago y A Coruña, en otra dimensión con respecto a Orense o Lugo y dejando en evidencia la patética programación musical de Pontevedra, donde solo el magnífico trabajo de la Sala Karma da vida a la tribu alternativa de la ciudad y alrededores.
Pero no todo son buenas noticias, hay puntos sobre el concierto de Wilco, que a muchos en la red les han llenado de decepción y que esperemos que se aclaren con el tiempo dado que la noticia es muy reciente.
- Lo primero es la hora anunciada para el concierto al comprar las entradas (servinova.com, 40 euros+gastos), aparece las siete de la tarde, y es un Viernes con lo cual el currito medio que trabaja hasta las ocho y media de la tarde ...
- Lo segundo es que el lugar elegido es As Travesas, siempre una malísima opción dada su horrible acústica, que además se hace muy extraña al leer que el aforo esta limitado a 2.500 personas, cuando el aforo del pabellón para conciertos suele superar las 4.000. Punto complicado este, sobre el que algunos fans comentan que si el concierto hubiera sido en A Coruña, el Colisuem hubiera sido un sitio ideal y sin necesidad de ver el concierto sentado como ocurrió hace dos años en Santiago.
Esperemos que desde la organización expliquen pronto las razones del horario, el lugar y el limite de aforo. Lo mejor sería que todo fuera un error, pero nos tememos que no. Aún así una gran noticia volver a tenerlos de gira por España para presentar su esperadísimo nuevo trabajo The Whole Love.

EDITO : Jonathan Wilson actuará en Vigo acompañando a Wilco

CRÍTICA : DISCO LAS PALMERAS! - NIHIL OBSTAT

2011-08-01T18:47:00.005+02:00

PUNTUACIÓN (sobre 10) - 7,5

Casi se nos pasa el debut de este grupo de Sarria (Lugo), hubiera sido imperdonable. Porque tras ese nombre tan equívoco que nos hace pensar en alguna orquesta de verano, se esconde un disco que ya desde el inteligente titulo, Nihil Obstat es la aprobación moral y doctrinal de la iglesia católica para que una obra pueda ser publicada, nos demuestra que este trío sin bajo (colocan una cuerda extra a una de sus guitarras) tienen muy claro lo que hacen y tras obtener éxito en concursos varios, nos atacan ahora con una colección de temas, que como bien ilustra la portada, son unos tremendos directos en toda la cara.
Las referencias son evidentes en Nihil Obstat, la primera son Triangulo De Amor Bizarro (sobre todo los de Año Santo) no solo por ser paisanos, sino porque comparten el gusto por el noise y el shoegaze y es obligado nombrar a Los Planetas, Sonic Youth y como no a My Bloody Valentine entre las influencias compartidas, pero además Disco Las Palmeras! añaden un gusto por el rock contundente de aires hard y punk que los acerca a grupos como Lagartija Nick, Nueva Vulcano o incluso Hüsker Dü. Todas estas bandas , un montón de amplificadores e innumerables guitarras arrolladoras son lo que encontramos en los once trallazos que componen Nihil Obstat, destacando las iniciales "La Casa Cuartel" y "A Los Indecisos", las directísimas "Me La Jugasteis En China" y "Los Economistas" y los dos temas que suponen un ligero descanso en el continuo golpear del álbum, las magníficas "Estados Emocionales (y Vaticanos)" y "Testigos De Dios". Todo esto sin olvidar sus grandiosas letras, por las que merece sin duda hacer el esfuerzo de intentar entenderlas entre la maraña sonora que las envuelve. Letras duras, directas e inconformistas que pueden tratar sobre el pánico tras un atentado como en "La Casa Cuartel", sobre un miedo más interior en "A Los Indecisos", o rebelarse ante la situación social y política actual en "Los Nuevos Nihilistas", "Los Economistas" y la irónica "La Soga Umbilical". Decididamente un conjunto de música y letras que se unen a la perfección para conseguir su objetivo, sacudirnos a trallazos musicales sin piedad, algo muy necesario en este época de excesivo pop blandito, algo que parece que en el nuevo indie gallego se tiene muy claro.
Aclararemos que el disco no es perfecto, todo lo que aquí escuchamos ya lo habíamos escuchado antes y hay algún momento de cierta monotonía con ritmos que se solapan, sin duda le hubieran venido bien uno o incluso dos temas más (aumentando un poco el minutaje) del corte de "Estados Emocionales (y Vaticanos)" y "Testigos De Dios" que darían variedad, y dado el nivel de estas dos mejorarían sin duda la calidad del álbum. Se puede pensar que hay que esperar para ver la evolución de Disco Las Palmeras! y es cierto, pero no hay que olvidar que este es su primer disco , aunque parezca mentira, que de momento es sin duda el debut nacional del año y posiblemente el disco nacional del año.
Para terminar, e intentando seguir el ejemplo del trio gallego, nos gustaría mandar un par de directos, uno a la prensa musical importante del país, porque si bien las críticas a Nihil Obstat han sido fantásticas, parece ahora que se le da más bola a ciertos debuts de grupos de las regiones de esa prensa, alguno incluso con referentes similares a los de Disco Las Palmeras!, que están a un nivel tan inferior que quizá algunos deberían pensar hasta donde debe llegar la defensa de los grupos "amigos", aunque claro si te paras a ver la bola que le da la propia prensa gallega ... Dos, para toda la organización de ese Rock in Way que teóricamente apoya a los grupos gallegos, vamos a intentar no decir casi nada malo del cartel, más cuando parece que los grupos vienen casi en conjunto con el En Vivo de Getafe con lo cual suponemos que había poco que hacer, pero que la última confirmación sea The View, un grupo británico de segunda, mientras el grupo gallego que firma el debut del año no esta ...

CRÍTICA : THE HORRORS - SKYING

2011-07-22T18:59:00.007+02:00

PUNTUACIÓN (sobre 10) - 7,3

Cuando se publicó el primer trabajo de The Horrors casi todo el mundo a excepción de algunos medios que los intentaron encumbrar, descubrió un claro hype en ellos, Strange House era un claro saqueo al garage sesentero con ciertas dosis de punk. Un mal directo y una imagen medio oscura-gótica casi más importante que lo artístico, nos convencieron a todos del carácter caduco del grupo. La sorpresa llego un par de años después, en Primary Colours producidos por Geoff Barrow de Portishead el grupo daba un cambio radical, reduciendo las guitarras y acercándose a los grupos indies de finales de los ochenta y primeros noventa, mucho shoegaze y un toque Kraut en un nuevo saqueo a sus referencias con la gran diferencia de que este álbum contenía muchos buenos temas y alcanzaba un notable nivel. Hace poco conocíamos el proyecto paralelo del líder de la banda Faris Badwan con la cantante de opera Rachel Zeffira, Cat´s Eyes un álbum que desde el pop más clásico y una clara influencia de lo que Barrow había echo en Portishead continuaba con un buen nivel. Para esta nueva aventura The Horrors se han autoproducido y no pocos han sido los que dudaron de si, sin el gran Barrow, podrían mantenerse. Bien pues podemos decir que lo han conseguido e incluso una buena parte de la crítica se esta mostrando encantada con este nuevo Skying. Lo cierto es que para él ,The Horrors se han retrasado solo unos años y han aplicado su último saqueo a algunos grupos que triunfaron en la primera mitad de los ochenta , y al igual que en su anterior disco vuelven a conseguir un trabajo completo con grandes temas, eso sí , en su práctica totalidad, de originalidad cero.
Desde los primeros acordes de la inicial "Changing The Rain" nos queda claro por donde van los tiros, las guitarras siguen perdiendo peso y dan paso a los teclados y sintetizadores, los ochenta se abren paso y grupos como Echo & The Bunnymen, The Psychedelic Furs o The Chameleons surgen en cada nota del álbum e incluso casi podrían pedir royaltyes por el logrado tema final "Oceans Burning". La pegadiza "You Said " y la envolvente "Wild Eyes" no hacen más que confirmar las impresiones mientras que "I Can See Trough You" añade otra influencia de aires más comerciales como Simple Minds que apreciamos más claramente en el single "Still Life". A pesar de que el sonido que comentamos cubre la practica totalidad del disco, the Horrors guardan ciertos momentos para echar la vista atrás, a sus anteriores trabajos haciendo tomar vida a las guitarras , y lo cierto es que consiguen hacer que encaje bien, dando vida al álbum, como en el cambio de ritmo de "Endless Blue", en el magnífico acercamiento a las influencias de su segundo álbum que es "Dive In" o el toque kraut de la gran (en todos los sentidos) "Moving Further Away", hermana pequeña de la que sigue siendo su mejor canción "Sea Within A Sea". Casi al final "Monica Gems" nos sorprende con su mimetismo a Suede, convirtiendose en el tema más inesperado de un álbum que mantiene un buen nivel a lo largo de todo su minutaje.
Hay que aclarar que si eres de los que ante todo buscas un sonido propio en tus grupos favoritos, The Horrors no te harán disfrutar y que si eres de los muchos que no soportan aquellos primeros ochenta y para ti la década empezó después del Psychocandy, este no es tú álbum. Pero lo cierto es que, si consideramos que la originalidad es un bien escaso en nuestros días que ya casi no le pedimos a ningun grupo, no podemos sino reconocer que tanto Primary Colours como este Skying son dos notables discos y que The Horrors empiezan a labrarse una carrera sólida para nuestra sorpresa. Si siguen siendo capaces de ser tan variados como hasta ahora, su música nos acompañará unos cuantos años más, aunque nunca sean nuestro grupo favorito ni publiquen una obra maestra.

CRÍTICA : HOLA A TODO EL MUNDO - ESTELA CASTIZA

2011-07-18T19:40:00.012+02:00

PUNTUACIÓN (sobre 10) - 7,2

Esta sera una crítica algo más corta, dado que lo nuevo de HATEM es un Ep muy distante de la duración de su debut. Un debut homónimo que los catapultó a las revistas y sitios especializados y que creo cierta controversia a su alrededor, si bien la mayoría de la crítica los lleno de parabienes y consiguieron un buen número de fans entregados, fueron bastantes los que vieron en ellos un grupo impostado (ya sabéis, eso de perroflautas de diseño) con un mal directo. Estela Castiza no hace más que acrecentar las distancias, los que estaban a favor solo encuentran en este nuevo material una demostración de sus cualidadades y de que todavía siguen creciendo, mientras que sus detractores afirman que aqui no hay más que repetición y pijerio adornado. Lo cierto es que además del cambio evidente, el del idioma (que no provoca grandes diferencias), hay algunos puntos nuevos que hay que tener en consideración, por que traen pros y contras.
En la parte positiva tenemos que empezar destacando que HATEM lo siguen bordando al hacer que su música sea una continua sorpresa, llena de imaginación y continuos vuelcos,que hizo que muchos los emparentaran con Arcade Fire, y lo siguen haciendo a pesar de la drástica reducción de la duración de los temas. También la pequeña evolución del sonido, que les permite acercarse más al pop en los temas cantados (como "Leon Comunión", "Estela Castiza" o "Numero Nadie"), sin perder de vista el folk americano que guiaba su primer trabajo ("Maestra Alegranza" y "Cara Cazador" mantienen esa mezcla entre lo actual de grupos como"Akron Family" y los clásicos del genero), y sobre todo, el acercamiento a pasajes instrumentales de Sigur Rós (evidente en "1=0" y "Estrella De Seis Puntas", dos de los tres cortes instrumentales), nos muestran una sana apuesta por ampliar su paleta de influencias.
En la parte negativa, además de la ya mencionada escasez del minutaje con solo cinco temas más los tres interludios instrumentales, esta la producción del álbum, menos acertada que la anterior (sobre todo en el tratamiento de las voces) y que por momentos se suma al mayor aire pop de los temas, para acercar al grupo a los ya excesivos grupos nacionales de tonti-pop-saltarín desmesuradamente vanagloriados por la revistas y los sitios musicales. Uno se imagina a HATEM evolucionando hacia un sonido cada vez más cuidado, con una producción que aproveche su espíritu imaginativo, muchos lo calificarían como madurez mal entendida, pero sin duda ganarían sonando grandes y es un error acercarlos al pop de juguete que nos satura ultimamente.
Esperamos con ansia su segundo largo, entonces veremos más claramente hacia donde se dirigen. Nosotros deseamos que no pierdan su espíritu y sus influencias americanas y que se conviertan en una banda única en la escena indie nacional, mientras tanto disfrutaremos de los buenos momentos que nos vuelven a dar con Estela Castiza.

WU LYF - GO TELL FIRE TO THE MOUNTAIN

2011-07-12T19:07:00.008+02:00

PUNTUACIÓN (sobre 10) - 7,2

Cuando leí por primera vez algo sobre Wu Lyf (World United Lucyfer Youth Foundation) en una web musical nacional, despertó mi curiosidad lo mucho que insistían en lo sorprendente y difícil que era definir su música, incluso los artistas que nombraban como referencia ( que tras escuchar el álbum resultaron ser completamente erróneos), resultaban chocantes. Pronto en otras webs especializadas empecé a ver este disco destacado y casi todas coincidían en señalar lo original de su propuesta, muchas acertando con las influencias. Fueron esas afirmaciones los que me llevaron a escuchar el disco, mientras que la otra parte de todas las reseñas sobre el grupo, esa que habla de grupo misterioso, de nombre rebuscado, que no muestra sus caras, que rechaza a los medios, no quiere popularidad y con su página de wikipedia "misteriosamente" borrada continuamente ... esa parte casi hace que desista porque hoy en día estos actos suelen ser intentos de promoción ( en este caso la han logrado), que casi siempre nos conducen a un hype. Algo que sin duda Wu Lyf pueden ser, lo cual no quita que este debut sea un buen disco, con una propuesta de claras referencias pero con un toque personal y ligeramente novedoso (no nos pasemos) . Incluso la definición que le dan a su estilo, Heavy Pop, no se aleja demasiado de la realidad.
Para hablar de lo que nos encontramos en los diez temas de este Go Tell Fire To The Mountain empezaremos por la parte instrumental. Cuentan Wu Lyf con un sonido ligeramente difuminado, tienen algo de Arcade Fire, de sus organos de iglesia y de su épica instrumental, nos bastan los arranques de temas como la inicial "Lyf" o "Summas Bliss" para detectarlo y en la lograda "Such A Sad Puppy Dog" se hace evidente. Tienen además mucho de Modest Mouse, la fuerza con la que atacan las melodías bebe directamente de los americanos, quizás su influencia más clara a lo largo de casi todos los temas, siendo la fantástica "Cave Song" un ejemplo casi mimético. Además, Wu Lyf añaden algunos guiños, sobre todo con las guitarras, al indie pop más saltarín, ese que tan bien acogen las revistas mas modernas, lo apreciamos en "Summas Bliss", "Concrete Gold" y especialmente en "We Bros". Aportan también un punto personal, con esa forma que tienen de tocar sus instrumentos, las excelentes percusiones principalmente, un estilo medio tribal casi salvaje que da gran intensidad a sus temas. Aunque la parte más personal de su música es sin duda la vocal, con un Ellery Roberts que aunque parte del magnífico Isaac Brock de los temas más rápidos de Modest Mouse, aplica una furia y una intensidad más propia de cantantes de metal alternativo, con una ininteligible pronunciación que a veces te hace dudar de si canta en ingles o incluso si es que solo dice una parte de las palabras, llegando a recordar en algún momento la cazallosa voz de Caleb Followill en el debut de Kings Of Leon, pero sin el toque sureño. Todo se junta para dar forma a Go Tell Fire To The Mountain e intentar definir un estilo propio, en un encomiable esfuerzo que tiene en temas como "Lyf", "Heavy Pop" y por encima de todas "Dirt" unas acertadas amalgamas de todo lo citado anteriormente. Este esfuerzo sin embargo, no termina de triunfar completamente porque el disco peca en exceso de monotonía y repetición, muchos son los temas que calcan su estructura con inicios más calmados que van in crescendo a momentos de gran intensidad, e incluso por momentos ciertas canciones se confunden un poco unas con otras.
Terminamos repitiendo que hype o no, este debut es un disco notable, y que si consiguen hacer carrera una vez pasado el revuelo que están levantando, la personalidad y destreza instrumental que aquí exhiben, bien podría llevarlos, con una correcta evolución que les permita ser más variados, a cotas más altas. Lo esperamos.

CRÍTICA : THE ANTLERS - BURST APART

2011-07-06T13:05:00.004+02:00

PUNTUACIÓN (sobre 10) - 7,2

Hospice, tercer largo de The Antlers (hasta entonces proyecto unipersonal de Peter Silberman convertido en trío con este álbum), se convirtió en uno de los discos destacados del 2009, partiendo de una historia personal similar a la de Justin Vernon cuando parió el debut de Bon Iver. Silberman, deprimido tras una ruptura sentimental, se paso más de un año enclaustrado en su casa grabando Hospice, un disco conceptual lleno de tristes y explícitas letras, de sonido oscuro y opresivo, que gira en torno a quien sufre un cáncer terminal y sobre todo a quien sufre viéndolo morir. Suponemos que tras el éxito cosechado entonces, la tentación por crear una segunda parte de Hospice ha sido grande, pero la banda ha venido anunciando que para este nuevo álbum querían evolucionar en su sonido y sin llegar a romper del todo con su anterior trabajo, sí lo han conseguido.
A pesar de que la voz afectada de Silberman sigue sonando igual en la mayor parte de los temas y muchos de ellos continúan teniendo ese tono oscuro que caracterizaba a su predecesor, sí apreciamos en este Burst Apart un claro acercamiento a un pop de instrumentación amplía, con toques electrónicos, completamente alejado del aire lo-fi de anteriores trabajos y unos ambientes mucho mas dulces que los emparentan directamente con el sonido de los britanicos Wild Beasts. The Antlers han ampliado sus referencias, y asi nos podemos encontrar temas que recuerdan la redondez melódica de unos Death Cab For Cutie como "I Don´t Want Love" y "Corsicana", claros acercamientos a los Radiohead más electrónicos como "Parentheses" o alguna ligera aproximación, que ya antes habían practicado, al post-rock en "Rolled Together" o "Hounds". Ademas el disco, que no es precisamente de escucha accesible, sí contiene un par de temas con melodías inmediatas ideales para ser singles, como son la rítmica "Every Night My Teeth Are Falling Out" y el baladón pop con aires negroides que despide el álbum "Putting The Dog To Sleep". Las letras siguen tratando de perdida y tristeza, pero en este caso relacionadas con el amor y al igual que en el sonido , no podemos decir que este sea un álbum optimista ni mucho menos, pero si aporta un punto mas luminoso que Hospice.
En resumen, no es este Burst Apart un disco fácil como tampoco lo era Hospice, y lo cierto es que no alcanza el impacto de aquel, pero nos muestra un grupo en clara evolución tras el inesperado éxito y además no baja el nivel en practicamente ningún momento de su minutaje. Lo mejor es, que de momento no podemos ponerle techo a estos aún muy jóvenes neoyorquinos, ni muros al talento compositivo de su líder.

CRÍTICA : BON IVER - BON IVER

2011-06-28T11:29:00.011+02:00

PUNTUACIÓN (sobre 10) - 8,3

For Emma, Forever Ago fue para mi una de las más agradables sorpresas musicales de los últimos años, no solo el mejor disco del año, sino también entre lo mejor de la pasada década, folk de emoción inigualable a través de una guitarra y un falsete. Y sin embargo el segundo largo de Bon Iver despertaba en mi más incertidumbre que cualquier otra cosa. El hecho de que su debut fuera consecuencia de una situación personal concreta de Justin Vernon (líder único de la banda aunque ahora se acompañe de sus amigos Matt McCaugham y Sean Carey), que se aisló en una cabaña en las montañas de Wisconsin, durante cuatro meses de helado invierno, tras una ruptura sentimental, durante los cuales compuso y grabo los temas, me hacía dudar de si los logros podrían volver a alcanzarse en una situación más típica, y aunque el ep Blood Bank despejaba algo las dudas, la crisis artística que confesaba Vernon para componer este segundo álbum, no prometía nada bueno. Al saber que para grabar había contado con un numeroso grupo de músicos de lujo, me desconcertó un poco, pero todo se disipó con el adelanto de "Calgary" y con la posterior llegada del material completo. Evolucionando sin perder la esencia, Bon Iver presenta un segundo disco de producción cuidada, instrumentación amplia y excelentes arreglos, que por momentos incluso se aleja del folk para entrar de lleno en el pop, y todo sin perder la intensidad emotiva de su debut. Adiós a la incertidumbre con otro excelente trabajo, y además sin repetirse.
El nuevo sonido que acompaña a Vernon lo apreciamos desde el primer lugar (todos los temas se se titulan como alguno) al que nos acerca, "Perth", desde ya uno de los temas del año, guitarras eléctricas, vientos y arrolladora percusión acompañando el falsete y la deliciosa melodía marca de la casa. "Minnesotta, Wi" mezcla un estribillo de acústicas y falsete, con estrofas de pop sin falsete, fantástica la que arranca tras el primer estribillo acelerando y recordando mucho al genio Peter Gabriel (que incluyó "Flume" en su disco de covers del pasado año). "Holocene" y "Towers" continúan con el sonido denso, aunque aquí con un tono más de acuerdo a su primer álbum, y ambas se muestran espléndidas, la primera con una guitarra acústica mil veces escuchada antes, pero que te conduce como en una nube por los cerca de seis minutos que dura y la segunda con más ritmo y un bonito cambio digno de lo mejor de Fleet Foxes. Tras el magnífico arranque, "Michicant" la canción más parecida a las de su debut y "Hinnom, Tx" que amenaza al comienzo a pop ochentero comercial, aunque después lo arregla con unos pegadizos juegos de voces, bajan ligeramente el nivel respecto a los cuatro primeros temas. Después "Wash" delicado tema al piano digno del mejor Antony, vuelve a elevar el tono, que recupera su máximo con "Calgary", la otra gran joya del disco, una canción de pop preciosista con espíritu folk pastoral y un ritmo irresistible, sin duda otro de los temas del año desde ya mismo. Para el final del disco encontramos "Lisbon, Oh" un pequeño y bonito instrumental que ganaría si no fuera el preludio de "Beth /Rest" el gran error del álbum, donde no sabemos si es que realmente le va el pop plástico y prefabricado puramente ochentero o es que de nuevo intentaba acercarse a Peter Gabriel , pega un resbalón y cae en su reverso tenebroso, su parásito comercial Phil Collins (me sigue resultando increíble la incultura musical de los que mezclan el estilo de Gabriel y Collins solo porque coincidieran en Genesis, genial grupo cuando Gabriel lo lideraba, AOR desesperante cuando Collins se hizo cargo, por no hablar de la diferencia abismal de sus carreras en solitario), pero lo cierto es que el tema es un pegote de cliches horribles, producción plástico puro, piano y guitarras al estilo Bruce Hornsby mezclados con un saxo de juguete que recuerda a Kenny G, una horrible manera de terminar y que lo priva de conseguir algo tan difícil como es mantener un alto nivel durante todo el minutaje.
Bon Iver esta un peldaño por debajo de For Emma, Forever Ago, porque no alcanza (aunque se queda cerca) las cotas de emoción que provocaba aquel y por su desacertado final, aun así las revistas/sitios musicales más cools del momento lo valorarán por encima, dado su acercamiento al pop, y la mayor afinidad que les provocará esto. Lo innegable es que este es de nuevo un trabajo excelente, que sera de lo mejor de este año, sino lo mejor, y además sorprende, confirmando a Justin Vernon como uno de los mayores talentos del momento, con lo cual no queda más que disfrutarlo y esperar ansioso su siguiente álbum sin incertidumbre alguna ..., a no ser que esté lleno de baladas plasti-pop ochentero. Uf.

