CRÍTICA : MANEL - 10 MILLES PER VEURE UNA BONA ARMADURA

PUNTUACIÓN (sobre 10) - 7,4

Manel ha sido hace poco número uno de ventas en España. Con este su segundo esfuerzo han conseguido un hito complicado para un grupo que canta en catalán. Porque si bien las grandes ventas que consiguieron con su primer largo "Els Millors Professors Europeus" y la notoriedad que alcanzaron con sus directos, hacían suponer una buena acogida, esta ha sido mucho mejor que buena y demuestra no solo que arrasan en Cataluña, sino que su música empieza a escucharse por toda España. Grandes ideas pues el incorporar a su web la traducción al castellano de sus maravillosas letras, para que los que no tenemos ni idea de catalán, dejemos de usar el traductor de google, y el comienzo de una gira que los llevará por diferentes ciudades fuera de su comunidad, para que todos podamos comprobar si sus directos son tan mágicos como nos cuentan. A pesar de la barrera inicial del idioma, sin duda su música merece un esfuerzo. Las loas de la prensa musical catalana a los grupos de su comunidad a veces nos hacen desconfiar, pero este no es el caso.
Son Manel una banda que se mueve en un estilo pop-folk amable con cierta querencia a algunos cantautores catalanes como Jaume Sisa. Resulta fácil equipararlos con otros combos actuales y sobre todo a Beirut, pues comparten con los de Zach Condon el estilo pop-folk y la preciosista instrumentación que incluye gran variedad de sonidos con ukeleles, banjos, acordeones, teclados, pianos ... Tambien los arreglos son cuidados en Manel lo que les ha traído comparaciones con Sufjan Stevens aunque lo logrado por este en Illinois, es algo que a Manel y a practicamente todo el mundo, les queda muy lejos. Su punto mas inmediato y alegre, ese que tan buen resultado les dio en su debut, los emparenta con el aire desenfadado de Herman Dune, algo que en su nuevo álbum esta menos presente y ha dejado paso a un ligero acercamiento a esos grupos de pop-rock épico con tono dulce que tanto coparon la música británica tras el brit pop y el éxito de OK Computer.
Sin duda hay cambios con respecto a su primer disco, nada exagerado, pero han optado aquí por una producción aún más cuidada y por una rebaja de los temas festivos para tramar un álbum más sesudo. Los mejores temas son los que de nuevo los emparejan con Beirut, en este caso con el de The Flying Club Cup. Son, la inicial "Benvolgut" carta a un ex de la actual pareja, una muestra todas sus virtudes que no decaen en "La Cançó Del Soldadet" triste historia del soldadito que va a la guerra de conmovedora parte final, el recuerdo infantil de "Boomerang" y el fantástico cuento fantástico de amor que es "Aniversari".Los temas en que se acercan al pop británico de tintes épicos destacan menos, aunque van ganando con las escuchas, "El Gran Salt" con un punteo acústico que muchas veces hemos oído en Travis, "La Bola De Cristall" con suaves acústicas y dulces voces que recuerdan a grupos como Turin Brakes o esa batería marcando ritmo con piano de fondo y el pegadizo "que yo creia en tu" de "Flor Groga" a la que Snow Patrol añadirían una guitarra eléctrica comercial para volver a firmar un hit, que ocupara momentos álgidos de alguna serie televisiva de moda. A algunos les desagradará esta nueva sonoridad, incluso los medios más afines al grupo no la verán por ningún lado, pero lo cierto es que las bandas nombradas estarían encantadas de haber firmado estas canciones. La parte final del disco es la que más recuerda al primer álbum, desde la declaración de amor eterno que encontramos en"Criticarem Les Noves Modes de Pentinats", pasando por el tema en el que recuperan el tono alegre e inmediato que es "El Miguel I L'Olga Tornen" sin alcanzar el nivel de los temas de mismo corte de su debut, hasta la final "Deixa-la Toni, Deixa-la" de aires marineros, que también sale perdiendo en la comparación con "Corrandes De La Parella Estable" que cerraba Els Millors Professors Europeus.
Para terminar, hay quien los crítica por ser demasiado perfectos, excesivamente correctos, algo impostados vamos. Cierto es que si eres de los que disfruta del rock guitarrero y de la música más desnuda, poco disfrutarás de ellos, pero no menos cierto es que en lo suyo rayan a gran altura, sobre todo si además de escucharlos nos preocupamos de entender sus cuidados textos. Importante para los que los descubran ahora, el primer disco era aún mejor que este.