CRÍTICA : ARCTIC MONKEYS - SUCK IT AND SEE

2011-06-20T12:06:00.012+02:00

PUNTUACIÓN (sobre 10) - 8,3

Hace seis años Wahtever People Say I Am, Thats What I´m Not, el debut de Arctic Monkeys se convirtió en uno de los mayores hypes de la historia, éxito desmesurado para unos recién llegados, que sirviéndose de Internet se dieron a conocer desde la nada y a base de hitazos llenos de guitarras y euforia juvenil, rompieron el mercado. Esto creo cierto recelo entre alguna prensa especializada que aún hoy perdura y que provoca que no se permitan dar grandes notas a sus trabajos, ni al primero, superado en algunos sitios por innumerables discos en aquel 2.006, a pesar de lo cual todos lo incluyen después en sus listas de lo mejor de la década. Tampoco el claro y progresivo alejamiento del estilo que les valió aquel éxito hacia sonidos mucho menos explosivos e inmediatos, les ha valido para que cierta prensa (americana sobre todo) olvide el recelo inicial. Una evolución esta que sin embargo sí les ha costado el alejamiento de muchos fans iniciales, desilusionados con la rebaja de adrenalina que ha ido suponiendo cada paso del grupo, aunque los monos siguen contando sus trabajos como éxitos comerciales.
Para este Suck It And See, Alex Turner y los suyos anunciaban un balance de lo que habían hecho hasta ahora, y a fe que es eso, pero también algo más. Porque aquí encontraremos el descaro guitarrero del primer álbum (poco), ese mismo descaro con guitarras más cuidadas y sin estribillos alejándose de la inmediatez que supuso su segundo, Favourite Worst Nightmare, y la entrada en un sonido mucho más duro y pesado de la mano del gran Josh Homme del tercero, Humbug. Pero no se quedan ahí y Alex Turner incluye la querencia por el pop clásico que destilaba su proyecto paralelo con su amigo Miles Kane, The Last Shadows Puppets, donde se acercaba al pop británico de los sesenta, a Scott Walker y a David Bowie. Es esa mezcla entre el tercer largo de la banda y el disco de The Last Shadow Puppets (guitarras afiladas y melodías de pop clásico), con algún toque de sus primeros albums, lo que marca el camino de este variado trabajo, impensable hace solo seis años, cuando nos hartábamos de berrear con temas como I Bet You Look On The Dancefloor.
Empieza el disco dejando claro la mezcla de la que hablábamos con la inicial "She´s Thundertoms" y la logradísima "Black Treacle", después "Brick By Brick" y la genial "Don´t Sit Down ´Cause I´ve Move Your Chair" nos meten de lleno en el sonido a lo QOTSA que iniciaron en Humbug y para compensar entre ambas sitúan la irresistiblemente pop "The Hellcat Spangled Shalalala". En la mitad del Cd encontramos el pelotazo "Library Pictures", un tema fiero que recuerda totalmente a sus inicios y "All My Own Stunts" que a un ritmo más lento, también nos acerca con sus guitarras a aquellos chicos adrenalínicos de Sheffield y se convierte con las escuchas en otra de las muchas joyas del lote. A continuación tres temas lentos nos introducen de lleno en un pop elegante deudor de grandes del género, son "Reckless Serenade" con sus maravillosos coros finales, la tremenda "Piledriver Waltz", que era una de las seis bonitas baladas con las que Alex Turner colaboró en la BSO de "Submarine", aquí mejorada con una acertada instrumentación, y la romántica "Love Is A Laserquest", las tres canciones que van creciendo con cada escucha y se acaban pegando a tu cerebro sin remisión. Aún quedan sorpresas para el final, empezando por la titular "Suck It And See" que de nuevo eleva el ritmo con un pop luminoso y contagioso, y cerrando con "That´s Where You´re Wrong" que empieza con ese entrelazado rítmico de bajo y batería que sacuden con guitarrazos que van tomando protagonismo hasta que al llegar el alucinante estribillo ya no lo puedo negar, esta suena como el primero de los Stone Roses, y lo hace bien, palabras mayores para cerrar de forma magnífica un magnífico disco.
Se puede comprender que los fans de su debut se sientan decepcionados con el camino que ha tomado la banda y que añoren los pildorazos de rock inminente que facturaban , se puede incluso aceptar que cierta prensa no consiga olvidar sus recelos aunque no sean más que prejuicios, pero lo cierto es que llevan cuatro discos (cinco con el de The Last Shadows Puppets) que no bajan del notable y con este acercándose al sobresaliente. Si tú no tienes prejuicios y disfrutas de la música de manera amplia, sin encorsetarte en exceso con los estilos, prepárate para disfrutar. Ojalá que lo superen muchos , pero de momento, lo mejor de lo que va de año junto con P.J. Harvey.

CRÍTICA : DEATH CAB FOR CUTIE - CODES AND KEYS

2011-06-15T12:28:00.010+02:00

PUNTUACIÓN (sobre 10) - 6,9

Son Death Cab For Cutie un ejemplo de grupo, que con un par de discos han perdido el status de reyes del indie que la prensa les concedió en la mitad de la década pasada (caso aún más exagerado es el de Tv On The Radio cuyo último trabajo ha pasado casi desapercibido en los sitios y revistas musicales más cools después de dos trabajos sobresalientes, que los habían encumbrado a todas sus listas de lo mejor de ... ). A pesar de que estas caídas suelen empezar por una perdida de calidad en las bandas, también son reflejo de lo acelerado que sigue siendo el mundillo musical hoy en día, a pesar de que algunos crean que la época de la adoración del hype ha pasado. Los de Washington publican su séptimo largo con algo de recelo por parte de la prensa que, con la publicación de sus dos primeros álbums los elevó a promesas del indie americano, para que tras el excelente The Photo Album, con Transatlanticism en el año 2.003 les diera la corona y concediera a Ben Gibbard, que ese mismo año publicaba con The Postal Service el también magnífico Give Up, el titulo de tótem del indie exitoso del momento. Hoy, tras haber fichado por una grande, haber aparecido en series y películas de éxito y haber publicado el algo infravalorado Plans y su disco mas errado Narrow Stairs, que llego a ser numero uno de ventas en su país, lo nuevo de DCFC es esperado con pocas expectativas para un grupo que no hace tanto firmaba obras magnas de la pasada década.
Lo cierto es que Codes And Keys no devolverá a Gibbard, Walla y demás a la primera linea, no porque sea un mal disco, que ni mucho menos lo es , sino porque ahora necesitarían un álbum a la altura de sus mejores obras para conseguirlo y este no es el caso. No lo es porque este es un trabajo demasiado evidente, demasiado evidente a la hora de intentar repetir la formula de sus discos mas exitosos, y aunque por momentos parece conseguirlo nunca llega a alcanzarlo del todo. Aún así Codes And Keys merece la pena por volver a hacernos disfrutar de ese toque emo, de esa innata calidad en las melodías y en la instrumentación, y de la maravillosa voz de Gibbard. Cuando en "Doors Unlocked And Open", tras un inicio discreto, irrrumpen todos los instrumentos y la voz se muestra en todo su esplendor, recordamos que son unos genios, en "Codes and Keys" nos pasa algo parecido y en "St. Peter´s Cathedral" y "Unobstructed Views" nos atrapan a pesar de excederse en la búsqueda de la magia épica de "Transatlanticism". Es en los temas rápidos donde más encontramos esa evidencia de buscar los hits que poblaban anteriores trabajos, así la inicial "Home Is A Fire", el single "You´re A Tourist" o "Monday Morning" a pesar de tener algunas de sus mejores virtudes, se revelan como temas demasiado facilones para una banda de su potencial, y son "Some Boys" y "Underneath The Sycamore" las que se muestran más acertadas. Completan el álbum dos temas más sencillos de lo habitual, que crecen con las escuchas son la optimista "Portable Television" y "Stay Young, Go Dancing" que despide el lote con un aire folkie.
Es pues Codes And Keys un paso adelante tras Narrow Stairs, un disco en el que recuperan la esencia de sus anteriores álbums, pero no es un paso definitivo necesita un par de pasos más en la dirección correcta. Los que no hace mucho disfrutamos tanto con ellos que nos parece inaguantable que en los últimos seis años solo hubieran publicado un largo, deseamos que esa confirmación llegue en su próximo trabajo, y que llegue pronto.

CRÍTICA : MY MORNING JACKET - CIRCUITAL

2011-06-08T19:36:00.007+02:00

PUNTUACIÓN (sobre 10) - 7,3

A estas alturas esta claro que MMJ son una de las bandas más personales del rock americano de los últimos años. Cuando comenzaron su carrera, sin embargo no era fácil de imaginar, sus dos primeros trabajos, The Tennesse Fire y At Down, estaban claramente marcados por la figura de Neil Young, tanto en la música como en la forma de cantar de Jim James, líder absoluto de la banda. Aun así consiguieron hacerse un nombre entre los grupos de americana de principios de siglo gracias a que esos dos discos, sobre todo el segundo, conseguían mirar al genio canadiense sin palidecer y eso ya es algo al alcance de muy pocos. Pero fue con la publicación de su tercer largo, It Still Moves, cuando apreciamos que Jim James y los suyos estaban capacitados para algo más, sin perder de vista sus raíces empezaron a aprovechar sonidos y métodos de producción modernos para crearse un sonido. La introducción de teclados, sonidos y voz más atmosfericos y unos bajos de lujo convertían este álbum en la primera joya de su discografía. Dos años después Z supuso su consagración absoluta, con todo lo acertado de su anterior disco, firman un trabajo de inspiradísimo rock clásico de sonido actual. Dos discos sobresalientes no aplacaron las ganas de seguir renovando su sonido, y su quinto Evil Urges supuso la incorporación de sonidos negros como el soul y el funk. De producción algo excesiva y con unos temas menos acertados supone su primer tropiezo y lo mejor del álbum son los pocos temas que calcan sus anteriores discos. Tras este bajón, muchas eran las especulaciones sobre una vuelta a las raíces en este sexto largo, pero como empezábamos diciendo, MMJ con Jim James a la cabeza son un grupo con gran personalidad, inquietos y con unas enormes ganas de conseguir un gran sonido propio, así que no han ido por ahí los tiros.
Para este Circuital MMJ han grabado en un gimnasio de su pueblo natal, tocando juntos intentando capturar el espíritu de sus magníficos directos . No lo han conseguido por completo, puede que sea por el ritmo algo monótono y lento del álbum, con un exceso de medios tiempos y lentas en sus partes inicial y final. En cuestiones estilísticas han juntado todo lo que habían hecho hasta ahora y como siempre le han añadido elementos nuevos como algún tema desnudo con James luciendo su excelente voz cual crooner clásico ó un toque soleado a los aires soul que iniciaron en "Evil Urges".
El disco comienza con "Victory Dance" un medio tiempo algo pesado de aires progresivos que aunque mejora con las escuchas nos llena de dudas en principio, dudas que despeja de golpe la genial "Circuital" tema de siete minutos que mezcla lo mejor de sus dos mejores trabajos y que por si sola ya merece la pena todo un álbum. Esa genialidad hace que se perdone la siguiente "The Day Is Coming" tema de Soul blando-ochentero, que perfectamente podría formar parte de un recopilatorio AOR de esos años. La olvidamos pronto, cuando suenan la voz y guitarra de "Wonderful (The Way I Feel)" donde se despojan de ornamentos con una preciosa canción típica de cantautor americano de los sesenta-setenta. "Outta My System" recupera la instrumentación mas cargada del inicio pero aquí de manera más acertada al elevar el ritmo y prepararnos para los dos temas más rápidos del disco, primero la espectacular "Holdin´ On The Black Metal" (sí, se parece demasiado, sobre todo el inicio, a ese tema de pop Tailandes de Kwan Jai & Kwan Jit Sriprajany que podéis comparar en la web) un batiburrillo de teclados, coros y guitarras estilo Jam, y después "First Light" una maravilla de rock clásico, que une una melodía Beatles con una guitarra y batería puro Led Zeppelin y finaliza con unos estupendos vientos para firmar otro de los momentos álgidos del disco. A continuación "You Wanna Freak Out" nos acerca a un pop soleado que aunque no consigue mantener el nivel de sus predecesoras vuelve a lucir unas excelentes cuerdas y nos introduce en la parte final donde reducen drasticamente el ritmo. Empiezan con una "Slow Slow Tune" canción de espíritu crooner donde Jim James luce voz grave y la guitarra solista dispara de nuevo el nivel a lo más alto, y terminan con "Movin´ Away" tema de soft rock setentero que a pesar de que mejora algo con el piano de su tramo final, despide el disco de forma poco acertada.
Es pues Circuital un trabajo notable , aunque esta lejos de sus mejores obras, y supone un paso adelante después de las dudas que genero Evil Urges. Además confirma que siempre podemos contar con su intento por evolucionar con su sonido y, a pesar de que muchos querrían que se dedicaran a intentar repetir Z, eso es lo que más nos gusta de ellos.

CRÍTICA : VETUSTA MORLA - MAPAS

2011-05-30T13:08:00.012+02:00

PUNTUACIÓN (sobre 10) - 7,0

Vetusta Morla es posiblemente el mayor exponente de lo que se empieza a conocer entre alguna prensa como maindiestream o indie mainstream nacional, artistas que siendo teóricamente indies alcanzan un éxito considerable de ventas y audiencias, algo que les granjea una numerosa legión de anti-fans que ven en estos artistas una clara muestra de lo que se ha dado en llamar "fakeindie". Para algunos seguidores de los madrileños, los que los conocieron en alguno de los fantásticos y numerosos conciertos que dieron durante los nueve años que tardaron en publicar su primer largo, esto los tiene alucinados. Porque no cumplen precisamente con ninguno de los reproches más comunes a estos grupos nacionales de nuevo éxito : no han cambiado el idioma al español para hacerse más accesibles , su estilo no se ha vuelto más accesible pues podemos considerar este nuevo álbum menos accesible que Un Día En El Mundo y no se han pasado a una compañía grande ya que se han vuelto a autoeditar y seguro que por ello han rechazado jugosísimas ofertas. Pero sin duda, esa legión de antifans es amplia aunque no tanto como los seguidores que se han ganado y es por esto que los críticos de nuestras revistas/paginas , esos que una vez más han publicado aceleradamente sus opiniones sobre Mapas unas pocas horas después de que el grupo lo colgó en streaming en su web, han decidido puntuarlo en su mayoría entre el seis y el seis y medio, dejando sus opiniones sobre este segundo álbum en un sí, pero no, intentando no ser muy sinceros, para por un lado no perder un montón de lectores y por otro no ser acusados de poco alternativos. Y alguno dirá que nosotros puntuamos poco más, pero la cosa cambia mucho si recordamos que la máxima nota que hemos dado desde que comenzamos ha sido un ocho y además no dudamos que este es un disco notable, justito pero notable y que el anterior era aún mejor, sin duda uno de los mejores discos nacionales del 2008. Y sin embrago siendo justos, sí que hay algo de cierto en algunos reproches que reciben Vetusta Morla, justamente los que tienen algún argumento musical, porque es compresible que tú puedas opinar que su estilo, ese que los emparenta con los grupos Británicos de pop épico-sensible post Ok Computer, que idolatraban a Radiohead y Jeff Buckley, abundaron en el final de los noventas y principios de la pasada década como Starsailor, Coldplay, Lowgold, Embrace ... nunca fue un estilo demasiado alternativo y que además ya esta demasiado visto, incluso en algún que otro grupo nacional, o que sus letras son demasiado rebuscadas llegando a cruzar la linea de la pedantería en más de una ocasión. Esos argumentos y no que quinceañeros abarroten sus conciertos, son los que sí se pueden aceptar en contra de Vetusta Morla.
Centrándonos pues en lo que importa, Mapas es un disco algo inferior a Un Día En El Mundo, lo es por una segunda parte llena de altibajos y principalmente porque le faltan algunos temas tan frescos e inmediatos como eran "Salvese Quien Pueda", "Copenhague", "Al Respirar" o "Sharabbey Road" que fueron los responsables máximos de su éxito comercial . De los que aquí deberían cumplir ese cometido, resultan fallidas "Maldita Dulzura" donde intentan acercarse a un pop mas latino y "Canción envuelta" que queda muy lejos de la preciosa balada épica que era "Año Nuevo" y quizás sea "Lo que te hace grande" la que más convenza a sus fans, mientras las más contundentes "En El Río" y la muy lograda "Mapas" se conviertan en las más coreadas en sus directos. Aún así, este disco es una continuación continuista de su debut, con una producción algo más cargada pero con un sonido similar y es en los temas donde más se acercan a los Radiohead menos experimentales, esos que sirven a sus fans para defenderlos de las acusaciones de mainstream, donde igualan o incluso superan su debut. Así la inicial "Los Días Raros" se convierte en el mejor tema del álbum y de largo uno de los mejores temas nacionales de lo que va de 2011, un punto por debajo de ella, pero muy destacadas, se sitúan las más guitarreras "Boca En La Tierra" y "Escudo Humano". Son los tres temas más destacados de un álbum que mantiene un nivel alto en su primera parte, donde a "Los Días Raros" y "Boca En La Tierra" se suman las nombradas "Lo Que Te Hace Grande" y "En El Río", más "Baldosas Amarillas" bonita balada algo afeada por una letra pretenciosa en exceso y "El Hombre Del Saco" muy rítmica y contagiosa. La segunda mitad, a pesar de incluir tres temas como "Escudo Humano", "Mapas" y "Cenas Ajenas", precioso medio tiempo que crece con las escuchas hasta colocarse solo un paso por detrás de las destacadas del álbum, pierde algo de fuelle al contar con los temas menos inspirados, "Maldita Dulzura", "Canción Envuelta" y la final "Mi suerte" un medio experimento que se convierte en un horrible final para el disco.
Repitiendo algo que ya comentabamos con grupos como The Vaccines o TPOBPAH, sabemos que será difícil que Vetusta Morla sea un grupo trasscendente, pero es altamente disfrutable por la gente gustó en su momento del pop emotivo de tintes épicos de "The Bends", "Love Is Here" o "Parachutes" ó para esa gente que empieza a descubrir la música alternativa y todavía no esta preparada para dar el salto definitivo.
Si eres de los que no te va su estilo por convencional y pretencioso, no hace falta que lo intentes de nuevo, pero espero que si te gustaron antes, ahora no te achantes, cualquiera puede soltar un "como te pueden gustar esos", incluso gente con cultura musical cero, pero no olvides que antes que los fans de Vetusta Morla lo vienen sufriendo los de artistas con carrera tan intachable como Love Of Lesbian o incluso ¡Nacho Vegas! tras su último trabajo. Es más recuerdo ahora, unos cuantos plumillas hace más o menos un año, atacando desde sus respectivos púlpitos a Arcade Fire con argumentos muy similares a los que se escuchen contra Vetusta Morla, así que tú a lo tuyo, disfruta el álbum y sus grandes conciertos, aunque estén llenos de groupies.

CRÍTICA : RUSSIAN RED - FUERTEVENTURA

2011-05-26T12:53:00.008+02:00

PUNTUACIÓN (sobre 10) - 7,4

Las dos próximas críticas van sobre dos casos con similitudes dentro del panorama musical patrio, artistas desconocidos que desde una discográfica indie obtienen un tremendo éxito inesperado con su debut, el cual conlleva controversia a su alrededor. Una controversia que los lleva a arrastrar una buena legión de detractores furibundos que los ven como unos falsos indies, unos mainstream intrusos con poca calidad y mucho artificio. Este es el caso de Lourdes Hernandez y aún en mayor medida de Vetusta Morla, a los que dedicaremos nuestra próxima crítica, pero el éxito en los últimos tiempos de unos cuantos grupos de nuestro panorama indie hace que algo parecido venga sucediendo de un tiempo para acá y no solo con recién llegados como estos. Centrándonos ya en Russian Red, los principales reproches que recibe de estos detractores son la actitud e imagen de la propia Lourdes, la excesiva aparición tanto en televisión como en radios y conciertos con el éxito de I Love Your Glasses, la ruptura con su compañía para firmar por una multinacional y una música soporífera. Con todo esto rodeándola y con los numerosísimos fans cosechados con su primer largo, las expectativas para el siempre difícil segundo álbum podrían haber supuesto una presión insoportable para alguien tan joven y de apariencia tan frágil, pero no ha sido así.
En este segundo trabajo, Lourdes Hernandez lejos de dejarse llevar por el éxito, ha dado un paso adelante, se ha ido a grabar a Escocia con Tony Doogan de productor y con músicos de Belle & Sebastian y dota al disco de un nuevo sonido con un pop luminoso que a veces se acerca inevitablemente a los de Stuart Murdoch y siempre impregnado de un aire de pop clásico, todo sin abandonar los temas de folk pop intimista que bordaba en su primer álbum. Y justo así, partiendo de esos mimbres, se inicia de una manera sobresaliente este Fuerteventura, con dos temas de magnifico pop luminoso como "Everyday Everynight" y "The Sun The Threes" posiblemente la mejor del lote, un tema que figuraría en cualquier recopilatorio de éxitos de Belle & Sebastian, seguidos de dos temas más acorde a lo que esperábamos de ella como son el precioso single "I Hate You But I love You" más instrumentado pero con la esencia de su debut y "Braver Soldier" con un impresionante piano que la acerca a lo mejor de la gran Cat Power, sin duda la otra gran joya del disco. A partir de aquí el álbum decae un poco, porque hay algún altibajo pero aún así sigue estando a un notable nivel y da paso a una segunda parte más variada. "Fuerteventura" y "The Memory Is Cruel" continúan la alternancia, la primera con un alegre espíritu poppie, la segunda recordando a sus antiguos temas pero envuelta en una cuidada instrumentación. Después "Tarantino" se sirve de guitarras fronterizas y "My Love Is Gone" se adorna de un pop elegante con cierto toque electrónico, convirtiéndose ambas en dos agradables sorpresas, mientras que "January 14th" vuelve al pop luminoso aquí con sonidos surferos. El álbum tiene en su recta final los dos temas más parecidos a los de su primer trabajo, aunque ambos con un nivel inferior a los de aquel, "Nick Drake" y "A Hat". Cierra el disco la mayor sorpresa, "Mi Cancion 7" una canción rockera, demasiado corta y algo monótona pero con buenas guitarras y donde demuestra que puede desatarse y obtener resultados satisfactorios, ojalá su próximo esfuerzo pueda incluir algún tema más de este corte, permitiéndole seguir ampliando su sonido y sorprendernos de nuevo.
Es pues este Fuerteventura un disco muy notable, que quizás guste menos a los que gustan del folk pop intimista del anterior, pero que permite escuchas para momentos diferentes y que de momento acalla merecidamente todas esas críticas de las que hablabamos al principio. Por mi parte, casi ni me fijo en la imagen de ningún artista, ojalá sobrexpongan su música y no la que suelen sobreexponer los medios de este país y Sony Music le ha permitido grabar con unos excelentes profesionales que han ayudado a un cambio de sonido en ciertas partes del disco que hace que tenga poco de soporífero. Poco más que decir , hablando exclusivamente de música, dos estupendos discos es lo que queda.

CRÍTICA : THE VACCINES - WHAT DID YOU EXPECT FROM THE VACCINES

2011-05-20T11:10:00.012+02:00

PUNTUACIÓN (sobre 10) - 6,8

Esta va a ser una crítica express, porque The Vaccines es un grupo express. Lo es su éxito, la adictividad de sus temas y me temo que lo será su desaparición de la prensa musical. Han entrado con buen pie, en más de un sitio habréis leído/oído eso de que su disco es lo que se esperaba del nuevo de los Strokes y no fue. Es curioso porque de todos los grupos que triunfaron con revivals diversos en la pasada década, los Strokes son de los que menos influyen en este álbum. Porque a pesar de que en casi todas las reseñas de este disco se nombre a un montón de grupos míticos de los setenta y ochenta, lo que realmente influye en The Vaccines son grupos como Editors e Interpol, con un punto a los Manic Street Preachers de "Motorcycle Emptiness" en sus canciones más pausadas ( "A Lack Of Understanding", "Post Break-Up Sex", "All In White" ...) y grupos como The Libertines o Maximo Park en sus temas más espídicos, donde también dejan clara su querencia por el Hooligan Rock ("Wreckin´ Bar", "If You Wanna", "Norgaard" ...). Queda claro entonces que The Vaccines son un refrito de refritos, y también que hay mucho periodista que no tiene verguenza en alabarlos sin reticencias, a pesar de haber acribillado estos años a muchos de los grupos en los que claramente se basan.
Nos queda entonces entender, hasta el punto posible, la excelente aceptación que esta teniendo el álbum entre crítica y público. Para empezar hay que destacar que aunque hay algún tema que baja bastante el nivel ("Westsuit" y "Family Friend" sobre todo), hay unos cuantos hits irresistibles en este largo, canciones que se pegan a tu cerebro desde el principio y que te hacen cantar como un loco, usando de micro lo primero que encuentras por casa. Destacaremos dos que firmarían sin dudar los grupos que antes citamos para incluirlas en sus mejores trabajos, "Post Break-Up Sex", grande desde el titulo, entre las más tranquilas y la adictiva "If You Wanna" entre las más arrolladoras. Y quizás la clave la den los propios The Vaccines en el adecuadísimo titulo del disco, que esperas de ellos es sin duda muy importante. Si esperas un álbum completo y profundo, que aporte algo nuevo y permanezca como obra importante con el paso del tiempo, has errado el grupo, sin embargo si lo que esperas es un álbum que te levante del asiento con unos cuantos temas redondos y que te haga recordar porque disfrutabas hace unos años con unos cuantos grupos que parece que han bajado el nivel definitivamente, estas en el sitio correcto, solo dale al play y disfruta.

CRÍTICA : FLEET FOXES - HELPLESSNESS BLUES

2011-05-11T19:39:00.000+02:00

PUNTUACIÓN (sobre 10) - 7,7

Cuando Fleet Foxes publicaron en el 2008 su debut homónimo, pocos podrían esperar la repercusión que alcanzaron tanto entre el público, como sobre todo entre la crítica musical. Es por aquello que este su nuevo trabajo ha levantado grandes expectativas, llegando al caso de alguna revista que publica su crítica del álbum semanas antes de su publicación , con una copia de dudosa calidad y solo para poder ser los primeros en, normalmente, poder poner alguna pega al nuevo material. Aunque en el caso de Helplessness Blues, la gran mayoría de la prensa ha puntuado el disco con grandes notas, tanto en la prensa mas moderna, como en revistas dedicadas al rock más clásico, llegando alguna de estas últimas a darle un sobresaliente absoluto. Y consiguen esto Fleet Foxes con el mismo estilo con el que lo lograron con su primer largo, partiendo de dos claras influencias que son Crosby, Stills & Nash (con algo también, aunque menos de cuando Young) y America ( hace gracia ver como en toda la prensa moderna no se hace referencia a ellos siendo a veces miméticos los sonidos y las voces dulces que gastan, algunos será por desconocimiento, que ya se sabe como esta el patio, otros por miedo a no parecer nada cools si los nombran) para a partir de ellos acercarse a un indie folk moderno, actualizando el sonido a través de una cuidada producción con una densa instrumentación (hay a quien en esto le recuerdan a los Beach Boys mas barrocos pero les pilla mas de refilón) y muchas piruetas rítmicas que engrandecen buena parte de sus temas y llenan sus discos de sorpresas.
Dado que esta claro que la originalidad no es el fuerte de Fleet Foxes, es evidente que es la calidad y precisión de sus canciones lo que los esta haciendo destacar. Y eso es algo que no cambia en este nuevo disco. Hay que aclarar que Helplessness Blues es un disco inferior a su debut y a su excelente Ep Sun Giant. Lo es principalmente por dos causas, una es que faltan en este nuevo trabajo singles tan evidentes como eran "White Winter Hymnal" o "Your protector" y otra es que el ritmo de álbum es algo lento y se va haciendo ligeramente monótono sobre todo en la segunda parte donde aparecen un par de temas mas desnudos de lo normal como son "Someone You´d Admire" y "Blue Spotted Tail". No encontramos un tema totalmente rápido hasta "Grown Ocean", que curiosamente despide el álbum, en una elección errónea pues a mitad del disco habría roto el ritmo haciendo desaparecer algo la sensación de monotonía. Todo esto convierte a Helplessness Blues en un disco de digestión lenta y seguro que ya estáis cansados de oír eso de que es un disco que necesita escuchas, pero aquí tenemos un caso evidente. Porque a pesar de no tener temas tan directos como su primer largo, si esta lleno de temas como los que al final más nos acabaron gustando entonces. Temas que se hacen grandes a través de la bella aparición de un instrumento inesperado como en "Bedouin Dress", con cambios de ritmo mágicos como en "Sim Sala Bim" y "Helplessness Blues" o con esas piruetas que hacen que cada canción pueda contener varias como en "The Plains/ Bitter Dancer" y en la mejor de todas la inigualable "The Shrine/ An Agurment" donde Robin Pecknold en un momento de la primera parte canta más furioso (recuerda a Roger Daltrey en "Behind Blue Eyes"), como queriendo soltar todo el estrés que dice le ha producido la grabación de este disco.
Es pues este álbum, a pesar del pequeño bajón, un trabajo que confirma a Fleet Foxes tras su deslumbrante debut, y puede que te parezca que ellos reciben muy pronto más aplausos que otros que antes lo merecieron tanto o más, pero lo cierto es que tras el patinazo que supuso la errónea apertura estilística del último de My Morning Jacket tras sus dos sobresalientes predecesores o los cambios de rumbo de Iron & Wine o Bright Eyes de este año, Helplessness Blues apuntala el buen momento del indie folk americana de los últimos años y ya solo falta que lo nuevo de Bon Iver cumpla las expectativas para que los aficionados a este estilo, sigan completamente felices.

CRÍTICA : PANDA BEAR - TOMBOY

2011-05-03T19:05:00.009+02:00

PUNTUACIÓN (sobre 10) - 7,6

Tras muchos meses de esperas y retrasos ya tenemos lo nuevo de Noah Lennox en solitario entre las manos, e incluso antes de tenerlo o cuando me preparaba para escucharlo, no podía dejar de pensar en que difícil lo tendría este Tomboy. Me explico, pocos como el bueno de Panda Bear han tenido que afrontar la publicación de un nuevo álbum tras un anterior disco en solitario sobresaliente, como era Person Pitch y un último trabajo de la banda madre como Merriweather Post Pavillion, elevado ya por muchos a la categoría de obra maestra. Las comparaciones son odiosas, pero esta claro que el nuevo trabajo de Panda Bear no se puede librar de ellas y con esos dos predecesores la comparación es muy pero que muy complicada.
Para empezar directos con la comparación, vamos con los aspectos negativos que salen de ella. Es este un disco inferior a los dos nombrados, no hay (sin meternos en cuestiones técnicas) una gran diferencia en el sonido del álbum, continua con la electrónica vanguardista llena de psicodelia, de maravillosos juegos vocales, con aires de folk experimental y con los Beach Boys muy presentes, pero hay un cambio que marca el álbum, el ritmo es más lento y el tono general más oscuro. Toda la efervescencia y explosividad que encontrábamos sobre todo en Merriweather Post Pavillion, esa que hacía que incluso los menos adeptos a la electrónica se movieran como locos al escucharlos, aquí se han rebajado bastante y eso no beneficia los nuevos temas, es más los mejores temas del álbum son los más luminosos y los que continúan con la influencia surfera de los Beach Boys. Además Tomboy contiene un par de temas fallidos, "Drone" es un tema pesado y sin chispa que se convierte en lo peor del álbum y "Scheherezade" no alcanza el nivel de belleza que pretende y acaba siendo una canción monótona.
En la parte positiva de la comparación, hay que empezar destacando que toda la imaginación desbordante, las maravillas técnicas y la experimentación sin limites con las que Noah Lennox a revolucionado el mundillo musical tanto en Animal Collective como con Panda Bear siguen presentes y maravillando aquí. Hay temas cono "Surfer´s Hymn" con su clarificador titulo y su ritmo hipnótico, "Last Night At The Jetty" adictiva de principio a fin y "Alsatian Dream" con sus maravillosos cambios de ritmo, las tres a la altura de los temas estrella de sus dos mejores trabajos. Y entre los temas menos luminosos, destacan "Tomboy" y "Afterburner", ambos con una electrónica más fría pero con una contundencia rítmica arrolladora. Los otros cuatro temas no destacan tanto, aunque mantienen un notable nivel, gracias a las voces en la inicial "You Can Count On Me", la base rítmica de "Slow Motion", la calidez que te transporta a tu playa favorita de "Friendship Bacelet", o la melancolía ensoñadora de "Benfica" dedicada al equipo de Futbol del que Noah se ha hecho hincha desde que vive en Lisboa.
Si bien es cierto que algún fan se podría sentir defraudado dadas las expectativas creadas, no debería durar mucho esa sensación, pues aunque sea un disco algo inferior a las referencias anteriores, es Tomboy un disco notable que se encuentra sin duda entre lo mejor de lo que llevamos de año y que tiene pinta de crecer con el paso del tiempo y que confirma a Noah Lennox/Panda Bear como el miembro más importante del colectivo animal y uno de los personajes mas destacados del indie actual.
Una última cosa para los que no son muy fans de la música electrónica, recomendarles que se olviden de prejuicios y se den una vuelta por el trabajo de este tío y sus colegas, hay discos que son tan buenos que dejan atrás los estilos.

CRÍTICA : BRIGHT EYES - THE PEOPLE´S KEY

2011-04-26T19:44:00.012+02:00

PUNTUACIÓN (sobre 10) - 5,8

El nuevo álbum de Conor Oberst esta lejos estilísticamente de sus anteriores trabajos como Bright Eyes y mas aún de los más recientes trabajos en solitario, con la Mystic Valley Band y en el supergrupo Monsters Of Folk. Al igual que hiciera en Digital Ash In A Digital Urn, se aleja de su acostumbrado sonido de raíces americanas para acercarse al pop, en aquella ocasión era un pop con tintes electrónicos y en esta intenta acercarse a un indie pop-rock más variado al igual que en sus dos primeros trabajos, pero que aquí se divide en una mitad de canciones power-pop, algunas con sonido y espíritu ochentero de esas que sonarían en cualquier película romántico-juvenil que tanto triunfaron en aquella década y otra mitad que contiene pop con algo de electrónica y tres canciones que desde el pop se acercan bastante a su sonido clásico. Lo más destacado del disco es una de estas últimas "Ladder Song", lo cual deja claro que su giro estilístico no le ha favorecido.
Entre las canciones más power-pop del álbum encontramos varias de escucha fácil, que se guían de claras influencias ochenteras, son "Shell Games", "Jejune Stars", "Haile Selassie" y "Begginner´s Mind". Destaca sobre ellas la más canónica de todas "Triple Spiral " que recuerda mucho a Weezer dejando a un lado las influencias ochentas.Los temas de ligero toque electrónico son la monótona "Approximate Sunlight" y la más rítmica "One For You, One For Me" que despide el disco con la sensacion de que quizás se equivocó al no tirar más por este estilo. La inicial "Firewall" que contiene unas guitarras clásicas muy resultonas que la hacen estar entre lo mejor del disco, sobre todo si obviamos la introducción hablada que la perjudica claramente, al igual que cuando aparece en mitad y final del disco, la fallida "A Machine Spiritual" y la balada al piano "Ladder Song", la mejor como comentábamos, son los temas que podrían pertenecer a algunos de sus discos anteriores.
Es difícil hoy en día aportar algo nuevo a un estilo como el power-pop, sobre todo si te limitas a utilizar las claves más clásicas del estilo. Quizás es por esa elección de estilo donde empieza lo fallido de este intento, no lo se, pero lo cierto es que al igual que le sucede al último de Ryan Adams este trabajo esta entre lo más bajo de la discografía de Bright Eyes. Aún así tiene momentos de calidad este The People´s Key y es bueno que alguien tan productivo como Conor Oberst se muestre inquieto a la hora de componer nuevo material, aunque de momento esperemos con impaciencia que vuelva a publicar trabajos de fok-rock americano tan notables como Cassadaga o Lifted Or The Story Is In The Soil,Keep Your Ear To the Ground, o ya puestos uno sobresaliente como I´m Wide Awake It´s Morning.

CRÍTICA : THE PAINS OF BEING PURE AT HEART - BELONG

2011-04-07T17:33:00.011+02:00

PUNTUACIÓN (sobre 10) - 7,3

Cuando hace un par de años los de Nueva York aparecieron en el mercado musical con su debut homónimo, provocaron una doble reacción bastante extendida tanto en prensa como en público. Su disco contenía suficientes hits como para que la mayoría lo incluyeran entre lo mejor de aquel 2009, pero eso no impedía que sobre ellos el término hype sobrevolara insistentemente. Varias pueden ser las razones de esto, sin duda lo indisimulado de su refrito de influencias de finales de los ochenta y principios de los noventa es una, otra pudo ser su irregular directo, su nombre o su imagen. Lo cierto es que desde que los conocimos las dudas de cuanto durarían se hicieron notar y muchos apostaron que su segundo largo sería el fin de su éxito. Sin embargo, aquel mismo año publicaron su Ep Higher Than The Stars y sus aciertos no bajaban un ápice, además durante el año pasado editaron singles que mantuvieron la buena nota. Ahora llega este Belong y para sorpresa de muchos, no solo no se hunden sino que se mantienen al mismo nivel y si bien no despeja todas las dudas, pues sus influencias siguen siendo muy obvias, su imagen la misma y su nuevo directo todavía tenemos que valorarlo, la verdad es que aquí hay otra vez suficientes hits para que vuelvan a aparecer en las listas de lo mejor del año.
Ha habido alguna evolución en el sonido de TPOBPAH, por un lado los teclados son cada vez más protagonistas, por otro el contar con los míticos Flood y Alan Moulder en los controles ha llevado la producción a un sonido mas cuidado, donde las guitarras siguen sonando potentes pero menos distorsionadas, la instrumentación es más completa y ya nada suena a improvisado. Esto ha decepcionado a algunos fans, que veían en el aire lo-fi de su debut uno de sus encantos, pero lo cierto es que Belong triunfa desde donde lo hacía su primer disco, espíritu juvenil con un conjunto de influencias ochentas y noventas que van desde el twee pop al noise pop con algún acercamiento al shoegaze. Para ello siguen acercándose mucho a los grupos de Sarah Records unas veces, y otras a grupos emblemáticos de esos años añadiendo ahora algún nombre como Smashing Pumpkins y The Cure. Ese copia y pega que se aprecia en ciertas canciones es lo que más disgusta a sus detractores, pero lo cierto es que desprenden una energía juvenil y un acierto en las melodías que hace que sus temas sean fáciles de escuchar, se te peguen a la primera y no pares de tararearlas, importándote poco ya su falta de originalidad.
Desde el incio del álbum los hits inmediatos se suceden con "Belong" (merecidos royalties a Smashing Pumpkins por esas guitarras), siguiendo por "Heavens Gonna Happen Now" donde combinan a los Smiths con Teenage Fanclub o The Pastels consiguiendo uno de los mejores temas del disco y llegando al single "Heart In Your Hearbeat" tema bailable de estribillo hiper adictivo. Después del magnífico comienzo, "The Body" tema electro pop donde el teclado lleva el protagonismo y la más lenta "Anne With An E" bajan un punto el nivel, aunque sin defraudar."Even In Dreams" con un principio que recuerda a The Cars para dar paso a un arrebatador estribillo guitarrero recupera el ritmo del inicio y "My Terrible Friend" (royalties para The Cure por ese teclado) lo eleva convirtiéndose en uno de los hits mas instantáneos del grupo. La parte final del disco es la menos inmediata, incluye el tema más guitarrero "Girls Of 10.000 Dreams" donde intentan acercarse a The Jesus And Mary Chain, y aún sin conseguirlo del todo es una de las mejores canciones del álbum, a continuación "Too Tough" reduce ligeramente la revoluciones y así siguen en "Strange" precioso tema de aires Showgaze, que despide el disco en uno de sus puntos álgidos.
En definitiva siguen siendo un grupo que parece no marcará una época ni publicará un álbum definitivo, pero disfrutable al cien por cien y con un nuevo trabajo notable pese a todos los prejuicios, que parecen perseguirles cada vez menos, algo que ellos se ganan, haciendo disfrutar a muchos indies veteranos recordándoles su música favorita mientras hacen disfrutar con euforia a los más jóvenes. Ahora para rematar de convencer, esperamos unos buenos directos este verano.

CRÍTICA : MANEL - 10 MILLES PER VEURE UNA BONA ARMADURA

2011-03-31T20:07:00.011+02:00

PUNTUACIÓN (sobre 10) - 7,4

Manel ha sido hace poco número uno de ventas en España. Con este su segundo esfuerzo han conseguido un hito complicado para un grupo que canta en catalán. Porque si bien las grandes ventas que consiguieron con su primer largo "Els Millors Professors Europeus" y la notoriedad que alcanzaron con sus directos, hacían suponer una buena acogida, esta ha sido mucho mejor que buena y demuestra no solo que arrasan en Cataluña, sino que su música empieza a escucharse por toda España. Grandes ideas pues el incorporar a su web la traducción al castellano de sus maravillosas letras, para que los que no tenemos ni idea de catalán, dejemos de usar el traductor de google, y el comienzo de una gira que los llevará por diferentes ciudades fuera de su comunidad, para que todos podamos comprobar si sus directos son tan mágicos como nos cuentan. A pesar de la barrera inicial del idioma, sin duda su música merece un esfuerzo. Las loas de la prensa musical catalana a los grupos de su comunidad a veces nos hacen desconfiar, pero este no es el caso.
Son Manel una banda que se mueve en un estilo pop-folk amable con cierta querencia a algunos cantautores catalanes como Jaume Sisa. Resulta fácil equipararlos con otros combos actuales y sobre todo a Beirut, pues comparten con los de Zach Condon el estilo pop-folk y la preciosista instrumentación que incluye gran variedad de sonidos con ukeleles, banjos, acordeones, teclados, pianos ... Tambien los arreglos son cuidados en Manel lo que les ha traído comparaciones con Sufjan Stevens aunque lo logrado por este en Illinois, es algo que a Manel y a practicamente todo el mundo, les queda muy lejos. Su punto mas inmediato y alegre, ese que tan buen resultado les dio en su debut, los emparenta con el aire desenfadado de Herman Dune, algo que en su nuevo álbum esta menos presente y ha dejado paso a un ligero acercamiento a esos grupos de pop-rock épico con tono dulce que tanto coparon la música británica tras el brit pop y el éxito de OK Computer.
Sin duda hay cambios con respecto a su primer disco, nada exagerado, pero han optado aquí por una producción aún más cuidada y por una rebaja de los temas festivos para tramar un álbum más sesudo. Los mejores temas son los que de nuevo los emparejan con Beirut, en este caso con el de The Flying Club Cup. Son, la inicial "Benvolgut" carta a un ex de la actual pareja, una muestra todas sus virtudes que no decaen en "La Cançó Del Soldadet" triste historia del soldadito que va a la guerra de conmovedora parte final, el recuerdo infantil de "Boomerang" y el fantástico cuento fantástico de amor que es "Aniversari".Los temas en que se acercan al pop británico de tintes épicos destacan menos, aunque van ganando con las escuchas, "El Gran Salt" con un punteo acústico que muchas veces hemos oído en Travis, "La Bola De Cristall" con suaves acústicas y dulces voces que recuerdan a grupos como Turin Brakes o esa batería marcando ritmo con piano de fondo y el pegadizo "que yo creia en tu" de "Flor Groga" a la que Snow Patrol añadirían una guitarra eléctrica comercial para volver a firmar un hit, que ocupara momentos álgidos de alguna serie televisiva de moda. A algunos les desagradará esta nueva sonoridad, incluso los medios más afines al grupo no la verán por ningún lado, pero lo cierto es que las bandas nombradas estarían encantadas de haber firmado estas canciones. La parte final del disco es la que más recuerda al primer álbum, desde la declaración de amor eterno que encontramos en"Criticarem Les Noves Modes de Pentinats", pasando por el tema en el que recuperan el tono alegre e inmediato que es "El Miguel I L'Olga Tornen" sin alcanzar el nivel de los temas de mismo corte de su debut, hasta la final "Deixa-la Toni, Deixa-la" de aires marineros, que también sale perdiendo en la comparación con "Corrandes De La Parella Estable" que cerraba Els Millors Professors Europeus.
Para terminar, hay quien los crítica por ser demasiado perfectos, excesivamente correctos, algo impostados vamos. Cierto es que si eres de los que disfruta del rock guitarrero y de la música más desnuda, poco disfrutarás de ellos, pero no menos cierto es que en lo suyo rayan a gran altura, sobre todo si además de escucharlos nos preocupamos de entender sus cuidados textos. Importante para los que los descubran ahora, el primer disco era aún mejor que este.

CRÍTICA : THE STROKES - ANGLES

2011-03-25T17:57:00.010+01:00

PUNTUACIÓN (sobre 10) - 5,6

Cinco años después ya esta aquí su esperadísimo cuarto largo y al igual que sucediera semanas atrás con lo último de Radiohead, una pequeña revolución se ha desatado entre prensa y fans. Cientos de críticas aceleradas, la mayoría negativas y confrontación entre los que lo consideran un mal disco y los más adeptos que acusan de que se crítica por que son The Strokes y nada más. Es lo que tiene ser un grupo que, pese a quien le pese y sin inventar nada, revolucionó el universo musical hace ya diez años con la publicación de "Is This It". Que sí, que en aquello influyó mucho la incipiente prensa musical busca hypes del momento, lo bien que cuajó la imagen de los chicos y la necesidad que había de un regreso al rock en aquel momento pero todo eso da igual, aquel era un disco sobresaliente, repito pese a quien pese. Su segundo "Room On Fire" los confirmó como unos magníficos creadores de hits de aires retro, de menor calidad que su debut pero un trabajo notable que los mantuvo en lo más alto. Fue en "First Impressions Of Earth" cuando las primeras dudas llegaron, sobre todo dentro del propio grupo. Quiza todo lo que significaron fue demasiado para ellos.
Leyendo todos los problemas que han tenido durante la grabación del álbum (mal ambiente y tensión entre los miembros, Casablancas mandando las voces por mail, Albert Hammond con problemas de drogas ... ), uno mantiene esa impresión y escuchándolo nos deja la de que The Strokes no son ahora un grupo propiamente dicho. Por que si echamos un vistazo a todas esas críticas que circulan, pocas encontraremos que no coincidan en una cosa, este es un trabajo totalmente disperso que deja una clara sensación de que cada miembro ha aportado sus canciones de manera practicamente individual. Porque ahora en The Strokes todos los miembros aportan en la creación de los temas después de iniciar sus carreras en solitario (las únicas algo meritorias los discos de Albert Hammon Jr. y el del grupo del batería Fabrizio Moretti, Little Joy) durante estos cinco años. Y lo hacen agregando cada uno unos gustos bien diferentes. Esta dispersión es uno de los grandes defectos del disco, el otro el excesivo mimetismo a ciertos estilos y grupos en algunas de las piezas además de fallar claramente en alguna de ellas.
Considerando este un álbum de temas sueltos, nos centramos en ellos empezando por los mejores, que son los que recuerdan a sus primeros trabajos. La más destacada es sin duda el single "Under Cover Of Darkness" una canción directa y efectiva con guitarras irresistibles y que al igual que ocurría con "You Only Live Once" en su tercer álbum nos muestra que todavía son capaces de crear los hits que los encumbraron. Dos temas más de la primera muestran la misma capacidad, aunque en principio recuerdan algo al disco en solitario de Julian Casablancas ambas al llegar los estribillos se disparan y se muestran adictivas y de nuevo con estupendas guitarras, son la inicial "Machu Picchu" y sobre todo "Taken For A Fool". Dentro también de la primera mitad encontramos "Two Kind Of Happiness" un tema dual, donde las estrofas se muestran como una imitación sonrojante de The Cars y de la forma de cantar de Rick Ocasek y con un estribillo que cambia con unas guitarras de aire metalero que forman un batiburrillo sonoro que la verdad acaba agradando. "You´re So Right" es un tema electrónico, oscuro al estilo de These New Puritans con un fraseo al principio que recuerda a Radiohead y que no funciona siendo lo peor de una primera parte bastante buena, de echo si la segunda fuera igual estaríamos hablando de un disco notable. Pero en la segunda mitad es donde se muestran más difusos, empezando por "Games" un facilón tema pop electrónico con estribillo a lo Pet Shop Boys que mejora algo en su parte final cuando entran las guitarras y Casablancas se suelta un poco. Después "Call Me Back" es una balada desnuda que empieza con un ligero toque brasileño pero falla según avanza y se convierte en algo indescifrable. De sorprendente (y a estas alturas del disco ya era difícil) podemos calificar su acercamiento al lado glitter del glam en "Gratisfaction" que además recuerda al "The Boys Are Back In Town" de Thin Lizzy, un tema que puede que se convierta en un himno en sus conciertos si lo interpretan en plan fiesta. De sonrojante de nuevo podemos calificar su imitación de las operetas grandilocuentes de Muse que es "Metabolism" donde Casablancas se confunde a veces con el propio Matt Bellamy (ya puestos podían haber imitado los temas más directos de los primeros trabajos de los británicos). Rematan con "Life Is Simple In The Moonlight", un tema ochentero con una guitarra muy a lo Television, lo mas salvable de un tema que no llega a conseguir explotar del todo.
En definitiva, y dentro de lo malo, este no es un buen disco, le falta cohesión, que Casablancas y Hammond tomen de nuevo el mando, que aclaren sus influencias y que entiendan que es lo que hacen mejor, que para evolucionar no es necesario cambiar de estilo y que es difícil sacar grandes trabajos si como parece no tienes muchas ganas de volver a reunirte con la banda. Pero por el otro lado, no se cuantas veces he escuchado los tres temas que me recuerdan lo que disfrute con ellos en sus inicios, y no me canso, y de echo me crezco pensando en oírselos en directo este verano en medio de sus clásicos, así que si esto sirve para que vuelvan a comportarse como un grupo publicando discos y haciendo gira regulares, pues estupendo porque han vuelto a demostrar, aunque con cuentagotas, la facilidad que tienen para crear hits irresistibles dentro del estilo que mejor se les da.