CRÍTICA : THE STROKES - ANGLES

PUNTUACIÓN (sobre 10) - 5,6

Cinco años después ya esta aquí su esperadísimo cuarto largo y al igual que sucediera semanas atrás con lo último de Radiohead, una pequeña revolución se ha desatado entre prensa y fans. Cientos de críticas aceleradas, la mayoría negativas y confrontación entre los que lo consideran un mal disco y los más adeptos que acusan de que se crítica por que son The Strokes y nada más. Es lo que tiene ser un grupo que, pese a quien le pese y sin inventar nada, revolucionó el universo musical hace ya diez años con la publicación de "Is This It". Que sí, que en aquello influyó mucho la incipiente prensa musical busca hypes del momento, lo bien que cuajó la imagen de los chicos y la necesidad que había de un regreso al rock en aquel momento pero todo eso da igual, aquel era un disco sobresaliente, repito pese a quien pese. Su segundo "Room On Fire" los confirmó como unos magníficos creadores de hits de aires retro, de menor calidad que su debut pero un trabajo notable que los mantuvo en lo más alto. Fue en "First Impressions Of Earth" cuando las primeras dudas llegaron, sobre todo dentro del propio grupo. Quiza todo lo que significaron fue demasiado para ellos.
Leyendo todos los problemas que han tenido durante la grabación del álbum (mal ambiente y tensión entre los miembros, Casablancas mandando las voces por mail, Albert Hammond con problemas de drogas ... ), uno mantiene esa impresión y escuchándolo nos deja la de que The Strokes no son ahora un grupo propiamente dicho. Por que si echamos un vistazo a todas esas críticas que circulan, pocas encontraremos que no coincidan en una cosa, este es un trabajo totalmente disperso que deja una clara sensación de que cada miembro ha aportado sus canciones de manera practicamente individual. Porque ahora en The Strokes todos los miembros aportan en la creación de los temas después de iniciar sus carreras en solitario (las únicas algo meritorias los discos de Albert Hammon Jr. y el del grupo del batería Fabrizio Moretti, Little Joy) durante estos cinco años. Y lo hacen agregando cada uno unos gustos bien diferentes. Esta dispersión es uno de los grandes defectos del disco, el otro el excesivo mimetismo a ciertos estilos y grupos en algunas de las piezas además de fallar claramente en alguna de ellas.
Considerando este un álbum de temas sueltos, nos centramos en ellos empezando por los mejores, que son los que recuerdan a sus primeros trabajos. La más destacada es sin duda el single "Under Cover Of Darkness" una canción directa y efectiva con guitarras irresistibles y que al igual que ocurría con "You Only Live Once" en su tercer álbum nos muestra que todavía son capaces de crear los hits que los encumbraron. Dos temas más de la primera muestran la misma capacidad, aunque en principio recuerdan algo al disco en solitario de Julian Casablancas ambas al llegar los estribillos se disparan y se muestran adictivas y de nuevo con estupendas guitarras, son la inicial "Machu Picchu" y sobre todo "Taken For A Fool". Dentro también de la primera mitad encontramos "Two Kind Of Happiness" un tema dual, donde las estrofas se muestran como una imitación sonrojante de The Cars y de la forma de cantar de Rick Ocasek y con un estribillo que cambia con unas guitarras de aire metalero que forman un batiburrillo sonoro que la verdad acaba agradando. "You´re So Right" es un tema electrónico, oscuro al estilo de These New Puritans con un fraseo al principio que recuerda a Radiohead y que no funciona siendo lo peor de una primera parte bastante buena, de echo si la segunda fuera igual estaríamos hablando de un disco notable. Pero en la segunda mitad es donde se muestran más difusos, empezando por "Games" un facilón tema pop electrónico con estribillo a lo Pet Shop Boys que mejora algo en su parte final cuando entran las guitarras y Casablancas se suelta un poco. Después "Call Me Back" es una balada desnuda que empieza con un ligero toque brasileño pero falla según avanza y se convierte en algo indescifrable. De sorprendente (y a estas alturas del disco ya era difícil) podemos calificar su acercamiento al lado glitter del glam en "Gratisfaction" que además recuerda al "The Boys Are Back In Town" de Thin Lizzy, un tema que puede que se convierta en un himno en sus conciertos si lo interpretan en plan fiesta. De sonrojante de nuevo podemos calificar su imitación de las operetas grandilocuentes de Muse que es "Metabolism" donde Casablancas se confunde a veces con el propio Matt Bellamy (ya puestos podían haber imitado los temas más directos de los primeros trabajos de los británicos). Rematan con "Life Is Simple In The Moonlight", un tema ochentero con una guitarra muy a lo Television, lo mas salvable de un tema que no llega a conseguir explotar del todo.
En definitiva, y dentro de lo malo, este no es un buen disco, le falta cohesión, que Casablancas y Hammond tomen de nuevo el mando, que aclaren sus influencias y que entiendan que es lo que hacen mejor, que para evolucionar no es necesario cambiar de estilo y que es difícil sacar grandes trabajos si como parece no tienes muchas ganas de volver a reunirte con la banda. Pero por el otro lado, no se cuantas veces he escuchado los tres temas que me recuerdan lo que disfrute con ellos en sus inicios, y no me canso, y de echo me crezco pensando en oírselos en directo este verano en medio de sus clásicos, así que si esto sirve para que vuelvan a comportarse como un grupo publicando discos y haciendo gira regulares, pues estupendo porque han vuelto a demostrar, aunque con cuentagotas, la facilidad que tienen para crear hits irresistibles dentro del estilo que mejor se les da.