CRÍTICA : KURT VILE - SMOKE RING FOR MY HALO

2011-03-22T18:43:00.007+01:00

PUNTUACIÓN (sobre 10) - 7,6

Cuarto trabajo en solitario de este joven guitarrista de Filadelfia, a lo que hay que sumar algún Ep más el álbum de debut de su banda (aunque ahora esta apartado de ella, para seguir con su carrera solista) The War On Drugs, un lujo de música folk rock de influencias Dylanianas. Mucho publicado si tenemos en cuenta que empezó en el 2008, incluso aunque en el disco de The War On Drugs, el peso lo llevase su compañero Adam Granduciel, que en este trabajo aparece como músico y compone un tema junto a Vile. Mucho y bueno. Es por eso que entre la prensa especializada y los fans de la música indie, su nombre empieza a sonar sin parar y no son pocos los que se preguntan si estamos ante un nuevo gran genio a tener muy en cuenta para los próximos años.
Para definir musicalmente a Kurt Vile, la mayoría han recurrido a nombres clásicos del rock. Los más repetidos, Bruce Springsteen Tom Petty, Neil Young y Bob Dylan. Aunque algo hay, cualquier fan de estos artistas o de los que aún citaremos, que pretenda encontrar aquí algo similar a ellos, se llevara una decepción. Otros nombran a Jef Fahey (por su estilo a la hora de tocar las guitarras acústicas) y a Lou Reed y la Velvet Underground, sobre todo por canciones como las finales de este Smoke Ring For My Halo. En realidad Kurt Vile tiene un estilo que trata de revisionar el folk y el rock clásico, y en eso entran muchas influencias, desde todas las nombradas anteriomente a otras muchas que pueden ir desde otros clásicos como John Mellencamp y los Derek and The Dominos o Rory Gallagher más rockeros y menos blues, hasta grupos de finales de los ochenta claramente influenciados por la Velvet como Spacemen 3 o Galaxie 500, y seguro que es un gran fan de Elliott Smith. Todas estas influencias las amasa para acabar consiguiendo un estilo propio bastante genuino, en el que aunque están claras nunca son demasiado evidentes.
Desde su primer disco Constant Hitmaker, la evolución de su sonido ha sido pequeña pero constante. Y es en este álbum, segundo para Matador donde la progresión ha sido más clara. Sin duda el mayor paso esta en la producción del álbum, a cargo de John Agnello (The Hold Steady, Sonic Youth, Dinosaur Jr.) quien a pesar de lo que podríamos pensar por las referencias, ha ayudado a que el sonido del álbum sea mucho mas suave y ensoñador que los anteriores trabajos de Vile. El de Filadelfia va perdiendo el espíritu lo-fi, pero ha ganado en homogeneidad, ha perdido aquellos arrebatos de los anteriores discos, pero ha conseguido un ritmo que permite escuchar el disco como un todo, haciendo que la escucha se pase volando, ha perdido algunos temas de aire más experimental pero ha logrado un disco más amable para el publico. Ojo, a pesar de esto no es Smoke Ring For My Halo un trabajo para todos , no hay estribillos fáciles y necesita de escuchas para ir atrapándonos con sus logradas melodías.
Lo último a destacar, hablando de las melodías, son las magníficas guitarras que pueblan todo el álbum, protagonistas absolutas de su carrera, Kurt Vile se muestra magnífico tanto como compositor como de ejecutor. Consigue ritmos y melodías perfectas, con las acústicas de más folk como en las rítmicas "Baby´s Arms" y "Runner Ups", en las más pausadas "On Tour" y "Smoking Ring For My Halo" o en el maravilloso punteo de "Peeping Tomboy". Y también con las eléctricas, en los temas más rock como en los solos de "In My Time" o "Puppet to the man", esta con aires blues, y en la rítmica de "Society Is My Friend". Destacar dos canciones por encima de todas, "Jesus Fever" con una melodía alucinante mezcla de punteado de acústica con rítmica eléctrica y "Ghost Town" una estupenda revisión de la Velvet Underground por un tipo que piensa en folk sin olvidar el sonido de los grupos alternativos de la segunda mitad de los ochenta.
Es este sin duda su mejor trabajo hasta la fecha, quizás la mayor parte de sus fans encontraran su tema favorito en los discos anteriores, pero este es el más completo. Pero creo que todos los que lo escuchamos tenemos la impresión de que aún no ha alcanzado su máximo y su disco definitivo no ha llegado todavía, pero le falta poco.

CRÍTICA : R.E.M. - COLLAPSE INTO NOW

2011-03-15T19:50:00.009+01:00

PUNTUACIÓN - 7,0

Hace tres años los de Athens sorprendieron agradablemente con Accelerate, un trabajo que haciendo honor a su titulo, nos mostraba a unos R.E.M. rápidos, directos y guitarreros, recuperando buenos tiempos pasados y cerrando de un plumazo una etapa en la que habían tocado fondo y que nos llego a hacer pensar en el peor futuro para ellos. Como perros viejos que son, y para aprovechar la buena acogida que logró de crítica y público, no faltan en este nuevo disco canciones que perfectamente podrían estar incluidas en su anterior largo. Pero no es Collapse Into Now una continuación de Accelerate. Ahora la idea de recuperar sonidos del pasado, se hace más extensa y además de los temas guitarreros, nos encontramos con temas más variados que nos retrotraen a la época de más éxito comercial del grupo,y en especial a Out Of Time y Automatic for the People.
Los temas más guitarreros e inmediatos, los que más nos hacen recordar Accelerate se distribuyen a lo largo de todo el disco. Desde la contundente "All The Best", pasando por la pegadiza "Mine Smell Like Honey" con su estribillo trufado de voces que recuerda alguno de sus mayores hits y la directa "Alligator_Aviator_Autopilot_Antimatter" con Peaches en las voces que nos traerá a la mente los temas más guitarreros de sus primeros discos, hasta llegar a los menos de dos minutos de "That Someone Is You" una fantástica perla de aires power pop que esta entre lo más logrado del álbum. También podríamos incluir en este grupo la inicial "Discover" aunque tiene un aire de AOR duro que se distancia de la inmediatez y frescura que destilan el resto de canciones guitarreras del disco. Todas podrían pertenecer a Accelerate aunque no superan la calidad de los temas de aquel, quizá sea porque durante la escucha del disco me he preguntado varias veces si el bueno de Mike Mills estaba de vacaciones, se echa mucho de menos, sobre todo en estos temas, un bajo mucho más presente y contundente.
En el otro grupo de temas, los menos urgentes nos encontramos los cuatro consecutivos de la primera mitad del álbum, canciones que claramente recuperan el sonido de por un lado Out Of Time, incluidos los juegos de voces y la mandolina de Peter Buck en las estupendas "Oh My Heart" y "It Happened Today" aquí con la colaboración casi irreconocible de Eddie Vedder y Joel Gibb líder de The Hidden Cameras, y por otro lado las que regresan a las guitarras acústicas y los pianos de Automatic For The People, las menos logradas "ÜBerlin" y "Everyday Day Is Yours To Win". Ya en la segunda mitad aparecen un par de baladas que siguen el mismo camino, como la fantástica "Walk It Back", con un genial piano y una no menos genial voz de Michael Stipe y la acústica "Me, Marlon Brando, Marlon Brando And I", para rematar el disco con "Blue" de nuevo en colaboración con la enorme Patti Smith, muy en el estilo de "E-bow The Letter" de New Adventures On Hi-Fi aunque aquí con Stipe recitando la letra.
La verdad, le ha sentado bien a R.E.M. esta vuelta a sonidos del pasado que han llevado a cabo en sus dos últimos largos. Tan bien que uno se hace ilusiones y se regodea pensando en que Peter Buck habra tomado nota de lo bien que han quedado sus colaboraciones en el último trabajo de The Decemberists, y convencerá a sus compañeros de que su próximo esfuerzo debe ser recuperar el sonido de sus maravillosos cinco primeros discos. Sería el paso lógico. Ojalá.

CRÍTICA : P.J. HARVEY - LET ENGLAND SHAKE

2011-03-10T16:41:00.008+01:00

PUNTUACIÓN (sobre 10) - 8,0

Tengo que confesar que no tenía grandes expectativas con el último álbum de P.J. Harvey. A pesar de que sus últimos trabajos me parecen notables discos, desde Stories From The City, Stories From The Sea (imprescindible, a pesar de que algunos no lo soporten), no tenía esa sensación entre asombrado y maravillado que me provocaron sus primeros discos. Quizá sea porque tanto en su anterior trabajo con John Parish como en Uh Huh Her encontrábamos una Polly Jean a la que ya conocíamos pero un peldaño por debajo de sus mejores obras, o porque White Chalk no conseguía todo lo que pretendía provocar, lo cierto es que no pensaba que este Let England Shake fuera a sorprenderme una vez más. Pero lo ha hecho, y lo consigue porque como otras muchas veces, vuelve a mudar de piel, sin dejar de ser ella misma. Se reinventa sin cambiar, como solo ella sabe hacerlo.
Se nos vendió este trabajo como un disco político, y eso nos hace comenzar hablando de las letras, a pesar de que los mayores logros que encontramos en este disco están en lo musical. Aclaremos que no nos encontramos textos estilo Woody Guthrie, pero si hay un evidente ataque al los males políticos que acechan en el mundo y concretamente en su país. Y a pesar de que no aparecen sus desgarradoras diatribas sobre las penurias del ser humano, no pierde fuerza al mostrarnos como hilo conductor los horrores de la guerra con su habitual contundencia.
Let England Shake es un disco que crece a partir de la voz, más aguda y a la vez dulce y suave que nunca, y de una instrumentación densa en la que todo suena equilibrado. No hay en este disco guitarras desgarradoras ni toques electrónicos furiosos. Todos los instrumentos se conjugan de una manera perfecta, llegando en diversos momentos a sonar casi ambientales, con un aire de indie rock moderno y actual . Y todo esto sin perder fuerza, pues durante el devenir del disco esa furia interna, casi bélica que siempre ha tenido la británica va aflorando bien en un quejido agudo de su voz, bien en un toque de corneta militar, bien en unos coros masculinos que atronan un estribillo, bien en una guitarra que parece querer estallar y no puede ... Los fans de su vertiente más fiera, los que se sintieron decepcionados con White Chalk, no deberían renunciar de antemano a este nuevo trabajo, pues a pesar de la instrumentación más limpia, el ritmo del álbum es intenso y el calado emocional profundo, contando con unos cuantos temas que podrían encajar en cualquiera de sus discos clásicos.
Desde el logrado sonido del disco la artista roza diversos estilos, algunos comunes en su carrera otros totalmente novedosos, todos se adaptan perfectamente en el entramado del disco, por diversos que sean. Desde el pop de "Let England Shake", al toque gaélico celta de la sorprendente "On Battleship Hill", pasando por el folk en "England", haciendo de ella misma en las magníficas "The Last Living Rose", "In The Dark Places" y "Bitter Branches" hasta con los aires World Music de "Writen In The Forehead", todo suena bien conjuntado y es difícil escoger favoritas entre los doce temas que componen el álbum.
Polly Jean no volveré a dudar, ojala todos maduraran como tú.

CRÍTICA : NACHO VEGAS - LA ZONA SUCIA

2011-03-07T18:04:00.010+01:00

PUNTUACIÓN (sobre 10) - 7,4

El último trabajo de Nacho Vegas ha creado cierta división entre sus fans y ha recibido ciertas reseñas bastante perdidas que hablan de mainstream o incluso de ¡¡canción ligera!!. Cierto es, que este La Zona Sucia, presenta un sonido mas limpio y luminoso que sus antecesores (siguiendo un camino empezado tiempo atrás y que ya se apreciaba en varios temas de su anterior Manifiesto Desastre), donde cada vez se impone más el fantástico piano de Abraham Boba, perdiendo protagonismo las guitarras. Tampoco se puede negar que nos encontramos aquí un conjunto de canciones más directas que nunca, con una contención en el minutaje desconocida hasta ahora, además de unas letras que se muestran en algunos temas un punto más optimistas que de costumbre (un punto, no exageremos). Y queda claro que Nacho Vegas deja atrás, definitivamente, ese aura de malditismo que el mismo se había creado. A algunos fans estos cambios les parecen excesivos, quizás asustados por la sorprendente entrada del disco en los puestos de honor en las listas de ventas (curioso que lo consiga ahora que se ha lanzado a la autoedición con Marxophone). Pero tan cierto como todo lo anterior, es que aquí de mainstream nada de nada, y que la mitad de los temas del álbum continúan con la temática y el sonido clásico en el asturiano.
Empezando por esos temas que siguen la senda clásica, abre el disco "Cuando Te Canses De Mi" que nos trae al Vegas que más nos recuerda a cantautores clásicos, como en sus primeros discos, aunque es cierto que no consigue emocionar como otras. Acto seguido "La Gran Broma Final" nos muestra al asturiano, en una de esas canciones de destripe de una relación terminada (sí habla de ella, para que negarlo), que siempre borda y que se convierte en uno de los mejores momentos del disco, nuevo clásico en sus directos sin duda."Incendios" es otro tema de cantautor de aires clásicos, más logrado que el inicial. Ya en la segunda mitad del álbum nos encontramos "La Comedia Humana" tema de corte épico que recuerda mucho al sonido de Desaparezca Aquí ,aunque guiado ahora por un magnifico piano, otro de los momentos álgidos del disco.Cierra el álbum "El Mercado De Sonora" canción confusa y axfisiante con la que parece querer dar un guantazo de antemano a los que hablarían de disco mas comercial.
De entre la parte del álbum, donde destacan más los cambios, podemos empezar por "Taberneros", aunque esta podría formar parte del otro grupo, pues es una canción muy Nacho Vegas, incluso es la más larga del disco, pero es una canción de desamor con una letra mucho más ligera de lo habitual y el coro femenino le da un toque nuevo. De coros, aunque de niños, hay que hablar también en "Perplejidad" y "Lo Que Comen Las Brujas", la primera es un tema con estribillo pegadizo, puede que lo más pop que halla escrito nunca. La segunda, contiene una de las mejores letras del álbum, además de una parada con palmas y un coro de esos pegajosos que no te sacas de la cabeza (por ahí se habla del himno del Sevilla por las similitudes del coro, pero a la que realmente se parece y mucho con el coro y la parada con palmas es a "My Body Is A Zombie For You" del recomendable debut de Dead Man´s Bones). "Cosas Que No Hay Que Contar" es otro de tema de aires pop con una marcada melodía de piano que guía el estribillo. Y quizás la canción más luminosa del álbum sea "Reloj Sin Manecillas" con su dulce estribillo y su precioso entrelazado de guitarra y piano.
Es en definitiva y para terminar, La Zona Sucia un disco superior en conjunto a su anterior trabajo (que contenía algunos temas magníficos pero pinchaba en otros y se hacía algo monótono en su parte central), aunque no llegue a alcanzar el nivel sobresaliente de sus primeros discos. Un disco en el que continua evolucionando, para descontento de algunos (que quizá le afearían el repetir siempre los mismos discos, y que puede que no tengan tantos reparos en las evoluciones de grupos de fuera), y en el que se sigue echando de menos algo del espíritu rockero que sí había en Desaparezca Aquí, pero que lo confirma como uno de los lideres indiscutibles del indie patrio, con una discografía cada día más envidiable.

CRÍTICA : RADIOHEAD - THE KING OF LIMBS

2011-02-28T13:26:00.009+01:00

PUNTUACIÓN (sobre 10) - 7,3

Cada nuevo disco de Radiohead provoca una pequeña revolución en el mundillo musical, y sobre todo llena las revistas y la red de críticas del álbum. La velocidad con que algunos escriben sus opiniones asusta. Horas después del lanzamiento en la página web del grupo, ya se podían leer abundantes reseñas en internet. Algo poco recomendable para cualquier trabajo, aún más para un grupo como Radiohead, que no se caracteriza por trabajos accesibles. Una de esas reseñas aceleradas, de el periódico con más tirada de nuestro País, para decir que no le gustaba el disco, echaba mano de un articulo de un crítico, que según el redactor era de lo más iconoclasta (peligro : crítico musical actual iconoclasta, normalmente igual a tipo que quiere hacerse un nombre a base de llevar la contraria), en el cual daba sus normas para ser crítico musical. Una de ellas sentenciaba : "Radiohead ya no hacen buenos discos, supéralo". Opinión preconcebida. Crítica inútil. En el lado opuesto, pero con el mismo defecto de base encontramos a los que ante la grandeza del grupo, el nuevo trabajo será buenísimo sí o sí. Tampoco falta quien para hablar de el nuevo disco, se refieren más veces a las obras maestras del grupo, que a "The King Of Limbs", con lo que no dan la información que buscamos. Sin duda todo esto lo provoca la grandeza que han alcanzado los de Oxford, aunque ni siquiera eso es excusa, para ciertos errores.

En este "The King Og Limbs" nos encontramos con unos Radiohead más continuistas que en anteriores trabajos. De hecho hay mucho del sonido de "The Eraser", de Thom Yorke, en la primera mitad del álbum, mientras que la segunda suena mucho al anterior "In Rainbows". Aunque en el concepto este álbum es opuesto a su anterior entrega, pues allí nos encontrábamos un trabajo variado, con temas que entraban a la primera, accesible (dentro de los parametros de Radiohead) y "The kings Limbs" es un trabajo difícil, de ritmo monocorde, sobre todo en su primera parte, sin casi estribillos ni un single evidente (han elegido lo más parecido "Lotus Flower").

Lo más negativo del álbum es la distribución de los temas, que provoca la monotonía rítmica de la primera parte, con los tres temas iniciales de sonido electrónico y aires jazz que recuerdan momentos de "Amnesiac", perdiendo fuerza por estar juntos, para despues dar paso a "Feral" un instrumental electrónico que abunda en el ritmo de las anteriores. En la segunda mitad tampoco ayuda el hecho de que los dos temas más lentos del disco, las estupendas "Codex" (magnífico piano) y "Give Up The Ghost" (preciosa guitarra acústica) suenen seguidas. Otro punto negativo, es la ausencia casi total de guitarras, más teniendo en cuenta que las dos suaves apariciones de punteados en "Morning Mr. Magpie" y "Separator" se encuentran entre lo mas destacado del álbum. Desde luego Radiohead son más grandes cuando más usan todas sus armas.

En el aspecto positivo cabe destacar ese in crescendo de calidad que lleva todo el álbum mejorando conforme avanza su minutaje, con una segunda parte muy lograda, terminando con "Separator" tema que refleja lo que ha provocado el disco, pues hay quien la considera una joya, culmen del disco y otros la ven como el tema más flojo. Yo me alineo con los primeros, desde ya un clásico del grupo, con esa adictiva guitarra que entra en la mitad de la canción que hace que nada más terminar lo primero que quiera hacer es volver a escuchar el álbum. Es este además un trabajo que como casi todos los de la banda crece con cada escucha, y lo hace a pasos agigantados. Por eso no conviene rendirse ante la pesadez que provoca la primera mitad de "The King Of Limbs", pues alguno de esos temas pueden acabar convirtiéndose en tus favoritos con las sucesivas escuchas.

Parar terminar unas cuantas ideas importantes. Este no es uno de los mejores discos de Radiohead, pero es un buen disco. No creo como se dice, que este disco sea la confirmación de Thom Yorke como líder absoluto de la banda, eso ya fue hace mucho tiempo. Esta y todas las críticas que leáis sobre este álbum, positivas o negativas, tendrán en común la total o casi total ausencia de referencias a otros grupos (y el 99% de las que nombren algún grupo, serán grupos que suenan como Radiohead, no lo contrario), muy pocos consiguen esto. No tengo ni idea de si este álbum tiene continuación, los argumentos de quienes los afirman son algo vagos (escasa duración del disco, doble vinilo físico o el titulo y la letra del último tema), pero si llega genial y si no, haber si la espera hasta su próximo trabajo no es tan exagerada como últimamente. Aunque años después hay quien sigue sin querer verlo, han entendido como nadie el fururo del mercado discográfico, y son sin duda el ejemplo a seguir. Aún así, 7 euros para una descarga de MP3 es excesivo para España, y no por ejemplo, para Alemania, creo que el precio debería ser diferente por países.

CRÍTICA : IRON & WINE - KISS EACH OTHER CLEAN

2011-02-17T19:20:00.019+01:00

PUNTUACIÓN (sobre 10) - 7,2

Este cuarto disco (quinto si contamos el doble de caras B "Around the Well", sexto si añadimos "In the Reins" a dúo con Calexico) de Sam Beam esta dando mucho que hablar, y no es de extrañar pues si a cualquiera nos hubieran dicho hace 9 años cuando publicó su primer trabajo, que su cuarto álbum iba a ser, como es este "Kiss Each Other Clean" no nos lo hubiéramos creído ni locos. El aspecto del bueno de Sam, con su barba poblada, sus camisas a cuadros y el sonido de folk rock americano, de guitarra y voz, sencillo y clásico de aquel estupendo "The Creek Drank the Cradle" , prometían una carrera prolífica , repleta de grandes discos que le convertirían en uno de los cantautores folk de más peso en los años siguientes (para mí, lo ha sido). Pero las apariencias engañaban una vez más, y es este un músico inquieto, con ganas de experimentar y probar diferentes palos. Y aunque es ahora cuando todos lo vemos claramente, lo cierto es que ya nos había dejado pistas como para no sorprendernos. Porque su segundo trabajo "Our Endless Numbered Days" continuaba y mejoraba las prestaciones de se debut, añadiendo algún tema más trabajado. Su tercer larga duración, el sobresaliente "The Shepherd´s Dog" ya mostraba un cambio de sonido elocuente, mayor instrumentación y una clara presencia de arreglos tanto instrumentales como vocales. Y ahora continua con esa evolución, aunque es cierto que aquí el cambio es mucho mayor.
Porque este nuevo disco de Iron & Wine abandona la senda folk rock, para desaire de algunos de sus fans, y se introduce de lleno en un sonido más cálido que partiendo del pop, se deja caer por diferentes estilos, ayudandose de una cargada instrumentación con algo de electrónica, pianos, flautas, marimbas, vientos, saxos y también coros. Lo que no deja es de sonar a clásico, porque los estilos que recorre, tienen sus referentes en los setenta. Así que durante la escucha nos encontramos momentos folk pop, soft rock, funky, jazz e incluso algunos toques étnicos. Y todo guiado por la maravillosa voz de Sam, cada vez más dulce y también más arreglada, todo hay que decirlo.
El disco comienza con la letanía de aires gospel "Walking Far From Home" ( el tema que más recuerda a su anterior álbum), para enseguida dejar claro su intención con un medio tiempo con matices funk y blues como "Me And Lazarus". Despues "Tree By the River" junta a America y Crosby, Stills & Nash con un sonido de pop dulce, en "Monkeys Uptown" suena de todo con un estilo ligeramente electrónico y aires tropicales, para cerrar la primera mitad acercándose a James Taylor en "Half Moon". La segunda mitad continua picando de diferentes platos, desde la más experimental "Rabbit Will Run" que por momentos recuerda a Paul Simon o a Stevie Wonder, hasta la balada soft setentera "Godless Brother In Love" que habría hecho sentir muy orgullosos a JamesTaylor,Cat Stevens, Carole King ... y muchos otros. En "Big Burned Hand" experimenta de nuevo saturando la instrumentación con algo de Jazz y recordando a Frank Zappa en la parte final, y vuelta al soft setentero en "Glad Man Singing". Cierra el lote con los siete minutos de "Your Fake Name Is Good Enough For Me" tema rock dividido en una primera parte con mezcla de rock guitarrero y vientos de música negra, y una segunda de rock clásico setentero, con un in crescendo que eleva el final hasta el infinito.
Entiendo que es difícil puntuar este disco, un paseo por la red os mostrará a la revistas mas cool , que hasta hace poco puntuaban con notables sus trabajos y no le daban la cobertura que a trabajos de pop insustanciales le regalaban, darle ahora un sobresaliente y tenerlo entre sus favoritos del año. Por contra, publicaciones de corte más clásico trazan un camino inverso. Yo me sitúo más cerca del segundo grupo, porque es este un conjunto inferior a sus magníficos segundo y tercer Lp, con algunos temas que se hacen algo pesados, con un sonido algo cargado de más, y claro resulta fácil entender la decepción de los fans más tradicionales. Pero esto no quita para que este sea un trabajo notable, que parece iniciar una nueva ruta en su carrera y que puede llevarle a ser uno de esos pocos músicos que nos ofrecen discos sobresalientes en estilos diferentes. Con un poco de contención en la instrumentación y los arreglos, y consiguiendo que sus temas queden tan redondos como las geniales "Tree By The River", "Godless Brother In Love" y "Your Fake Name Is Good Enough For Me" (desde ya tres de los temas de este 2011), lo tiene hecho.

CRÍTICA : SMITH WESTERNS - DYE IT BLONDE

2011-02-11T17:25:00.010+01:00

PUNTUACIÓN (sobre 10) - 7,3

Hace casi un par de años que descubrimos a estos chicos de Chicago, en su debut homónimo. Por aquel entonces andaban sobre los 18 años y fueron una grata sorpresa gracias a un trabajo que desde el Lo-Fi y el Garage, se agarraba a la influencia de T. Rex y su Glam Rock, para facturar un conjunto de temas , en apenas media hora, lo suficientemente frescos y adictivos como para que esperásemos con curiosidad sus siguientes pasos.
Y es ahora cuando nos llega este segundo álbum. Un trabajo que, aunque pueda parecer una contradicción, es muy diferente al primero y sin embargo mantiene ciertos puntos en común con aquel. Para empezar, el primer cambio importante es que ahora graban con Fat Possum, y además cuentan en la producción con el afamado Chris Coady (Yeah Yeah Yeahs, Tv On The Radio, Beach House ...). No se si debido a esto o por decisión exclusiva del grupo, el segundo cambio más importante que nos encontramos en este "Dye It Blonde", esta en el sonido, ya que no encontraremos ni rastro de Lo-Fi o Garage por aquí. Hace unos meses el grupo comentaba que sus nuevas canciones estaban claramente influenciadas por el Brit-pop de los noventa, pero no es eso lo que aparece en el disco, más bien entra en escena el Power Pop de grupos como Redd Kross o Teenage Fanclub. Y sin embargo hay algo que no cambia y es que el disco esta de nuevo totalmente imbuido por los sonidos Glam Rock de T. Rex y con algunos temas tipo himno que recuerdan también a los Mott The Hoople de "All The Young Dudes".
Algo que tambien consevan en este nuevo álbum, es la adictividad y frescura de los temas, de esos que consiguen que los poco más de treinta y cinco minutos que dura el disco, se te pasen volando y te dejan tarareando con el ánimo y el optimismo subido. Lo consiguen desde los temas donde se nota más su nueva influencia Power Pop como "Weekend" o "Imagine Pt. 3", con magníficos himnos Glam Rock como "Smile" o "Dye the World", y a través de mezclarlo un poco todo como en las logradísimas "End Of The Night" y "All Die Young".
En fin, para acabar reconocer que se me hace difícil imaginar el futuro de este grupo, son muy jóvenes y han demostrado una facilidad pasmosa para escribir grandes temas.Por otro lado tienen unas influencias clásicas a las que pocas novedades aportan y puede que eso juegue en su contra a la hora de labrarse una sólida carrera. Lo cierto es que de momento el difícil paso de un segundo disco más "profesional", por decirlo de alguna manera, lo han superado con nota, así que espero sigan encontrando la manera de evolucionar como han hecho hasta ahora. Lo que sí que puedo asegurar es que si eres de los que consideras que "Electric Warrior" es un discazo y disfrutas del pop de guitarras de los noventa, este "Dye It Blonde" te hará disfrutar como pocos discos actuales.

CRÍTICA : THE DECEMBERISTS - THE KING IS DEAD

2011-02-07T17:26:00.007+01:00

PUNTUACIÓN (sobre 10) - 7,0

Cuando conocí el titulo del sexto disco de Colin Meloy y los suyos, me vinieron a la cabeza los Smiths y pensé que era un paso lógico, en este momento de su carrera, volver a sus inicios, claramente influenciados por aquellos. Pensé en que después de haber coqueteado con el éxito con el pop pastoral en "Picaresque" y con el algo mas prog (adelantando lo que vendría) "The Crane Wife", la mala acogida de su excesiva opera rock "The Hazards Of Love", ese era un paso lógico. Pero no van por ahi los tiros, demostrando otra vez, que son de lo más polifacético que te puedes encontrar en el mundillo musical actualmente.
Porque no hay nada hay en este "The King Is Dead" de los Smiths ni de el folk-pop pastoral o el chamber pop de anteriores trabajos. Y sin embargo al escucharlo te das cuenta de que si que hay aquí ese paso lógico del que os hablaba tras "The Hazards Of Love". Tras lo excesivo de aquel nos encontramos ahora un trabajo extremadamente sencillo y directo para lo que acostumbran, un disco de raíces de su Estados Unidos natal, que deja la sensación de haber sido grabado casi en directo.
Es fácil hablar del estilo del disco, "The King Is Dead" tiene diez temas, pues bien, siete son temas de country-folk americano, que recuerdan desde clásicos como Neil Young, Bob Dylan o Gram Parsons hasta el alt-country de grupos como Whiskeytown o The Jayhawks. Y los otros tres temas , son un homenaje(si no fuera un homenaje, casi se podría hablar de plagio) a los inicios de R.E.M. Para los primeros cuentan con la inestimable colaboración de una grande del country como Gilliam Welch y su marido Dave Rawlings, ademas de con la magnífica voz de Laura Veirs. Para los otros, que mejor que contar con el mismísimo Peter Buck a la guitarra.No hay nada nuevo ni diferente en este trabajo, los temas nos parece haberlos escuchado muchas veces ya, y sin embargo tiene algo que atrapa desde el principio.Quizás sea la voz, quizás la simpleza y honestidad de la interpretación. O será que temas como "Rise to me", "All Arise!" o "June Hymn" rozan la perfección dentro del country folk, y que los tres temas con Peter Buck, "Calamity Song", "Down By The Water" y "This Is Why We Fight" te levantarán y te harán contonear irremediablemente mientras piensas en volver a escuchar los primeros discos de R.E.M. , desde "Murmur" hasta "Document".
Algunos lo tacharan de disco menor, y se apoyaran en la falta total de originalidad (todos te nombrarán "The One I Love") y en la sencillez de los temas para afirmarlo, y tendrán parte de razón. Pero no hay duda, de que si tú disfrutas de los artistas antes citados y te apetece algo de música sencilla sin grandes piruetas estilísticas, encontrarás uno de tus discos favoritos de este principio de año.

CRÍTICA : RYAN ADAMS & THE CARDINALS - III / IV

2011-01-31T17:37:00.006+01:00

PUNTUACIÓN (sobre 10) - 5,8

La verdad, me resulta imposible hacer una crítica de Ryan Adams, sin hablar casi más del personaje que de su nuevo trabajo. Con este nuevo álbum doble, recolección de temas descartados durante la grabación de "Easy Tiger", desde que empezara su carrera en solitario en el 2.000 son ya doce trabajos publicados (tres de ellos dobles), más algunos Eps , más una infinidad de trabajos que se pueden conseguir por Internet, más un álbum (dos Eps juntos) como The Finger junto con Jesse Malin, más incontables colaboraciones, y algún trabajo como productor. Vale esto para aclarar que Adams tiene incontinencia creativa, y esto que hace unos años a algunos nos parecía una bendición , empieza ahora a mostrarse como una de sus mayores ruinas. La otra sin duda es su cabeza. ¡Porque vaya cabeza!
Durante toda su carrera, el bueno de Ryan ha dado tantas muestras de genio, como de descerebrado, quizás más de lo segundo. Porque ha pasado de un exagerado divismo, a una época de excesivo consumo, que le hacía aparecer sin casi mantenerse en pie por los escenarios de medio mundo, a unos años de tranquilidad, que han dado paso a un supuesto retiro por hastío y a ser uno más dentro del mundo rosa americano por su boda con la estrella pop-actriz Mandy Moore ( lo siento solo la conozco por hacer de si misma en "El Séquito").
Todo esto no le ha beneficiado nada en su trabajo, y si lo sumamos a su nula contención y selección a la hora de publicar, sin duda explicaremos el porque su carrera se ha convertido en totalmente irregular, cuando al comienzo de la década pasada muchos hubiéramos apostado por él como el genio de la música americana de principios de siglo. No podemos olvidar que empezó muy fuerte su camino en solitario y que tiene en su haber una obra maestra como "Heartbreaker" y tres discos sobresalientes como son "Gold"( solo el divismo le impidió que esta fuera su segunda obra maestra), "Cold Roses" ( su primer trabajo con The Cardinals como banda de acompañamiento, era doble y le sobraban algunos temas pero rozaba la perfección en la mayor parte del minutaje) y "Jacksonville City Nights" (un álbum homenaje a su ciudad natal). El resto de su discografía es en conjunto de trabajos de nivel medio, a veces algo más alto ("Love Is Hell", "Easy Tiger"), otras más bajo ("Demolition", "29", "Cardinology").
Y en esas estamos con este "III/IV" otro de esos trabajos que podría haber publicado seleccionando lo mejor de las 21 canciones aquí incluidas. Porque es este un trabajo irregular, completamente alejado del alt-country que suele practicar para acercarse a un pop- rock guitarrero ( como ya hiciera en "Rock N Roll") , que acaba pecando de pesado por sus excesiva duración y por la proliferación de temas algo obvios y facilones, que lo acercan a algunas bandas de estadio o a esos grupos de indie-rock americano, hecho para adolescentes ligeramente más inquietos que los que se conforman con el pop más comercial del momento. Aún así el álbum comienza bien con cuatro primeros temas muy logrados y esconde algunos buenos temas más, que destacan por volverse más potentes ("Numbers", "Kill The Lights"), por casi mimetizar el sonido de sus otrora enemigos Strokes ("My Favorite Song", "Star Wars") o por parecerse mucho a si mismo ("Death and Rats" la mejor del lote).
Y poco más que decir, anda que me llegaría este pequeño párrafo para hacer la crítica si publicara un nuevo "Heartbreaker". Dudo que llegue ese momento, su trayectoria parece estancada en este nivel medio del que os hablaba, pero es sin duda este un tipo impredecible, así que confiemos ...

LOS MEJORES DISCOS DEL 2010

2011-01-10T18:51:00.051+01:00

Bueno pues como casi todo el mundo por estas fechas, también aquí tenemos nuestra lista de los mejores del año. Pero me gustaría aclarar un par de cosas antes de nada, la primera es que estas listas son siempre muy subjetivas desde el momento en el que todo el mundo tiene unos gustos y ni siquiera juntando 100 redactores consigues hacer una lista completa de los diferentes estilos que existen, vamos quiero decir que no esperéis encontrar por aquí a Kanye West ni a LCD Soundsystem, aunque posiblemente sus discos sean de lo mejor del año, pero a disconcierto no le va su estilo. O sea que estos son los mejores discos para disconcierto y nada más. Lo segundo es que creo estas listas deberían de estar siempre abiertas, porque siempre se descubre algo nuevo y además muchas veces el tiempo cambia la apreciación de un disco.
Aclarar que la lista tiene diez posiciones, pero no quiere decir que sean diez discos (esta vez son 16), puede haber más de uno por puesto, por lo tanto el numero de discos por año no es fijo, eso da una libertad a la hora de hacer la lista muy agradecida. Los trabajos de los que ya hablamos, tienen su enlace a la crítica, los que no, llevan una pequeña reseña.

________LOS MEJORES DEL 2010 PARA DISCONCIERTO_______
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1. THE NATIONAL - HIGH VIOLET .
The National llevan tres trabajos de sobresaliente consecutivos, algo al alcance de muy pocos. Que las portadas y las más altas posiciones de estas listas, no les correspondieran con sus dos anteriores trabajos es una injusticia. Y con este "High Violet" no bajan un mínimo la calidad. Facturan un trabajo menos guitarrero sí, pero a cambio nos entregan un conjunto de temas sin casi ningún bajón, temas llenos de elegancia y clase. Una primera escucha, aún con temas que nos impactarán a la primera como "Terrible Love", "Afraid of Everyone" o "Bloodbuzz Ohio", podrá darnos la impresión de cierta monotonía o madurez mal entendida, impresión que desaparecerá con las sucesivas escuchas al atraparnos cortes como "Anyone´s Ghost", "Lemonworld", "Conversation 16" o la mejor de todas "England", temas que crecen con cada escucha hasta alcanzar el infinito. .Rock eterno, de uno de los desde ya, mejores grupos del mundo en la actualidad. Aún con todo en vuestras revistas favoritas, vereis muchos discos de electro popsaltarinbailable de grupos de los que en cinco años no se acordará nadie, muy por delante de este en sus listas, así anda la cosa.

2. DEERHUNTER - HALCYON DIGEST
Cada vez mejores, recomendado para fans del indie en general.
Crítica : http://disconcierto.blogspot.com/2010/10/critica-deerhunter-halcyon-digest.html

3. ARCADE FIRE - THE SUBURBS
Lo mejor que se puede decir es que no es su mejor trabajo y aún así se merece estar aquí.
Crítica : http://disconcierto.blogspot.com/2010/08/critica-arcade-fire-suburbs.html

4. + NO AGE - EVERYTHING IN BETWEEN
La evolución que no para y los hará grandes.
Crítica : http://disconcierto.blogspot.com/2010/12/critica-no-age-everything-in-between.html

+ JOHN GRANT - QUEEN OF DENMARK

John Grant no había grabado desde la disolución de The Czars, la insistencia de Midlake, músicos y productores del álbum, fue lo que le hizo volver. Es este un disco confesional y liberador para Grant, lo apreciamos en unas letras desgarradoras desde una sinceridad extrema, salpicada de un humor cínico e irónico, con las que nos cuenta con su maravillosa voz, sus problemas de adaptación al mundo por su sexualidad. En lo musical se nota el toque de pop pastoral con sonido denso propio de Midlake, y que Grant ha querido alejarse de se ex banda y homenajear a algunos de sus mitos. Sería sencillo emparejarlo con Rufus Wainwright (que de eso, algo hay) pero en realidad aquí encontramos una especie de soft-rock setentero de ritmo lento con un pie en Carpenters, Randy Newman, Bread... y el otro en las baladas de grupos de prog-rock y rock-sinfónico de esa década ( en "Caramel" una bellísima canción al piano entra al final un sintetizador que si me dicen que es de Emerson, Lake and Palmer, lo acepto sin rechistar). Y ahora, si todas estas referencias no te han hecho huir, seguramente has encontrado tu disco del año.

5. + SUFJAN STEVENS - THE AGE OF ADZ
El mayor talento musical del momento, se puede permitir cualquier estilo.
Crítica : http://disconcierto.blogspot.com/2010/11/critica-sufjan-stevens-age-of-adz.html

+ SUFJAN STEVENS - ALL DELIGHTED PEOPLE
Y puede volverse mas clásico que nunca en un Ep de ¡60 minutos!
Crítica : http://disconcierto.blogspot.com/2010/10/critica-sufjan-stevens-all-delighted.html

6. + TRIANGULO DE AMOR BIZARRO - AÑO SANTO
Reconozco que el debut de TAB aunque me gustaba mucho, despertó en mi ciertas dudas. Quizás la duda de que fueran un hype nacional en toda regla, o que en su música no hubiera nada que no hubieramos oído ya en otros muchos grupos de una manera casi idéntica, fueran las causas del recelo. He de reconocer que su nuevo trabajo, no ha disipado esas dudas, pero y dado que aún me gustan más en esta segunda versión más dura y potente, he dejado de preocuparme por ellas. Es imposible resistirse a esta casi media hora de indie pop-rock, noise, shoegaze ... que practican, sin querer descubrir que dicen sus estupendas letras para poder gritarlas mientras te destrozas el cuello.

+ BIG CITY - CELEBRATE IT ALL
En las listas nacionales de la prensa moderna, encontrareis un monton de patéticos álbumes de tonti-electro-pop en castellano.No estará este magnifico disco de pop-rock.Penita ...
Crítica : http://disconcierto.blogspot.com/2010/09/critica-big-city-celebrate-it-all.html

7. BEACH HOUSE - TEEN DREAM
Para mi esta ha sido la sorpresa del año. Beach House han conseguido un preciosista disco de dream pop, que ha ratos recuerda las producciones de Dave Fridmann y que muchas veces nos hace recordar a Fleetwood Mac. Comienzan el álbum de manera estupenda con "Zebra" y "Silver Soul", pero lo mejor es comprobar que a partir de ahí el nivel no baja e incluso lo superan en temas como "10 Mile Stereo". Eso sí a pesar de que es un discazo, una recomendación, abstenganse los muy guitarreros.

8. + TITUS ANDRONICUS - THE MONITOR
Quizás todos los guitarreros que se abstengan del anterior álbum podrían entregarse a este. Lo que nos encontramos en "The Monitor" esta bien claro desde el inicio. Esto es pub rock o rock hooligan como se prefiera, esto son los Pogues pero en plan potente, con acercamientos al indie rock y una pizca de Springsteen. Algunos pensarán que esto puede hacérseles pesado, mas si añadimos la duración de los temas (hasta 14 minutos) o la temática de la guerra civil estadounidense con discursos militares incluidos. Pero lo cierto es que ahí es donde más gana el disco, cuando hacía la mitad piensas que si todo es igual se te va a hacer largo, te sorprenden con una segunda parte, en la que sin dejar de sonar a lo suyo, hay folk ("Theme From Cheers"), toda una balada ("... And Ever) o indie rock clásico ( en la parte cantada de "The Battle of Hampton Roads").

+ AVI BUFFALO - AVI BUFFALO
Sí, es importante aclarar que Avigdor Zahner Isenberg, líder de Avi Buffalo, tenia 19 años cuando salió este álbum, y sus compañeros de combo pues más o menos. Es importante en primer lugar porque sorprende el estilo folk-rock y pop-psicodélico de los sesenta-setenta que impregna todo el álbum, con la aguda voz de Avi y unos primeros temas que nos recuerdan muy mucho a The Shins. En segundo lugar, y más sorprendente aún, es importante por el impresionante trabajo instrumental, sobre todo en las guitarras, que nos encontramos principalmente en la segunda parte del álbum y que hacen en algún tema recordar a Nels Cline en Wilco. Si un debut de electropopsaltarinbailable tuviera la calidad de este disco, estaría entre los tres discos del año para todas las revistas modernas.

9. JÓNSI - GO
Sabemos que puede hacerlo mejor. Aún así crece con cada escucha, y se dispara en directo.
Crítica :http://disconcierto.blogspot.com/2010/07/critica-jonsi-go.html

10. + THE MYNABIRDS - WHAT WE LOSE IN THE FIRE ...
Lo promocionaron con algo así como Neil Young en la Motown durante los 60. Del genio canadiense poco hay, más allá de la clara referencia del nombre del grupo a The Mynah Birds (grupo canadiense al que perteneció Young), pero aún así no van los tiros desencaminados. Porque aquí encontramos sonido Motown y clásico folk-country rock americano del que practicaba Linda Rondstadt o soft rock a lo Carole King. Esta mezcla de sonidos añejos se ve arropado por la genial voz de Laura Burhenn, una acertada producción y sobre todo unas magníficas a la par que sencillas canciones para que en menos de 33 minutos no solo pensemos en clásicos sino también en destacadas de nuestros días como Cat Power o Neko Case.

+ JOSH RITTER - SO RUNS THE WORLD AWAY
Creando una sólida carrera. De lo mejor en lo suyo, sin ser su mejor disco.
Crítica: http://disconcierto.blogspot.com/2010/09/critica-josh-ritter-so-runs-world-away.html

+ THESE NEW PURITANS - HIDDEN
Esperamos que este no sea el mejor trabajo de These New Puritans, no es un disco perfecto, pero si parece un paso importante que puede llevar a una obra maestra. Porque entre un tono oscuro, algo de electrónica y una percusión espectacular, consiguen un sonido propio, diferente a casi todo. Y lo hacen moviendose entre la belleza de "Hologram" y la contundencia de "We Want War" o "Drum Courts", logrando en el punto medio de "White Chords" lo más destacado del álbum. Esperando con ansia su paso definitivo.

Y ya esta aquí lo dejamos, no sin antes recordar que quizás en seis meses esta lista podría cambiar. Entrarían discos desconocidos o a lo mejor alguno de esos que se han quedado fuera por muy poquito, LOS PLANETAS, ESPANTO (me ha sido imposible conseguir escuchar el disco entero), FOALS, GRINDERMAN, THE BLACK KEYS, THE TALLEST MAN ON ERTH ...

CRÍTICA : NO AGE - EVERYTHING IN BETWEEN

2010-12-22T18:20:00.006+01:00

PUNTUACIÓN (sobre 10) - 7,5

Me resulta difícil la crítica del tercer largo de No Age. La publicación de este trabajo ha provocado opiniones enfrentadas, desde fans decepcionados con el nuevo estilo más accesible y menos salvaje que en sus dos anteriores, hasta otros fans y la mayor parte de la prensa especializada que ve en su nuevo disco una evolución y una madurez que les lleva por el camino correcto. A mi me cuesta incluso compararlo con su magnifico segundo Lp "Nouns", a veces me parece a la altura e incluso mejor, otras, sobre todo cuando estoy escuchando la segunda parte del nuevo disco me parece que los nuevos temas se quedan muy por debajo.
Para empezar me gustaría aclarar que el camino iniciado por No Age hacía una mayor producción y claridad en sus temas no es nueva, de hecho "Nouns" era ya un paso adelante en ese sentido en relación a su primer trabajo "Weirdo Rippers". Antes de la publicación de este trabajo, el ep "Losing Feeling" nos dejo claro que el rumbo tomado por el grupo era definitivo y que tenían claro lo que pretendían. El acercamiento al shoegaze, la mayor claridad de la voz, el cantar que no gritar, la mayor instrumentación, la aparición de canciones mas largas ... son algunos de los cambios experimentados desde su primer disco. En este "Everything In Between" no dan sino otro paso más, engrandeciendo esos cambios y añadiendo alguno más.
Sería un error pensar que por lo dicho anteriormente, este nuevo trabajo tenga que ser flojo. La demostración de esto es el magnifico inicio del disco, con cuatro temas potentes y directos que siguiendo la estela de "Nouns" aunque sin renunciar a esos cambios que antes mencionábamos , son posiblemente lo mejor que han grabado hasta la fecha. Inicia "Life Prowler" un tema contagioso lleno de ruidos que nos recuerdan mucho a su anterior disco, sigue "Glitter" single de adelanto, donde los cambios son ya más evidentes, en un tema más trabajado de lo que nos tenían acostumbrados, donde destaca una guitarra completamente shoegaze."Fever Dreaming" el tema mas punk del álbum es un puñetazo sobre la mesa de los que los acusan de ablandarse, y "Depletion" es el tema que demuestra que su apertura estilística puede llevarlos a grandes logros, sus guitarras que por momentos recuerdan a Dinosaur Jr. son un lujo. Cuatro temas que a pesar de los cambios, todavía pueden provocar un esguince de cuello o una grave afonía.
A partir de aquí el nivel del disco cae , quizás porque tres temas instrumentales muy juntos perjudican el ritmo, quizás porque es en esta parte del disco donde la experimentación se hace más evidente, quizás porque algunos de los temas mas lentos no están muy logrados. Aún así, todavía algún tema individualmente nos devolverá al fervor del inicio, sobre todo "Valley Hump Crash" el tema más largo del disco, casi cuatro minutos (algo sorprendente hasta ahora), que es otra demostración de que sus nuevos metodos, si no dejan de lado su pasado, pueden llenarnos de alegrías. Destacar también, aunque en menor medida el instrumental "Dusted" cuya melodía se te pega irremediablemente, y "Shred And Trascend" un tema contundente que gustará mucho a sus primeros fans.
En fin que es este trabajo en conjunto ligeramente inferior a su anterior disco, pero en sus momentos más acertados pueden haber conseguido el culmen de su sonido. No nos quejaríamos desde luego, si su evolución los llevara a publicar desde ahora trabajos llenos de temas como los del inicio de "Everything In Between".

CRÍTICA : ANTONY & THE JOHNSONS - SWANLIGHTS

2010-12-16T11:05:00.005+01:00

PUNTUACIÓN (sobre 10) - 7,0

Va a ser esta una crítica corta, se podría resumir en pocas lineas. Algo así como explicar que esta continuación de "The Crying Light" esta un peldaño por debajo de aquel, que a su vez estaba un peldaño por debajo de su fantástico "I Am A Bird Now", y aclarar que a pesar de ello si te gustaron sus anteriores trabajos también te gustará este, si no, no te esfuerces en intentarlo.
Para empezar aclarar que Antony ha mantenido alto el nivel desde su primer trabajo, y aunque su segundo disco es único, el resto de sus trabajos se mueven en el notable, incluido este "Swanlights". El peldaño que desciende lo achacaremos a la ligera reducción de la calidad de los temas, quizás provocada por la repetición de estructuras, porque a pesar de los comentarios previos que hablaban de cambios el disco poco o nada diferente nos muestra en el estilo del artista.
Empieza el álbum con algunas dudas, "Everything Is New" se muestra demasiado repetitiva a pesar de su bonito piano, sus cuatro minutos y medio son excesivos, después "The Great White Ocean" con una bella guitarra y "Ghost" con un piano marca de la casa elevan el tono aunque sin llegar a alcanzar cotas del pasado. "I´m In Love" un tema poco inspirado deja paso a "Violetta" interludio instrumental que nos introduce el tema que titula el disco, el único tema diferente que nos encontramos. En el Antony experimenta ligeramente, se vuelve algo más oscuro y se atreve con una estructura bien diferente de las que acostumbra, no le queda el tema perfecto pero es de lo mejor del disco y bien podría ser un camino en el que perseverar para siguientes trabajos. Después de esto la escucha de "The Spirit Was Gone" se nos hace demasiado vista ya en su carrera. Pero el álbum no decae gracias a la magnífica "Thank You For Your Love", single de adelanto luminoso y con una gran instrumentación que sin duda llevo a los erroneos comentarios sobre el álbum que como os decía se escucharon antes de su salida. "Fletta" es la colaboración con Bjork de la que sale una buena, que no genial canción, marcada por un excelente piano en el estribillo. Cierran el disco la excesivamente arreglada "Salt Silver Oxygen" y la bella "Christina´s Farm", tema que retorna a la canción de apertura pero de manera más acertada, haciéndose menos monótona a pesar de sus mas de siete minutos.
Para terminar decir que puede que a Antony no le venga bien publicar un disco cada año, como ha hecho con sus dos últimos, pues es la suya una propuesta que podría saturar rápido. De todos modos, y a pesar de tener la sensación de que ya no disfrutaremos nunca de otro "I Am A Bird Now", no estaría nada mal seguir escuchándolo cada dos o tres años con discos de este nivel. Sobre todo si a sus preciosos temas al piano, los acompaña de algunos rítmicos y luminosos como "Thank You For Your Love", y de algunos más alternativos como "Swanlights".

CRÍTICA : KINGS OF LEON - COME AROUND SUNDOWN

2010-11-18T19:27:00.007+01:00

PUNTUACIÓN (sobre 10) - 4,7

Cuando se publicó el debut de Kings Of Leon, se creo un debate entre quienes los veían con un hype, pastiche del rock sureño y los que los defendían Youth and Young Manhood como un brillante debut para una banda que actualizaba un estilo estancado en los setenta. El disco tenía grandes canciones, además un par de años después publicaban Aha shake Heartbreak un trabajo que sin dejar de lado las raíces ni la voz cazallosa se acercaba al sonido de grupos como los Strokes consiguiendo de nuevo un puñado de buenos temas. A partir de ahí todo cambió porque Because of the Times su tercer largo, si supuso un autentico cambio de estilo, sin casi rastro de rock sureño se acercaba a un rock de sonido potente y aunque fallido en la mayor parte del minutaje si parecía un honesto intento por evolucionar y no estancarse. En realidad fue su cuarto Only by the Night el que nos mostró realmente hacía donde querían evolucionar los Followill. Desde su superexitoso single "Sex on Fire" nos mostraban un rock apto para todos los públicos con practicamente ninguna concesión a sus anteriores trabajos. El objetivo, convertirse en una banda de estadio, lo consiguieron con unas ventas espectaculares. La esperanza de los que disfrutamos sus primeros trabajos se apagó.
Y no es este nuevo Come Around Sundown, más que una continuación de lo que empezaron dos años atrás. Aquí encontraremos rock blandito con una cantidad excesiva de medios tiempos comerciales candidatos a aparecer en el momento-canción de algún capitulo de una serie ñoña Americana estilo Anatomia de Grey, claro ejemplo es "Pyro" pero son hasta seis los temas que repiten esquemas de este tipo a lo largo del disco. Y esto hace cansina la escucha, por momentos incluso estos temas parecen todos el mismo. Las declaraciones e incluso las letras del grupo nos muestran que están un tanto desencantados con su nueva posición de éxito en el mercado musical, la inclusión de tanto tema facilón para gritar todos juntos el estribillo en un estadio lleno, nos hace pensar en falsos intentos para no perder del todo su publico más alternativo.
Aun a pesar de lo anterior Come Around Sundown se acerca al aprobado, porque, seamos justos este no es el típico bodrio comercial que satura el mercado musical actualmente. Aquí sigue estando la atrayente voz de Caleb, siguen teniendo buenos riffs de guitarra, aunque suenan más manidos que nunca y algunos temas, sin ser de lo mejor de su carrera, mantienen bien el tipo. "Radioactive" es un single comercial pero tiene un ritmo muy pegadizo, "Beach Side" a pesar de su sencillez sorprende por su cambio de estilo, con un sonido luminoso muy Californiano , acorde con la portada, "Back Down South" vuelve al rock sureño convirtiéndose lo mejor del lote y "No Money" es un tema rockero que agradará a sus primeros fans. Además los que tengan la versión ¿deluxe? (solo contiene un tema extra y dos remezclas) podrán añadir "Celebration" un tema que recuerda sin llegar a su nivel al inicial "Knocked Up" de Because Of The Times.

Este último trabajo de Kings Of Leon va a vender una barbaridad, va a lograr que cada vez llenen más en sus directos, y bueno, no los criticaremos por eso, pues parece que esperar un regreso a sus dos primeros discos esta ya fuera de lugar a pesar de ciertos trucos publicitarios. Si es criticable, el hecho de que aunque seas una banda de rock de éxito, caigas en la obviedad, y aquí les pasa muchas veces. Este es un disco peor que el anterior Only By The night igual de comercial que este pero con mucho más ritmo y con varios temas con gancho, practicamente inexsistentes ahora. Esperemos que obtengan mucho éxito y en posteriores entregas puedan soltarse un poco de tanto tema facilón, regresen a un rock más contundente que les sienta mucho mejor y se conviertan en una de nuestras bandas de estadio favoritas.

CRÍTICA : SUFJAN STEVENS - THE AGE OF ADZ

2010-11-09T18:59:00.005+01:00

PUNTUACIÓN (sobre 10) - 7,5

Hace poco que criticamos All delighted People el anterior Ep de Sufjan Stevens y ahí quedaba ya claro la admiración absoluta al de Detroit. Sin embargo ya en esa crítica avisábamos de las dudas que nos transmitía su nuevo disco. A saber, un trabajo de un cantautor que tras cinco años sin sacar un Lp propiamente dicho, anunciaba, tras haber hecho declaraciones en las que se declaraba cansado de la música, un cambio de registro con un nuevo trabajo de pop electrónico, además utilizando cajas de ritmos y sintetizadores con un estilo retro. Teniendo en cuenta que su segundo trabajo era un disco de música electrónica y es lo más flojo de su magnífica discografía, la cosa no prometía mucho. Pero las dudas se han esfumado, The Age of ADZ no será el disco del año porque lo lastra un poco una parte central en la que se concentran los temas menos inspirados del lote, haciendo en ese tramo un poco pesada la escucha, pero sin duda será uno de los discos del 2010.
Porque sí, el sonido del disco es electrónico, pero, y no estoy loco, no se diferencia tanto de su estilo en Illinois, su obra maestra. Aqui estan tambien los increíbles arreglos de Stevens en todo su esplendor, sus letras alucinadas y transcendentales, sus coros y sus vientos.Cambian los instrumentos sin duda, pero la esencia sigue siendo la misma. Si tuviera que buscar una referencia para este disco diría que Flaming Lips, pero sin abandonar ciertas señas de identidad que le hacen ya inconfundible.
El trabajo esta inspirado en la obra de Royal Robertson, cuadros con aire de comic de ciencia ficción y escritos varios en los que se declaraba profeta y anunciaba cataclismos basados en visiones de viajes espaciales. Aunque el mundo alucinado de los cuadros y escritos pega bastante con el universo de Sufjan Stevens, parece más bien que es la vida de Robertson la que inspira The Age Of ADZ. Después de ser abandonado por su esposa, permanecio recluido en su casa, sufrió esquizofrenia paranoide y se volvió un misógino. Y el disco, aunque tiene partes en las que se referencian las visiones alucinadas de Robertson gira sobre todo en torno al abandono y el dolor y la rabia que conlleva.
Empieza Stevens el Lp y lo termina también, de una forma engañosa. Porque Futile Devices es un tema folk muy en la linea de su cuarto disco Seven Swans, un tema que recuerda mucho a Elliott Smith.Pero pronto descubrimos que no van por ahí los tiros pues la electrónica toma el mando. Too Much, Age of ADZ y sobre todo la encantadora I Walked nos muestran a un compositor inspirado y eficaz. A partir de aquí el nivel baja un tanto, quizá porque se juntan varios temas de ritmo más lento, pero podemos destacar el final de Get Real Get Right y la belleza de All For Myself. Y es cuando llegamos a la parte final cuando nos encontramos lo mejor del conjunto, curiosamente cuando la instrumentación se vuelve más cutre, casi de juguete. I Want To Be Well es demoledora con un final gritando "I´m not fucking around!" que firmarían los mismísimos Radiohead. La final Impossible Soul es un tema o más bien una unión de cuatro partes de casi 26 minutos que sacando una sobresaturada segunda parte de la primera parte con voz de mujer, alcanza momentos grandiosos, desde el pop adictivo del principio hasta la festiva invitación al optimismo con coros juveniles de su cuarta parte, y el precioso final, que vuelve como al principio al folk y a Elliott Smith.
Puede ser que Sufjan Stevens este algo cansado del mundo musical, pero si es capaz de publicar dos trabajos del nivel de los que lleva este año en apenas tres meses, bendito cansancio. A lo mejor a partir de ahora lo vemos cambiar aun más frecuentemente de estilo. Este año un trabajo de folk rock con aires setenteros y después un disco pop con envoltura electrónica, después ... Impacientes esperamos.

CRÍTICA : DEERHUNTER - HALCYON DIGEST

2010-10-25T19:43:00.005+02:00

PUNTUACIÓN (sobre 10) - 7,8

Deerhunter cautivó a todo el mundo hace dos años con un fantástico álbum "Microcastle/Weird Era Continued" , que acabó siendo doble por la filtración de el que iba a ser el álbum simple "Microcastle" y que en su momento nos vendieron como un trabajo que bebía del indie de los noventa. Sin duda había claras influencias de los noventa pero en el disco había mucho también de otras décadas. Y digo esto porque el excelente nuevo trabajo de los americanos viene promocionado como un disco de influencias ochenteras, pero lo cierto es que aquí lo que encontramos es un trabajo con influencias de los sesenta a la década actual que consigue que el conjunto suene a muchas cosas pero como ocurría en su anterior disco de una manera única y muy personal.
En "Halcyon Digest" encontramos un conjunto de canciones que nos recordaran a algo pero que acabaran sonando diferentes y quizá ahí este su gracia. En este nuevo trabajo encontramos influencias desde el pop sesentero de "Don´t Cry" y "Basement Scene" esta última con momentos que recuerdan claramente al "All I Have To Do Is Dream" de los Everly Brothers (y esta aún era de los cincuenta), glam setentero en "Coronado", "Fountain Stairs" recuerda a The Jesus & Mary Chain o sea indie ochentero y la inicial "Earthquake" podría ser curiosamente la única en que se aprecian influencias de los noventa, algo que pocos podríamos esperar después del éxito de "Microcastle/Weird Era Continued" . Pero no solo encontraremos aquí referencias a la música del siglo pasado, la década que acabamos de dejar atrás aparece en temas como "Desire Lines" con un principio clavado al "Lies" de Arcade Fire y con un final in crescendo muy del gusto de los canadienses aunque aquí con un solo de guitarra de tres minutos. Y notamos que Ben H. Allen ha coproducido y mezclado el disco igual que hizo con "Merriweather Post Pavillion" de Animal Collective en temas como "Helicopter", que podría perfectamente cuadrar como una canción pausada dentro de ese trabajo, o el tema final "We Would Have Laugh" tributo a Jay Reatard, tema en el que además encontramos similitudes, sobre todo en las cuerdas, con el álbum "Bitte Orca" de Dirty Projectors.
La capacidad de Deerhunter de sonar muy personales a pesar de las muchas referencias que hemos citado es uno de los grandes logros del disco, otro es sin duda la capacidad de las canciones de ir creciendo con cada escucha. Si bien un par de temas como "Sailing" y "Basement Scene" bajan el nivel y se acaban haciendo algo pesadas, el resto se agrandan con cada escucha llegando a ser difícil escoger favoritas.

Me gustaria acabar hablando de Bradford Cox, líder de Deerhunter y que va camino de convertirse en el nuevo rey del indie actual y quizás sea lo que busca. Padece el Síndrome de Marfan una rara enfermedad del tejido conectivo que se caracteriza por el aumento inusual de los miembros y que afecta al esqueleto, pulmones, corazón... y explica la extremada languidez de su físico. Esto no le impide haber publicado cinco discos en tres años , tres con Deerhunter y dos con su proyecto en solitario Atlas Sound (todos a un alto nivel aunque los dos últimos de Deerhunter destacan claramente) ni ofrecer directos tremendos el los que se baña en sangre falsa o canta travestido. Además se muestra muy activo en su blog en el que regala trabajos a sus fans o sube fotos o escribe artículos,con alguno que le ha creado problemas y le llevó a cerrar los comentarios por según él respeto a Justin Bosworth primer bajista de Deerhunter fallecido en un accidente de skate.Desde luego es un personaje en la red y algunos ven en el a un provocador que busca notoriedad, otros sin embargo creen en su constante sonrisa y lo abrazan como alguien lleno de bondad y talento.Yo me pregunto como continuará su carrera, me pregunto si le afectará su enfermedad y me doy cuenta de que espero que siga igual de prolífica. Me convence con ese espíritu indie que parece guiar sus pasos, y como canta en "Desire Lines" (una de las canciones del año seguro) me voy con él. "Caminando libre. Ven conmigo. Lejos. Todos los días".

CRÍTICA : NEIL YOUNG - LE NOISE

2010-10-18T11:33:00.011+02:00

PUNTUACIÓN (sobre 10) - 6,3

Me ha sorprendido la muy buena acogida de este nuevo trabajo en la prensa musical moderna, los notables y notables altos que le conceden la mayoría de blogs , webs y revistas era algo que no me imaginaba mientras escuchaba el álbum. A lo mejor es que no concoen bien la discografía del canadiense.
Quizás debo aclarar que para mi Neil Young es el más grande. Lo es por innumerables razones, desde su libertad creativa y sus inigualables ganas de hacer siempre cosas diferentes ha labrado una discografía legendaria llena de obras maestras. Empezó dándole mordiente al rock californiano de Buffalo Springfield, siguió en solitario con seis obras maestras entre el ´69 y el´75 en las que ya demostraba que su carrera iba a transcurrir por dos vertientes la acústica y la eléctrica e intercaló en esa época su participación con Crosby, Stills, Nash & Young de la que salió otro clásico como "Déjà Vu". A finales de los setenta con el mundo rendido al punk y post-punk, cuando parecía haber pasado su tiempo publica "Rust Never Sleeps" dividido en una primera cara con sobrecogedoras canciones en acústico y una segunda cara eléctrica que con su furia hacia palidecer los débiles cimientos del punk de la época, la posterior gira en directo plasmada en el álbum "Rust Live" es sin duda una de las mejores de la historia. Tras haber publicado lo peor de su discografía en los ochenta ( algunos de los discos de esa época fueron deliberadamente "extraños" , los realiza contra la discografica Geffen, que incluso llega a iniciar una demanda por publicar trabajos "no representativos" de su música) en el final de la década y principio de los noventa, periodo hiperreivindicado en la actualidad por algunos como uno de los mejores de la historia es cuando el canadiense pública "Freedom" y "Ragged Glory" dos discos que a pesar de que los que hablan tanto de esta época no los nombren, son dos de los mejores trabajos de ese momento además de ser el germen definitivo del grunge. Poco después pública "Weld" posiblemente el directo más potente jamás publicado. Le siguieron el bellísimo "Harvest Moon" y su última genialidad "Sleep with Angels". Fue ahí cuando uno se dio cuenta de que era el mas grande, cuando uno pensaba que cada disco suyo sería una nueva obra maestra. Además y para terminar basta una ojeada a los músicos que vanaglorian a Neil Young para darse cuenta de su grandeza, no solo por los músicos de su generación o de estilo parecido, sino sobre todo por otros como la generación grunge encabezada por Nirvana y Pearl Jam o los grupos que en pleno apogeo participaron en un disco homenaje en el año 1989, como Pixies, Dinosaur Jr., Flaming Lips, Nick Cave o Sonic Youth quienes también fueron teloneros suyos de la gira que dio lugar a "Weld" en el año 1991 o algunos otros con poco en común en principio como los mismísimos Radiohead.
Me he liado para explicar algo tan sencillo como que Neil Young es un Dios para mi, y que desde "Sleeps With Angels" no ha vuelto ha publicar un disco redondo comparable con sus innumerables obras maestras. Tampoco esta a la altura este último "Le Noise", porque más allá de la repercusión mediatica que provoca la colaboración con un productor afamado como Daniel Lanois, el trabajo no es más que otra demostración de que el canadiense es un tipo que morirá sin acomodarse intentando ofrecer algo nuevo a sus fans.
Lanois ofrece a Young la posibilidad de probar un instrumento que el ha creado, algo nuevo, una acústica que incorpora sonidos de bajo y eléctricos, ¿algo nuevo? Young no necesita nada más para que le convezcan. Los dos temas acústicos del álbum es el resultado de el uso de esa pieza creada por el productor.Los otros seis temas son eléctricos, con la única instrumentación de la voz ,la guitarra eléctrica y ciertos trucos de mesa de Lanois.
El disco tiene un sonido original, aunque puede hacerse algo monótono, el primer tema "Walk With Me" define bien a las claras lo que vamos a encontrar en el álbum, es Neil Young tocando uno de sus temas acústicos en solitario solo que armado con la electrica y con Lanois provocando ecos , feedbacks y otros efectos. Despues de este tema nos encontramos con "Sign of Love" y "Someone Gonna Rescue You" que siguen la misma senda pero de manera menos lograda. A partir de aqui viene la parte fuerte del disco con sus tres mejores temas. El primer tema acústico "Love and War" nos muestra a un espléndido Young en un auto homenaje con unas magnificas letras sobre su lucha antibelicista. Despues "Angry World" y sobre todo "Hitchhiker" se nos muestran como las mas logradas partes eléctricas y son dos temas que tocados con los Crazy Horse podrían incluso formar parte del "Ragged Glory". El final viene de la mano de "Peaceful Valley Boulevard" la segunda acústica, con temática también mítica en Young como es la defensa de la naturaleza y de "Rumblin'" que no consiguen mantener el nivel de las anteriores y dejan un ligero sabor a monotonía del que ya hablamos.
Es en definitiva este un trabajo que como la mayoría de los publicados en la última decada nos muestran a un Young activo y con ganas de experimentar, ha publicado un álbum de tono soul, un disco conceptual con película incluida, un disco clásico, un disco protesta antibelicista, una especie de continuacion de un álbum perdido un disco extraño sobre un viaje en coche y ha reeditado un montón de material nuevo en directo y una grabación inédita del 2000 con Crazy Horse. Tremendo si tenemos en cuenta que va camino de los 65. Y sí, ninguno de sus últimos trabajos de estudio ha dado completamente en el clavo, pero el sigue a lo suyo y de todos ellos podemos extraer temas que dejan el nivel altísimo y nos recuerdan quien es. El más grande.

CRÍTICA : SUFJAN STEVENS - ALL DELIGHTED PEOPLE EP

2010-10-07T11:57:00.010+02:00

PUNTUACIÓN (sobre 10) - 7,3

Sufjan Stevens no es un músico normal. Todo el que le sigue lo sabe. Posiblemente sea el músico más independiente de la actualidad, sobre todo si entendemos independiente, como alguien que hace lo que le da la gana cuando le viene en gana, sin importarle nada más. En su carrera ha sido capaz de saltar de un decente primer álbum como folk-singer a un segundo de música electrónica casi instrumental para después firmar una trilogía magnífica de folk-pop en la que se incluyen los dos primeros discos dedicados a los 50 estados de EEUU, un proyecto que empieza a revelarse como un truco comercial más que como un proyecto realizable.Después del momento culmen de su carrera hasta ahora, "Illinois" ,han pasado cinco años en los que ha publicado un disco de un increíble nivel con los descartes y algunos cortes alternativos de "Illinois", un trabajo con cinco Eps de música navideña, recopilando temas propios y versiones de villancicos clásicos y una banda sonora sinfónica para una película documental.
Lo que es seguro es que es uno de los músicos de más talento que se ha visto en muchos años. Un talento sublime a la hora de componer temas de claro espíritu folk pero que abrazan con total naturalidad pop, soul , jazz ... y aderezado con unos arreglos increíbles de cuerda, vientos ,voces ... En "Michigan" y sobre todo "Illinois" lleva al máximo exponente este estilo y en "Seven Swans" nos lo mostraba en un tono más tranquilo e intimo. Todo esto sin olvidar sus letras que merecen una especial dedicación. Empezando por su mastodóntico trabajo histórico y geográfico en los dos discos de los estados consiguiendo conjugarlo en las letras de sus canciones de una manera única y siguiendo con las reflexiones sobre el amor , la religión y la vida de un tipo tan especial que se incluyen en "Seven Swans" o en este "All Delighted People".
El músico estadounidense nos vuelve a sorprender, falta nada para que salga su esperadísimo nuevo trabajo (que ya se adelanta como un disco de pop electrónico lleno de sintetizadores) y dos meses antes publica en internet este ¿EP? de 60 minutos de duración con suponemos temas que no le encajaban en su nuevo álbum. Y ahí esta la clave, lo grande de este cantautor, un trabajo menor de temas que no quería que se perdieran en el olvido es en manos de Stevens un disco notable, que para si quisieran la mayoría de músicos de eso que se ha dado en llamar neo-folk americano.
"All Delighted People" puede confundir al principio es de más difícil digestión que sus anteriores trabajos, con un ritmo lento y sobre todo puede parecer aburrido si no te gusta la música folk-rock-sinfónica de los sesenta-setenta, que influencia claramente el disco sobre todo en sus canciones más largas. Una sensación de pesadez que pueden causar sin duda los más de 20 minutos que se llevan las dos versiones de "All Delighted People" y los 17 de "Djohariah", temas que en principio marcan el disco con su duración. Sí eres como yo de los que gustas de este tipo de temas largos con muchos lugares comunes con la tradición del folk americano, el disco se te hará muy llevadero. Pero si no, no te rindas ante la primera escucha porque detrás de esos temas se esconden pequeñas joyas del corte de las que incluía "Seven Swans", intimas tonadas de sutiles arreglos como "Enchanting Ghost" y su juguetona guitarra, la maravillosa balada al piano "The Owl And The Tanager" o la sobrecogedora "Arnika". Temas que crecen y crecen con cada escucha y se acaban quedando el protagonismo del álbum.
No es este sin duda el trabajo por el que nadie debería empezar a conocer a Sufjan Stevens, es un trabajo diferente a todo lo que ha hecho hasta ahora, con algo de mirada al pasado, pero sí es un buen regalo para sus fans que lo disfrutarán a la espera de su "The Age Of ADZ", el nuevo disco de estudio que publicara en unos días, y que por lo que se ha adelantado por la web sera otra vez diferente.
A un servidor le encantaría que realmente lo de publicar un disco por cada estado de su país, no fuera un truco promocional, no tendría pegas en escuchar 48 discos mas del estilo de "Michigan" e "Illinois" y reconozco que los adelantos del nuevo trabajo no me han entusiasmado, pero no importa, incluso si hiciera un disco de regaetón estaría bien, lo haría porque era lo que quería hacer, y de eso se trata.

CRÍTICA : INTERPOL - SALA CAPITOL SANTIAGO DE COMPOSTELA

2010-10-02T13:29:00.009+02:00

PUNTUACIÓN (sobre 10) - 6,0

Para empezar la crítica voy a aclarar algo sobre la puntuación, un concierto de un grupo en solitario en una sala como la Capitol a reventar de un público que agotó las entradas en cuatro minutos y con reventa a precios de escándalo, si dura menos de una hora y veinte minutos para mi no puede obtener una gran nota. Interpol no son los únicos, cada vez más grupos aprovechan los tiempos de los festivales para hacer setlists parecidos en sus conciertos en solitario y parece que el público va tragando. Para mi es inconcebible en estos tiempos en los que la venta de discos es practicamente nula y los grupos deben currarse el directo más que nunca, ver espectáculos cada vez más cortos.
En cuanto a lo musical, el directo de Interpol no sorprendió a nadie, ejecución perfecta y sonido correctísimo, si obviamos algunos problemillas con el volumen en los primeros temas y los más que problemillas del grupo para llevar al directo las voces de "Barricade" (Banks no puede con los agudos del estribillo, y los coros no le ayudaron mucho). La actitud sobre el escenario la conocida, parados y con poca interacción con el público, otros con algunos de sus temas te harían saltar hasta deshidratarte, pero esa no es la actitud de los newyorkinos, y sobre eso hay poco más que decir, porque además es una de sus señas como grupo.
Una seña que parecen respetar sus fans. Fans que eran mayoría entre los asistentes, aunque me sorprendió ver en un concierto con las entradas tan cotizadas ciertas cosas. Cosas como un chico que lleva a su novia al concierto, y no te engañes tío, hace que escucha cuando le das la vara pero no le gusta Interpol y no te digo nada a la amiga que llevó para acompañarla. O esos amigos con uno saltando como un loco y los otros dos detrás diciendo "¡que buenos!", y de repente uno de los de atrás le dice al que salta "esta no estaba en el disco que nos grabaste" mientras tocan ¡¡"obstacle 1"!!. La verdad es que cada uno hace lo que quiere con su dinero, y yo también he ido a conciertos sin ser un gran fan, pero me da pena por la mucha gente que se ha quedado sin este concierto y les gusta el grupo.
Una de las cuestiones importantes era escuchar sobre el escenario los temas de su nuevo álbum. Me afirmé sobre la opinión que tengo del disco,en cuanto a los temas llamados a ser "hits estilo Interpol". Tanto "Summer Well", a la que le falta punch, como "Barricade", que fue la peor interpretada del concierto y palideció al compararla con "Evil" que la sucedió en el setlists, son dos temas muy flojos en comparación con los temas de ese tipo de cualquiera de sus tres anteriores trabajos. Sin embargo si brillaron tanto "Success", a la que le sienta bien ser la apertura también en vivo, como "Lights" que con su crescendo brilla en directo y tiene pinta de convertirse en un clásico en el directo del grupo.

Lo mejor de la noche fueron las interpretaciones de dos temas de sus dos primeros discos que a pesar de no ser éxitos inmediatos, son de los que más han crecido con los años, "Hands Away" y "Not Even Jail" , amen de el espectacular final uniendo "Slow Hands" y "PDA". Un final sobresaliente que dio paso a incredulidad y finalmente cabreo con lo escaso del setlists. Tan escaso que me privó de "NYC", "No I In Threesome" y sobre todo de su mejor tema "Stella Was A Diver And She Was Always Down". Menos de 80 minutos de concierto, bufff ...

CRÍTICA : INTERPOL - INTERPOL

2010-09-30T17:30:00.014+02:00

PUNTUACIÓN (sobre 10) - 5,6

Justo antes de escribir esta crítica me he dado una larga vuelta por la red, viendo decenas de reviews sobre este disco tanto en prensa como en diferentes blogs. Lo he hecho porque tenía curiosidad por como lo puntuarían, me daba la sensación de que habría opiniones muy enfrentadas. Y aunque he visto desde notables altos a muy deficientes, lo cierto es que la mayoría ronda por el aprobado, algunos acercándolo al bien otros dejándolo en un suspenso alto. Me he equivocado y mi opinión esta entre las más comunes. Yo la acerco al bien, quizá porque a diferencia de los que le dan un muy deficiente o un suspenso alto, ya no espero de ellos otro "Turn On The Bright Lights".
Interpol se ha convertido en los últimos tiempos en un grupo al que queda bien poner a parir si quieres dártela de crítico musical moderno. Esto empezó con su anterior trabajo "Our Love To Admire" (quizás por su publicación en Capitol), un disco que intentaba ligeramente abrir nuevos caminos, después de sus dos primeros con un estilo muy similar. La introducción de teclados y la abundancia de medios tiempos eran los cambios más significativos y si bien no alcanzaba el sobresaliente de "TOTBL" ni el notable de "Antics" era un albúm que contenía algunos grandes temas ("No I In Threesome", "Mammoth", "All Fired Up" o "Rest My Chemistry" con ese punteado de guitarra sacado del "Where Is My Mind" de los Pixies) algunos con un estilo bastante diferente a sus primeros hits, algo muy importante siendo una banda a la que lo que más se le critica es su abuso de auto plagio en sus singles.
Ahora con este homónimo de vuelta a Matador nos dicen que regresan a los sonidos de su primer trabajo, pero no es del todo cierto y ahí esta la segunda parte del disco para demostrarlo.El disco es el mas irregular de toda su carrera y flojea en lo que hasta ahora nunca les había faltado, en lo que podemos llamar "hits estilo Interpol", esas canciones bastante miméticas que contienen todos sus trabajos y que adoran sus fans y hacen que clamen contra su falta de originalidad sus detractores. Esos temas aquí son "Summer Well" y "Barricade" y sin duda quedan absolutamente denigradas en su comparación con "Obstacle 1", "PDA", "Evil" , "Slow Hands" e incluso con "Mammoth" o "The Heinrich Manauver". Solo el tema de apertura "Success" o "Lights" podrían mantener el pulso con sus dos primeros álbumes. Pero también hay buenas canciones aquí , y como en su anterior Lp destacan temas mas lentos como "Memory Serves" o "All Of The Ways". Otros intentos de este tipo quedan a medio camino y algunas directamente fallidas como "The Undoing".
Si nos paramos a pensar en su carrera, quizás Interpol deberían analizar, sobre todo ahora con la marcha de Carlos Dengler y sus lineas de bajo imprescindibles en la fuerza de los "hits estilo Interpol", si no habrá llegado el momento de hacer un disco con los temas que parece que les apetece hacer, aunque eso suponga una decepción para algunos fans de su formula más repetida. Desde luego les podría llevar a mejorar esa parte de temas fallidos que se pueden encontrar en la segunda parte de este "Interpol", y yo creo que el conjunto mejoraría.
Al final tenemos entrada para mañana en Santiago, veremos como defienden sus nuevos temas, disfrutaremos con los temas de "TOTBL" y después lo contamos.

CRÍTICA : JOSH RITTER - SO RUNS THE WORLD AWAY

2010-09-22T17:42:00.007+02:00

PUNTUACIÓN (sobre 10) - 7,0

El mundillo musical moderno busca desesperadamente grupos nuevos que descubrir y vender cada año. Eso explica en parte que en ninguna de las listas de lo mejor del año de las revistas modernas figurara ningun disco de Josh Ritter pero sí unos cinco bodrios anuales de post-techno-pop-dance, discos de debut de algun grupo de jóvenes del que no volvimos a oir hablar. El gusto por el hype es cada vez más desmedido y todos nos dejamos llevar cada vez más por cosas que nos venden demasiado rápido. Supungo que en parte eso y como no, tambien ganar un oscar, explica algo tan inexplicable como que Josh Ritter estuviera hace poco por aquí como ¡telonero! de unos The Swell Season, que de momento no le llegan a la suela de los zapatos.
Este es el sexto disco de estudio, más algun directo, del cantautor de Idaho. Sus cuatro primeros trabajos eran un compendio de influencias folk con aire pop y soul. Los referentes estaban claros Bob Dylan , algo del Springsteen mas íntimo y mucho del gran Elliott Smith.Todos ellos estaban repletos de grandes canciones sobre todo "Hello Starling" su tercer álbum. En su quinto álbum "The Historical Conquest Of Josh Ritter" el americano, sin abandonar para nada sus influencias, dotó a su música de una produccion mas densa enriqueciendo su instrumentación y acercandose a un estilo pop-rock clásico que hacía el Lp más apto para todos los públicos.Canciones vivas y pegadizas se mezclaban con temas mas folk y hacian de este uno de los mejores discos del año 2007.
Para su nuevo trabajo recupera su lado mas íntimo y se vuelve a acercar a sus primeros discos con canciones de folk con aires pop de gran calado como "Change of Time" o "Another New World". Pero tambien nos descubre un lado más rockero en dos temas como "Rattling Locks" y "The Remnant" dos grandes canciones perjudicadas por lo que sin duda es lo peor del disco una producción blanda y un sonido excesivamente agudo (en algunos momentos ciertos instrumentos parecen de juguete). Con otra produccion más contundente sin duda este "So Runs World Away" subiría mucho el nivel y se convertiría en uno de los mejores discos del año. Aunque incluso eso parece poco importante cuando eschuchas algo tan hermoso como "The Curse" o "See How Man Was Made".

CRÍTICA : RADIOHEAD - DVD LIVE IN PRAHA

2010-09-15T12:09:00.000+02:00

PUNTUACIÓN (sobre 10) - 8,0

Mucho se ha hablado estos días en la red sobre este directo. A saber, el 23 de Agosto del año pasado durante la gira de "In Rainbows" en su concierto en Praga, 50 fans de Radiohead grabaron la actuación con sus cámaras ( en algunos sitios se dice que las cámaras las repartió el propio grupo) desde sus respectivas posiciones. Posteriormente esas grabaciones se subieron a Youtube como se hace con todas hoy en día. Ahora tras un año de trabajo sacan este directo con una recopilación y edición de las imágenes y el máster de sonido de la banda. Aparte de por ser algo original se esta hablando mucho porque Radiohead ofrece la descarga totalmente gratuita y en varios formatos de este directo en la página radiohead-prague.nataly.fr/ , incluso si pulsas sobre las canciones te lleva directamente a verlas en Youtube sin tener que descargartelas. Tras ofrecer su último LP por "la voluntad" los de Thom Yorke demuestran que siguen adelante con su idea de pasar de las discográficas. Y vuelve la pólemica que ya generó la publicación de "In Rainbows", cuando recibieron críticas de otros músicos que consideraban que perjudicaba a los grupos que estaban empezando.
Dejémoslo claro, la etepa de las discográficas clásicas ha muerto, por mucho que se empeñen los sin nombre de la SGAE o la ministra de turno intentando devolver favores a una parte del colectivo artístico que se niega a reciclarse. El mundo actual no se puede entender sin la descarga de archivos por internet. Todo esto tiene una parte negativa para mi, y no son precisamente las discográficas, que durante años nos han estafado con el precio de los compactos. De otra cosa estaríamos hablando si los cd nos costaran 5 euros y no 20. Las grandes perjudicadas sin duda son las tiendas de música, esa a la que has ido durante años a comprar los discos de tus grupos favoritos y hoy en día visitas cada vez menos. Los propietarios de esas tiendas son los que pagan la ineptitud de unas grandes compañias que quieren luchar contra los nuevos tiempos para no perder su monopolio. Los nuevos grupos a mi modo de ver salen muy beneficiados con la descarga gratuita de internet, ahora todo es más fácil, oyes o lees algo sobre un grupo y enseguida lo escuchas y si te gusta lo sigues y lo intentas ver en directo. Justo el modo en el que los grupos deberían intentar ganarse la vida, con los directos.
Se que es esta una visión muy simple de un problema complejo, pero esta claro que todos, ministras, SGAE, discograficas y grupos deberían intentar adaptarse y seguir el ritmo que marcan los tiempos actuales, no luchar contra y criticar cosas como lo que estan haciendo Radiohead, pasos adelante sin duda en lo que tendrá que ser una nueva configuración del mecado musical. Como ellos dicen en la página de descarga : "Por los fans para los fans. Por favor comparte y disfruta". Y que conste que yo sigo comprandome discos, y que para mi sí tiene algo especial el abrirlos y escucharlos por primera vez mientras lees el libreto.
Bueno despues de todo, hablemos del trabajo en si. No es dificil de imaginar, todos hemos visto algun video en Youtube de un concierto. Esto es eso con una calidad de imagen sorprendente y un sonido casi perfecto. Si eres de los que disfrutas con esos videos no lo dudes, si no dale de todas maneras una oportunidad, pues las mejoras son muy importantes y no deja de ser un concierto de Radiohead, o sea, un lujo. Además el espectáculo se aprecia desde una perspectiva ideal, para disfrutar como si estuvieras allí, aunque, y aqui viene lo que menos me ha gustado, hay demasiado cambio de imagen. Siguiendo la tendencia actual de los dvd en directo, los cambios de plano son constantes y a uno le dejan la sensación de que con un par de las camaras situadas un poquito mas atras y en el centro , con las que se aprecia todo el escenario y puedes disfutar del show y otra cámara con planos cercanos de los músicos hubiera quedado mejor.De todas maneras he disfrutado de las 25 canciones y no destaco ninguna porque me han gustado todas. En algun momento he estado a punto de ponerme a saltar y en varios me he puesto a cantar como si estuviera allí.

CRÍTICA : BIG CITY - CELEBRATE IT ALL

2010-09-09T13:27:00.002+02:00

PUNTUACIÓN (sobre 10) - 7,3

Los zaragozanos Big City pretenden dar el salto hacia una mayor repercusión en la escena indie de nuestro país con este su tercer disco, lo merecen sin duda. Me ha resultado curioso como en nuestras revistas modernas han merecido mas atención proyectos con los que los miembros de la banda colaboran (Bigott, The Secret Society ..) cuando estan lejos de la calidad ya mostrada en los dos primeros trabajos de Big City. Hasta ahora habían recibido buenas críticas y poco más, parece que eso empieza a cambiar.
Su primer LP "A Spring of Summers" del año 2003 ya dejaba clara la calidad del grupo, un trabajo que bebía del folk americano con cierto regusto pop, influencias de The Band o Buffalo Springfield y grupos americanos actuales como Mojave 3 con unos cuidadísimos arreglos. Un estilo que era difícil que triunfara aquí, como demostraron las dificultades que tuvieron para sacar su segundo disco "Call an Ambulance" del 2006, que sin perder sus influencias folk los acercaba más al pop con toques incluso de power pop (mucho tendría que ver en eso la participación en la producción de Paco Loco supongo) y con unas cuantas canciones con pinta de hit. A pesar de la calidad del trabajo y de las excelentes críticas, cuatro años han pasado con un par de Ep´s y un recopilatorio de sus dos primeros álbumes y rarezas.
Y ahora llega "Celebrate It All" un disco de pop fresco con ligeros toques folkies y con unas cuantas canciones que quitan el hipo, como "The Split End","Car Music", "Finland", "Poland" ... temas que varian entre preciosos medios tiempos y trallazos pop directos. Por el camino han perdido algo de los trabajadísimos arreglos de su primer disco pero a cambio su música se ha hecho mas directa, conservando un elevado mimo por los detalles. Y ahora hablaremos de Wilco, porque sí, la influencia más clara en este disco son ellos. Como a casi todos los grupos influenciados por Wilco lo primero que les falta es la voz única de Jeff Tweedy, pero en comparación con otros grupos patrios influenciados por los americanos (Jet Lag, The Sunday Drivers ..) sin duda Big City son los que mas se acercan a la calidad de aquellos y temas como "The Split End" y "Finland" podrían formar tranquilamente parte de "A Ghost Is Born" y "Summerteeth" respectivamente. Y esto último son palabras mayores que demuestran su inmensa calidad, pero tambien es la peor crítica que le podemos hacer a "Celebrate It All" pues la influencia de Wilco en sus mejores temas es demasiado obvia, y en el LP han perdido cierta variedad que sí demostraron en sus dos primeros trabajos, aunque desde luego de parecerse a alguien, Wilco es una de las mejores opciones.
Nosotros esperamos que dado que en su carrera encontramos tambien paralelismos con la de los americanos : primer disco de sonidos folk country, segundo que aunque conserva ese sonido tiene un toque mas pop y un tercero en el que se adentran de lleno en el pop aunque dejando claro de donde vienen. Pues eso, que a ver si para el cuarto mezclan todo lo que han hecho antes, le dan una vuelta y les sale su "Yankee Hotel Foxtrot" y la arman. Que no tengamos que esperar cuatro años.

CRÍTICA : MTV GALICIA 2010

2010-09-06T18:48:00.000+02:00

PUNTUACIÓN (sobre 10) - 6,7

Ya pasó. Despues de tanto hablar sobre ello ayer se celebró el Mtv Galicia. Y no se llenó el Monte do Gozo. No se llenó ni de lejos. Y nos sorprende, nos sorprende mucho. Toca dar la razón a los que aquí y en otros foros nos contradecían cuando sosteníamos que se sobrepasarían los 25.000 asistentes. Hasta el señor Santos Cidras que predijo entre 20 y 25.000 personas se paso de optimista, no digamos nosotros, aunque al final de la crítica intentaremos buscar una explicación a nuestro fallo .Poco hablaremos pues del tema de la seguridad y la organización algo en las últimas lineas de esta crítica que, al contrario que la del Xacobeo 10 escribo sin haber leído nada sobre el festival y sin haber reposado como entonces un par de días las sensaciones, vamos a ver como queda haciendolo asi.
El festival como era de preveer fue puntual dada la retransmisión en directo para todo el mundo por parte de la Mtv, a la que agradecemos ahora, antes de ponerlos mal, la parte que le toque de que podamos haber visto estos grupos en Santiago y deseando que siguan con este Festival en años venideros. Lo peor del concierto como tambien era de preveer se lo debemos a la Mtv. Primero por ese personaje inexplicable que pulula por su canal, creo que se llama Johan, y que a mi modo de ver es uno de los personajes más insoportables que ha dado la tele en los últimos años y es mucho decir. Tonto, pesado y ridiculo un personaje asi solo tiene cabida en un canal como la Mtv actual. No se si es cosa mia que le tengo manía pero me parece que no lo soportaba el 90 por ciento del público y eso que allí había consumidores de Mtv a dar por saco.Menos mal que solo salía unos minutos antes de cada actuación. Lo segundo fue el horrible sonido que el canal musical proporciono a este festival (solo se salvo con Arcade Fire) y no solo nos referimos a los graves problemas en la actuación de Cornelius 1960. No soy técnico de sonido pero me voy a explicar sencillamente, os acordais del primer reproductor de música que comprasteis ese que no tenía mucha potencia (ahora gastais aparatos de 160 watios de potencia claro) y le subias el volumen a tope para escuchar vuestra musica favorita, se escuchaba fatal ¿verdad? pues asi sonaron ayer Cornelius 1960, The Temper Trap y en menor medida Echo & the Bunnymen. Sí, el sonido mejoró con los canadienses ( sobre todo cuando iba avanzando el concierto) , pero no creo que a pesar de lo buenos que son fuera solo por ellos. La Mtv debería tener capacidad para montar un festival en el que todos los grupos dispongan de un buen sonido. Si buscais en la red encontrareís que no es el primer festival de este tipo en el que ocurre esto, aunque seguro que en la retransmisión televisida del concierto que se podra ver en su nuevo canal de tdt todo sonará perfecto ...
Este problema lastro mucho la primera parte del concierto, aclarado esto vamos con los protagonistas :
EME DJ - Labor difícil la suya, un público con un objetivo muy claro y con pocos ojos para ella. Aún asi la vimos un poco perdida, como ausente. Los técnicos de sonido la molestaron sobre todo entre grupos, pero con todo hemos de decir que no fue capaz de involucrar a casi nadie. Pero bueno como ya he dicho con los del Xacobeo 10 tengo muy poca idea de esto.
CORNELIUS 1960 - Lo suyo con el sonido fue demasido duro, tuvieron que seguir tocando para la retransmision mientras en el monte no se oía nada por fallos técnicos. Pero si quereis que os diga la verdad fue lo mejor que les pudo pasar, porque a partir de ahi la gente le dio su apoyo. Su actuación no estaba gustando nada, con un directo basatante flojo, con un vocalista con muchas carencias y sus canciones tienen demasiadas deudas con un pasado al que ni siquiera rinden buen tributo, su version de "Immigrant song" de Led Zeppelin dejó mucho que desear. Aún asi intentaremos volver a verlos en directo con un sonido sin problemas y en un escenario mas pequeño esperando que nos sorprendan.
THE TEMPER TRAP - Los australianos sorprendieron con un directo más ruidoso de lo que esperaban sus fans , incluso cuando cantaron su tema estrella "Sweet disposition" , una canción blanda típica de banda sonora de comedia romantica americana. Cuando lei que la Mtv los comparaba con Radiohead me tome la molestia de oir su disco y me dio la risa, su directo por lo menos es más contundente e intenta ser algo mas original, aunque el falsete del cantante esta muy visto. Divirtieron a bastante gente y fueron los más celebrados del día aparte claro de Arcade Fire, a mi la verdad ni fu ni fa. Puede que nos sorprendan pero me tiene pinta de que se convertiran en un grupo tipico de Mtv con algunos años de exitos cada vez más comerciales.
ECHO & THE BUNNYMEN - No soy un fan de los de Liverpool, pero tienen muchas grandes canciones, un lider carismatico y un directo que cada vez se hace más rockero y eso le sienta bien a sus temas clásicos. Ian McCulloch es un tipo divertido en un escenario aunque empiece a tener demasiados dejes de estrella clasica del rock algo trillados y Will Sergeant estuvo genial a las guitarras.Escuchamos "Rescue", " The Killing Moon" y una version de "Nothing lasts forever" con "Walk on the wild side" incluida que fue de lo mejor de su concierto.Con gente como esta sabes que nunca te van a fallar los buenos momentos.
ARCADE FIRE - Y llegaron los de Montreal y estalló la alegria en el público, empezaron tremendos con "Ready to Start" y "Month of May" y ya no se bajaron del carro. Precisos potentes y entregados, cada vez que ves como van cambiando de instrumentos sientes que estas ante algo grande. Los temas fueron desfilando a un ritmo endiablado ahora "Neighborhood II (laika)" te hace volverte loco, despues "No Cars go" te hace saltar de felicidad y cuando llegan a "Intervention" piensas que cantidad de temazos tienen estos tios en tres discos. Y aun faltaban "Neigborhood III (power out)" ,"We used to wait","Rebellion (lies)", "Keep the cars running" y "Wake up". El escenario sencillo les vale de sobra para acompañar las canciones, del resto se encargan ellos. ¿Algo malo? Pues tambien porque no fue un concierto perfecto. Para empezar es un concierto muy corto, si ya se que era la duración estipulada en el festival pero sus conciertos en solitario tienen el mismo setlist, asi que por ahi le andarán y una hora y media es muy poco para un grupo que ha alcanzado este nivel, si pago 40 euros para verlos me decepcionaría este setlist con solo 18 temas y eso incluyendo "The Suburbs (continued)".Tampoco me gustaron los coros que no suenan así en el disco en "Neighborhood I (tunnels) cuando llegaba el estribillo no se oía a Win Butler acallado por unos "ououououou..." demasiado altos, y por último y se que muchos no estarán de acuerdo conmigo en esto, me encanta ver a Régine Chassagne moviendose de instrumento en instrumento mientras hace coros, pero cuantas menos canciones cante como solista mejor ... será porque como ya sabeis si habeis leído la critica de "The Suburbs" no me gusta "Sprawl II". Pero esto son pequeñas cosas, porque fue no solo el concierto de la noche, sino uno de los conciertos del año santo
Para acabar hablaremos un poco de la organización. En cuanto a los precios desorbitados todo siguió practicamente igual, en la barra la cerveza valia un euro menos, la comida igual, nos siguieron robando vamos. No se si hubo más baños pero eran menos necesarios. En cuanto a la seguridad sin problema, como ya dijimos en nuestra anterior entrada, se habían tomado medidas para garantizarla, pero un poco más que mediado Monte do Gozo , las hizo innecesarias, hasta se retiro el primer filtro de control de gente, aunque era obligatorio que estuvieran preparadas porque pocos podían imaginar la escasa afluencia. Y que decir de eso de la asistencia, algunos dirán que nos subimos a la parra cuando criticamos la falta de invitaciones o cuando exigimos medidas extraordinarias de seguridad, los mismos que si ayer no hubiera habido esas medidas y la asistencia fuera mucho mayor habrían puesto el grito en el cielo. Pero lo cierto es que hoy he hablado con cinco amigos que querán ir al evento y no fueron, y todos me dijeron lo mismo :" Ir hasta Santiago y a lo mejor no poder entrar ...". Un concierto gratuito es una gran idea pero quizás enfocado de otra manera sería mucho más productivo, si es que se repite. Aún no me puedo creer que miles de personas se hallan perdido a Arcade Fire gratis y en este momento.Pero bueno "cousas veredes".

MTV GALICIA. ¿PELIGRO EN EL MONTE DEL GOZO? CUARTA PARTE

2010-09-02T17:07:00.000+02:00

Esta será la última parte de una entrada que ha dado mucho que hablar, quedan tres días y lo próximo que escribamos sobre este tema sera la crítica del festival, si es que somos capaces de entrar.
Todas las partes de esta entrada estaban claramente orientadas a obtener algunas respuestas a dudas que primero aqui y despues en innumerabales blogs y webs planteaba la organización de este festival gratuito. Hemos de decir que por mucho que se ha intentado tanto aqui como en la web del propio Xacobeo la organización se ha mantenido muda ante las muchas preguntas que se le hacían y solo mediante las ruedas de prensa del señor Santos Cidras y la experiencia del pasado viernes en el Xacobeo 10 hemos podido adivinar como será la seguridad del espectáculo del próximo Domingo. Con lo fácil que es explicarle a la gente las cosas y el buen resultado que da ...
Bueno como desde otros blogs y webs se nos ha acusado de crear una pólemica gratuita con este tema (blogs y webs que no han merecido nuestra respuesta por opinar sin ningun conocimiento, ni del Monte Del Gozo ni de pasados conciertos problematicos en él) , hoy vamos a intentar aclaranos al máximo sobre como será la organización y de los que creemos son correctos pasos que ha dado la organización para mantener la seguridad.
La primera pregunta que planteabamos en las anteriores entradas es como tenian pensado controlar cuando habría dentro 25.000 personas. Pues bien como ya os dijimos en el Xacobeo 10 nos dio la impresion de que con la maquinita que te leían las entradas había otra que pulsaba una chica situada detras. Hoy confirma el señor Santos Cidras que esa maquinas se llaman clickers y seran las encargadas de contar a los asistentes. Esas maquinas se conectaran a una central que hara la suma total y al llegar a 25.000 pues ya sabeis a cerrar las puertas toca. La novedad que se venía rumoreando y hoy se ha confirmado es que habrá dos filtros que contarán las personas uno se situará en los accesos a la colina, antes de llegar a las puertas de acceso donde habra otro filtro tambien con clickers que sera el definitivo ,este segundo filtro con contadores en las puertas sera el que marque el cierre de las puertas al llegar a 25.000, el primero en los accesos será solo de control para la organización e informativo para el público sobre si las puertas ya se han cerrado . Para aclararnos entendemos que por ejemplo en el principio de la Rúa das Estrelas se situará un primer filtro para ir contando a los asistentes, cuando por ese filtro y el del Puente de San Lazaro hayan pasado 25.000 personas se prepararán para cerrar las cuatro puertas de acceso, y se cerrarán cuando se alcance el aforo en los clickers del segundo filtro. Importante tambien es decir que una vez que cierren las puertas se permitira a la gente que no haya podido entrar que suban igual por la Rua das Estrelas por si quieren ver el espectáculo desde fuera del recinto ( para los que no conocen el lugar decir que se ve desde muy lejos y se escucha dependiendo de para donde de el viento, pero si no queda más remedio).
La segunda duda era saber como van a hacer que la gente entre por estricto orden de llegada. Aqui la duda no queda resuelta porque si se forman colas y a no ser que el primer filtro antes de llegar a la colina que comentamos sea único y parece ser que no, dado que se habla de filtros en plural, pues a ver si teneis suerte y por donde intenteis entrar hay menos gente y asi tendreis más posibilidades. Lo que si han aclarado es que doblarán el numero de personas de seguridad (316), y esperamos que eso contribuya a evitar broncas y peleas en las colas.
La verdad es que nos alegramos de ver que tanto para el Xacobeo 10 como para el Mtv Galicia el Xacobeo se ha puesto las pilas y ha tomado decisiones para intentar asegurar al máximo el bienestar de los asistentes. Despues podemos estar mas o menos de acuerdo con las decisiones que han tomado, y sobre todo rechazamos su politica de no decir nada hasta falta de tres días, lo ideal para la gente que viene de fuera haga planes vamos.
Como os decimos nos quedan ciertas dudas sobre el orden de acceso o sobre cuanto tiempo darán desde que las maquinas cuanten 25.000, hasta cerrar las puertas, porque desde el principio de la Rúa das Estrelas hasta las entradas aún hay un tramo. Pero lo cierto es que viendo estas medidas mas el hecho de haber reducido el aforo hoy uno se puede sentir más o menos tranquilo para asistir al festival , y eso es mucho despues de los dos meses de incertidumbre que el Xacobeo nos ha hecho pasar.
Por lo demas, deciros que esperamos que todos podais entrar y que no tenemos ni idea de la hora ideal para acercarse al Monte, suponemos que dependera mucho de si llueve o no. Espero haberme explicado bien aunque supongo que para quien no conoce el sitio sera un lio, si quereis consultarnos algo, no dudeis, intentaremos ayudaros. Nosotros intentaremos llegar temprano pero sin pasarse que la comida del Domingo es sagrada. A ver si tenemos suerte todos los que vamos porque nos gusta algun grupo y los que van solo porque es gratis no.

CRÍTICA : XACOBEO 10 O FESTIVAL

2010-08-30T10:24:00.000+02:00

PUNTUACIÓN (sobre 10) - 7,0

No se por donde empezar esta crítica. estos días hemos hablado tanto de la seguridad en el Mtv Galicia, que parece obligación empezar por la organización, pero la musica es lo mas importante. Eso si antes de ir con el concierto voy a dejar una opinión personal que no puedo contener. Ser un inculto musical no es nada malo, ser un subnormal maleducado sí. Eso va por el elevado número de personas que fueron incapaces de respetar a los artistas que no eran el grupo al que iban a ver. Vale que seas incapaz de darte cuenta de que posiblemente estas viendo el momento musical mas importante de todo un impresionante año Xacobeo, pero lo mínimo es saber respetar al que tienes al lado y que sí lo sabe apreciar y que seguro que no te va a molestar mientras tu disfrutas del próximo grupo. Cállate respeta al artista y a su publico aunque sea poco y no airees tu pobreza mental soltando gritos estupidos. Dicen que a los gallegos nos falta cultura festivalera pero no es eso. Es que a algunos les falta educación simplemente. Otros muchos si la demostraron, que conste. Asi que nos quedamos con eso y hablamos de música.
THE RIGHT ONS son un gran grupo de directo, sus conciertos en solitario se convierten en una gran fiesta en la que demuestran una entrega espectacular. Aqui lo tenían difícil una audiencia poco entregada ( aunque les favorecio algo ser los primeros y pillar a la gente ... menos ansiosa) y un sonido algo defectuoso lastraron un poco ese garage soul tan explosivo que practican. Aún asi creo que pudieron medio convencer a algunos espectadores que si se deciden a verlos de nuevo, seguro que quedan convencidos definitivamente.
JÓNSI tuvo dos graves problemas durante su actuación, el primero ya os habeis dado cuenta arriba cual fue, el segundo fue que le falto el apoyo visual que lleva en su gira, ese que fascinó en su concierto en el Sonar 2010 y que hizo que su ya de por si precioso directo alcance cotas de belleza inigualables. De esto no se a quien echarle la culpa si a la organización por programarlo de día o simplemente al empedrado, porque viendo lo que había despues en ese escenario , quizas montar la escenografia del Islandes era demasiado complicado. Aún con todo el concierto de Jónsi fue espectacular, de menos a más tuvo momentos alucinantes, como ver lo que es capaz de mantener Jónsi un agudo, la pericia del bateria Doddi o la magnifica interpretación de Animal Arithmetic. Pero lo que me quedara como lo mejor de la noche y posiblemente de todo este año santo fue el final del concierto , con el islandes tocado con plumas indias interpretando la nueva canción Sticks and Stones con un ritmo alucinante para despues erizarme el bello con el preciosismo que alcanza en directo Grow Till Tall. Jónsi se ha pasado al pop, pero como no podia ser de otra forma su pop es único e inimitable, cuando le salga un disco redondo que le saldra, espero que vuelva por aquí y nos ofrezca su directo sin compartir escenario con nadie.
MUSE fueron los protagonistas de la noche, quizás la critica hasta ahora parezca dirigida a criticarles pero no. Y no porque Muse tienen un directo efectivo y contundente de esos con canciones como Plug in Baby , New Born o Hysteria que hacen saltar a cualquiera en un concierto y que consigue que horribles canciones como United States of Eurasia (le habran pagado derechos a Queen además de los de Chopin) o Knights of Cydonia parezcan mucho mejores de lo que son. . Musicalmente tengo que reconocer que para mi su mejor disco es Origin of Simmetry y que a partir de ahi todo a sido una cuesta abajo constante, todo lo contrario que su popularidad que no para de subir y que los convierte junto con Coldplay en los mas claros candidatos a sustituir a U2 como la banda de estadio del momento.Me gustaría aclarar tambien que a pesar de lo que se insiste en la prensa la mayoria de los fans de Muse no tiene menos de 20 años, la mayoria de los fans de este festival llenaban tabien el foso de su concierto en el último Xacobeo y sí de eso han pasado ya 6 años con lo que no son tan niños ( aunque muchos se comporten como tal). Por cierto ahora Muse tienen un escenario espectacular y estan apoyados por un equipo tecnico de lujo (aunque tuvieron problemas de sonido al principio del concierto donde casi no se oía a Bellamy y la guitarra y el bajo se distorsionaban) pero no se si sera porque sus mejores canciones eran de aquella época o porque ahora son mas divos (creo que en todo el concierto solo hubo un "buenas noches" para su entregado publico) , a mi el concierto del 2004 me gusto mucho más. Y ya puestos a ver espectaculo una pena que aqui no pudieran montar su escenario piramide o por lo menos el de las columnas de los pabellones.
PET SHOP BOYS nunca me han gustado mucho, no son de mi estilo digamos. Pero el viernes en Santiago me di cuenta de que tienen algo dificil de ver hoy en día en los escenarios : clase. Ademas y a pesar de que todos acabamos muy hartos de las cajitas por culpa de la mas de media hora de retraso que les tomo montar el escenario , su espectáculo Pandemonium es una muestra de originalidad que pone de manifiesto que no todo esta inventado en esto de los directos y que no es necesario a veces hacer megaconstrucciones para hacer un espectáculo divertido y espectacular. Con eso y con su buen hacer consiguieron que la mayor parte del público se quedara y disfrutara con ellos, gran logo teniendo en cuenta que para ellos no se vendió ni una entrada.
LOS DJ no son mi especialidad asi que voy a opinar poco. POTI fue populista es un pinchadiscos y adapto la musica a la gente que alli había. CARADENIÑO intentaron hacerse notar y lo consiguieron, los estan poniendo a parir por todos lados, aunque tengo que decir que dejarón un par de sampleados de buen nivel.A VITALIC no lo vi entero pero esperaba algo diferente de un tipo con tanto nombre, me parecio uno más aunque repito que de esto no entiendo.
Ahora vamos con la organización. En lo que más preocupaba, que era la seguridad, hay que decir que fue casi perfecta, hubo colas pero pocas, los accesos estan mejorados y fueron sencillos para la mayoria, dentro te movias con cierta comodidad e incluso me parecio que el aparato que te leía las entradas iba controlando el numero de personas que había dentro. De esto no estoy seguro pero sería interesantísmo para el verdadero examen de organizacion para el Xacobeo que sera el Mtv Galicia. Dentro de lo malo no podemos dejar de recordar que vender las entradas con un solo grupo contratado y esperar a falta de 10 días para anunciar el cartel es un desastre que provoca muchos problemas. Ademas hay que señalar que los baños se quedaron escasos y que cobrar 10 euros por 0,75 l. de cerveza o 12 por un cubata no es otra cosa que robar y no hace mas que confirmar lo que todos sabíamos cuando anunciarón la prohibicion de entrar comida y bebida. Lo de no dejar entrar botellas con tapón por seguridad y que luego te la vendan dentro con tapón es de traca.
Para finalizar decir que despues de esperar dos días para reposar mi opinion y escribir esto, lo que más me ha rondado la cabeza es que en este Xacobeo han actuado dos de los tipos mas importantes de la musica de la última decada (Jeff Tweedy y Jónsi) y aunque haya sido en solitario y no con sus grupos me parece que ambos han pasado demasiado desapercibidos y es una pena porque posiblemente nunca más pisen Galicia.

MTV GALICIA. ¿PELIGRO EN EL MONTE DEL GOZO? TERCERA PARTE

2010-08-20T11:32:00.001+02:00

Pues aqui va la tercera entrada sobre este festival que publicamos. Nunca pense que diera para tanto pero el Xacobeo no para de sorprendernos. Por mucho que el Xacobeo 2010 se empeñe en aplicar la censura sobre los comentarios negativos sobre la organización de este festival, ya nadie puede negar la inmensa polemica que este tema ha levantado tanto en su web como en sus redes sociales como en otras muchas webs musicales viendo la cantidad de mensajes de protesta que hay.
Pues bien el Xacobeo despues de muchísimos días recibiendo mensajes solicitando información sobre la organizacion del Mtv Galicia da señales de vida publicando conjuntamente las normas de acceso y recomendaciones para el Xacobeo 10 y el Mtv Galicia. Y sorpresa, son practicamente las mismas que se aplicaron por ejemplo en el concierto de Bruce Springsteen del año pasado. De hecho en el tema mas pólemico el de la manera de acceder son exactamente las mismas. No han dedicado ni un minuto a pensar algo que pudiera facilitar el acceso de manera mas ordenada y eso que han sido ellos los que han decido que se acceda gratuitamente por estricto orden de llegada. Y claro esto nos lleva a repetir dos preguntas que rogamos al Xacobeo nos resuelva lo antes posible :
PRIMERA - ¿ Como van a controlar el aforo para saber en que momento hay 25.000 personas dentro, con pulseras, tickets o simplemente a ojo?
SEGUNDA - ¿ Como van a respetar el orden de llegada si han decidido habilitar la cuatro puertas y los tres accesos a la zona del escenario? Esta claro que si hay 4 puertas no se entrara por orden de llegada estricto, ya que el que sea el 2.000 de la puerta uno puede haber llegado antes que el 1.500 de la puerta 4. Asi parece que se trata de averiguar en que puerta la cola es menor para tener más posibilidades de entrar aunque hallas llegado más tarde.
Hay otras cuestiones que nos preocupan como esos pases vip que han sorteado ciertas webs y que hacen suponer que habra zonas separadas en el reciento y una zona vip como la del año pasado en Bruce, pero de la que no se sabe nada y el Xacobeo despacha en estas normas diciendo que es una información que iran actualizando segun se concreten determinados puntos. No voy a ser mal pensado pero cuesta mucho cuando se trata de zonas vip y el Xacobeo y me da que ni tú ni yo vamos a estar ahí.
Por último recordar que como ya comentamos en un comentario de la segunda parte de esta entrada, el señor Santos Cidras anuncio la reducción del aforo a 25.000 personas, algo que sin duda beneficiará la seguridad y comodidad de los que entren, aunque a su vez dejará a más gente fuera cabreada e intentando entrar por otros medios conocidos por todos los que llevamos años asistiendo a los eventos del Monte del Gozo.
Como se supone que habra alguna noticia más sobre todo esto por parte del Xacobeo pues habra cuarta parte de este tema. Volvemos a desear de verdad que no pase nada y todo salga bien y la organizacion se luzca estando impecable el día en cuestión pero no podemos evitar decir que si bien nos parece que en el tema de la contratación de artistas esta ha sido un Xacobeo MAGNIFICO en el de la organizacion de los dos festivales del Monte del Gozo y en especial de este Mtv Galicia por sus especiales circustancias al ser gratuito ha sido un DESASTRE.

CRÍTICA : ARCADE FIRE - THE SUBURBS

2010-08-19T10:33:00.000+02:00

PUNTUACIÓN (sobre 10) - 7,8

Que difícil la critica de lo nuevo de Arcade Fire. A uno le gusta oir los discos con calma antes de hablar de ellos, pero ya se ha escrito y dicho tanto de este trabajo que solo lleva dos semanas en la calle que uno tiene miedo a sentirse influenciado. Las revistas modernas , esas biblias del indie que nos llegan de otros paises y un par de Cataluña, los aclaman como los mas grandes del momento. Esas mismas revistas que en no mucho tiempo y dado que el ascenso de AF es imparable, los bajaran del pedestal a gorrazos por que se han convertido en una banda de masas y entonces ya no quedan por encima de nadie hablando de ellos. Aqui no caeremos en eso, esperemos que vosotros tampoco, primero porque AF no son los mas grandes y segundo porque si venden muchos discos y llenan estadios nos parece genial mientras sigan sacando buenos discos como este The Suburbs.
Al grano, Funeral es su mejor disco, epico, intenso, lleno de piruetas ritmicas y con muy buenas canciones (tantas que incluso olvidamos su excesivo parecido a David Bowie). Neon Bible era un disco notable bajaron algo las revoluciones siguieron con la epica, le dieron un toque oscuro y tuvieron un hit No Cars Go (como me recuerda a Prefab Sprout), cambiaron y lo siguieron haciendo bien. Y The Suburbs tambien es un disco notable en el que vuelven a cambiar y vuelve a salirles bien.
Lo mejor del disco es que prueban con nuevos caminos y no lo hacen en una sola dirección como suele ser habitual sino que prueban en direcciones muy diferentes. Por un lado abren vias con el rock, mas guitarrero en Month of May, mas clásico en Wasted Hours y The Suburbs, mas sucio en Empty Room , toques a Springsteen en City with no Children y Suburban War y momentos en los que Win Butler rinde tributo al más grande entre los grandes su compatriota Neil Young con esa voz en The Suburbs y ese estribillo de Wasted Hours. Por otro lado caminan hacia la electronica, ligera en el final de Ready to Start, más rotunda y protagonista en Half Light II y ochentera en Sprawl II. Además y aunque no abundan tanto 16 temas dan para mucho y tambien encontramos las canciones epicas con in crescendo incluido que tanto disfrutamos en sus dos primeros discos en las exelentes Ready To Start, Suburban War y We Used to Wait.Repito es lo mejor del disco, te encuentras con temas de muy diferentes estilos y la mayoria estan muy bien resueltos, todo dentro de un trabajo conceptual (solo en la tematica de las letras) sobre la vida en el extraradio de las ciudades americanas (ojo la palabra suburbs nos puede llevar a confusion aqui) el deseo de conocer la gran ciudad, la vida moderna y la decepción que esta supone.
No puedo terminar sin comentar algo que me tiene atónito. Ya paso el año pasado con la canción Stillness is the Move de Dirty Projectors que tanto la prensa moderna antes nombrada como la más comercial unian fuerzas para destacar ese tema como una de las canciones del año. Por lo que leo este año va camino de pasar lo mismo con Sprawl II la penúltima canción the The Suburbs. Necesito decirlo Stillness is the Move es una canción cualquiera de Nelly Furtado, la peor de Bitte Orca y si todo ese tabajo de Dirty Projectors fuera como esa canción solo lo comprarían fans de Nelly o Beyonce. Pues bien Sprawl II es una cancion cualquiera de Blondie y si todo el disco fuera asi los Modern Man de nuestras revistas indies estarían destrozando el disco, pero incomprensiblemente la elegirán tema del año.

CRÍTICA - A FESTA DOS MUNDOS - A CORUÑA

2010-08-10T12:40:00.000+02:00

PUNTUACIÓN (sobre 10) - 3,0

Esta va a ser una crítica bien corta de un concierto porque, no fue un concierto. Demasiados parones, demasiadas entradas y salidas de artistas y lo peor un escaso nivel musical para lo que prometía el cartel. Lo único realmente destacable musicalmente hablando fue la asombrosa Rokia Traore, con ella en el escanario se vivieron momentos con esa magia que a todos nos gusta en un concierto. El resto tuvo de eso poco o nada, algunos se esforzaron mas que otros y otros se esforzaron tanto que demostraron que musicalmente no son nada , como la insoportable Amparanoia, o el sobrevaloradísimo Damon Albarn.
El espectaculo se quedo para mi en una zona media que ni fue un concierto al uso, ni una especie de jam estilo Allman Brothers con musica africana que era lo que yo me esperaba, algo con mucha más improvisación y sobre todo demostracion de talento musical.
De la prensa amiga del Xacobeo vanagloriando este bluff y afirmando que en Santa Cristina hubo 45.000 personas mejor no decir nada. Por cierto en mucha de esa prensa destacan la actuacion de la china Sa Ding Ding , lo siento no pude verla.

CONTINUACION DE - MTV GALICIA 2010.¿PELIGRO EN EL MONTE DEL GOZO?

2010-08-05T18:25:00.000+02:00

Como continuacion o añadido a la entrada del dia 28 de Julio, hoy me gustaria comentar un par de asuntos. El primero es que la salida del ultimo trabajo de Arcade Fire esta siendo lo mas esperado del año en el mundillo musical y aún sin haber oído el album completo creo que el estilo mas sencillo y menos épico de las canciones que he podido escuchar puede hacerles llegar a un publico mas amplio.Por otro lado la web de La Voz de Galicia , que es la que siempre nos adelanta los grupos que vendran al Xacobeo acertadamente, publica hoy que la Mtv tiene avanzadas las negociaciones con EDITORS para que toquen en el Mtv Galicia.
Estos dos echos no hacen más que confirmar que el 5 de Septiembre en el Monte del Gozo se va a sobrepasar con creces la capacidad del aforo del recinto. En la otra entrada me preguntaba si no seria una pequeña actuación de Aracde Fire y no un concierto , pero viendo el bombo que tanto el Xacobeo como la Mtv le estan dando creo que sera un concierto dentro de un festival tipo Mtv winter, aunque sigue sin aparecer en la web oficial del grupo.
Habra mucha mucha gente, y en la web del Xacobeo no paran de recibir preguntas de gente preocupada de porque no reparten invitaciones y de como tienen pensado organizar la seguridad y solo se obtienen dos respuestas , el acceso sera libre por orden de llegada hasta completar el aforo y se tomaran las medidas de seguridad necesarias.Nada mas, y ya solo falta un mes.
En la primera entrada sobre este tema nos hacíamos preguntas y nos las seguimos haciendo.¿Como van a controlar cuando esta completo el aforo? ¿Como van a evitar las avalanchas que siempre se forman en las entradas del Monte del Gozo?¿Como van a saber quien a llegado antes, si el 2.000 de la puerta uno ó el 3.000 de la puerta dos?
Uno ya es muy experto en conciertos y festivales en este recinto, he perdido la cuenta de a cuantos he ido, pero la mayoria los recuerdo con graves fallos de seguridad, con poco control en las puertas, con gente colandose con mucha facilidad, con aglomeraciones en los accesos internos a la zona del escenario ... y el grave peligro del concierto de Bruce. Deberían haber aprendido pero llega este festival que tiene un nivel de riesgo muy alto porque es gratuito y ademas e insisto va a llevar mucha mas gente de la que cabe en el recinto y parece que en vez de extremar de una vez por todas la seguridad van a repetir los errores del pasado. A ver si me equivoco.

CRÍTICA : MICAH P. HINSON AND THE PIONEER SABOTEURS

2010-08-02T19:18:00.001+02:00

PUNTUACIÓN (sobre 10) - 6,8

Esperaba el nuevo disco del cantautor de Memphis con mucha impaciencia. Desde la decepción que supuso su tercer trabajo (And the red orchestra) tenía dudas de si volvería a grabar joyas como sus dos primeros álbumes. En ellos conseguía dar su toque personal a un monton de influencias clasicas del folk rock americano, combinando los temas acústicos de gran belleza propios del genero, con temas que te sacudian el cuerpo con una extraña mezcla de desesperación ,furia y preciosismo. (And the red orchestra) era un conjunto de canciones monótono en el que no habia nada de esto último y los temas acusticos no pasaban de correctos.Me temía una carrera de cantautor correcto con un monton de discos parecidos hechos con el piloto automático. No va a ser así.
(And the pioneer saboteurs) no esta al nivel de sus dos primeros trabajos, pero a diferencia de su tercero no es por falta sino por exceso. Como queriendo redimirse de la excesiva sencillez de su anterior albúm Hinson alarga sus temas les da varias vueltas de tuerca a los ritmos enrevesandolos y multiplica los arreglos y la instrumentación. Esto resulta sobrecargante en algunos temas , pero en otros consigue dar con el punto justo y hacernos vibrar, "Watchers tell us of the night" me ha recordado la primera vez que oí "You´re only lonely", y la bellísima "Seven horses seen" es uno de los temas del año.
En definitiva un disco que nos demuestra que el hecho de haber dejado atras sus problemas vitales y estar atravesando un buen momento personal, no impide que el americano consiga sobrecogernos con su voz rota y nos da esperanza de que con un poco mas de tino en los arreglos y en la producción volvera a darnos mas obras geniales en el futuro.

MTV GALICIA 2010.¿PELIGRO EN EL MONTE DEL GOZO?

2010-07-28T17:14:00.000+02:00

La idea no es hablar de conciertos antes de que se produzcan pero la preocupacion conlleva esta excepción. Anuncia el Xacobeo 2010 la entrada gratuita a este festival hasta completar aforo, y tanto los que vivimos en directo las escenas de pánico en el concierto de Bruce Springsteen del año pasado como, imagino, tambien los que las vieron por tv andamos un poco preocupados.
En el recinto del Monte del Gozo, es a mi entender totalmente imposible controlar el aforo de manera que no creo exista forma humana de saber cuando hay que parar de dejar entrar gente, sobre todo teniendo en cuenta y hablo de memoria que el recinto tiene cinco entradas diferentes.¿Quien o quienes seran los "ojos de lince" responsables de calcular que alli dentro ya hay 30.000 personas?. Y el mas dificil todavia como siempre se abriran los accesos al mismo tiempo y todo dependera de la velocidad con que se vaya entrando segun que puerta, el numero 3000 de la puerta dos puede haber llegado mucho antes que el 2000 de la puerta tres.Esta injusticia solo podria solucionarse si hubiera una entrada unica algo que no se ha hecho jamas en el Monte del Gozo y que daría aún mas facilidades a los que se cuelan siempre en este recinto.
Parece claro que desde el Xacobeo, a pesar de lo que dicen, no creen que este evento pueda completar el aforo, porque si en serio lo piensan no se entiende una irresponsabilidad tan grande sabiendo que hasta el día de hoy nadie ha sido capaz de controlar el acceso a los conciertos en el Monte del Gozo. Pero el problema es que Arcade Fire esta de moda, presenta nuevo disco y sera su primer concierto en la península, añadamos que el concierto es gratuito y ya se ha liado parda.
Resulta sorprendente el pasotismo del Xacobeo ante un concierto para el que falta poco mas de un més, y resulta mas raro aún teniendo en cuenta que no hace ni un año del concierto de Bruce, y por eso me hago dos preguntas :
- ¿Le resultara al Xacobeo tan costoso imprimir unas invitaciones y despues repartirlas como si fueran entradas haciendo que la gente las retirara en puntos de venta habituales?
- ¿O el hecho de que este concierto no aparezca en la web de Arcade Fire y los posteriores en España y Portugal si esten, puede llevarnos a pensar que la participacion del grupo no sera mas que una pequeña actuacion en un programa televisado de la Mtv, y el Xacobeo lo sabe y sabe tambien que eso si que no arrastrara 30.000 fans a Santiago?

CRÍTICA : JÓNSI - GO

2010-07-28T16:48:00.000+02:00

PUNTUACIÓN (sobre 10) - 7,0

Es difícil valorar el disco del cantante de uno de tus grupos favoritos. No sabes si esperar lo mismo o algo muy diferente a lo que hace con su banda. Jónsi debuta en solitario ( en el 2009 publicó un LP de musica ambient con su pareja) con un trabajo que sigue el camino de la primera parte del ultimo disco de Sigur Rós, mas optimista y ritmico que ninguno de los anteriores discos de la banda. El post-rock no aparece practicamente nada. El pop es el protagonista, un pop de instrumentación densa con toques electrónicos y unos arreglos magníficos. El disco no esta a la altura de ninguno de los de Sigur Rós, peca de repetitivo en algunos ritmos y carece de los geniales pasajes instrumentales que bordan los islandeses, pero tiene momentos muy lúcidos como el single "Go do", la alegre "Boy lilikoi" o la mejor del lote, la intensa "Kolnidur". Ademas mejora con cada escucha. Lo mejor es la sensacion de optimismo que te deja. Y para terminar reconocer que seguramente si este fuera el trabajo de un debutante y no el disco del cantante de Sigur Rós, al final del año lo incluiriamos en nuestras listas de lo mejor del 2010

DISCONCIERTO : CRITICAS DE DISCOS Y CONCIERTOS

2010-07-28T13:54:00.000+02:00

Esta es la primera entrada, solo es una presentacion del blog, vamos a intentar hacer un blog divertido sobre discos de casi todos los estilos y los conciertos de los grupos que publican esos discos. Esperemos que le sirva a alguien.