CRÍTICA : KURT VILE - SMOKE RING FOR MY HALO

PUNTUACIÓN (sobre 10) - 7,6

Cuarto trabajo en solitario de este joven guitarrista de Filadelfia, a lo que hay que sumar algún Ep más el álbum de debut de su banda (aunque ahora esta apartado de ella, para seguir con su carrera solista) The War On Drugs, un lujo de música folk rock de influencias Dylanianas. Mucho publicado si tenemos en cuenta que empezó en el 2008, incluso aunque en el disco de The War On Drugs, el peso lo llevase su compañero Adam Granduciel, que en este trabajo aparece como músico y compone un tema junto a Vile. Mucho y bueno. Es por eso que entre la prensa especializada y los fans de la música indie, su nombre empieza a sonar sin parar y no son pocos los que se preguntan si estamos ante un nuevo gran genio a tener muy en cuenta para los próximos años.
Para definir musicalmente a Kurt Vile, la mayoría han recurrido a nombres clásicos del rock. Los más repetidos, Bruce Springsteen Tom Petty, Neil Young y Bob Dylan. Aunque algo hay, cualquier fan de estos artistas o de los que aún citaremos, que pretenda encontrar aquí algo similar a ellos, se llevara una decepción. Otros nombran a Jef Fahey (por su estilo a la hora de tocar las guitarras acústicas) y a Lou Reed y la Velvet Underground, sobre todo por canciones como las finales de este Smoke Ring For My Halo. En realidad Kurt Vile tiene un estilo que trata de revisionar el folk y el rock clásico, y en eso entran muchas influencias, desde todas las nombradas anteriomente a otras muchas que pueden ir desde otros clásicos como John Mellencamp y los Derek and The Dominos o Rory Gallagher más rockeros y menos blues, hasta grupos de finales de los ochenta claramente influenciados por la Velvet como Spacemen 3 o Galaxie 500, y seguro que es un gran fan de Elliott Smith. Todas estas influencias las amasa para acabar consiguiendo un estilo propio bastante genuino, en el que aunque están claras nunca son demasiado evidentes.
Desde su primer disco Constant Hitmaker, la evolución de su sonido ha sido pequeña pero constante. Y es en este álbum, segundo para Matador donde la progresión ha sido más clara. Sin duda el mayor paso esta en la producción del álbum, a cargo de John Agnello (The Hold Steady, Sonic Youth, Dinosaur Jr.) quien a pesar de lo que podríamos pensar por las referencias, ha ayudado a que el sonido del álbum sea mucho mas suave y ensoñador que los anteriores trabajos de Vile. El de Filadelfia va perdiendo el espíritu lo-fi, pero ha ganado en homogeneidad, ha perdido aquellos arrebatos de los anteriores discos, pero ha conseguido un ritmo que permite escuchar el disco como un todo, haciendo que la escucha se pase volando, ha perdido algunos temas de aire más experimental pero ha logrado un disco más amable para el publico. Ojo, a pesar de esto no es Smoke Ring For My Halo un trabajo para todos , no hay estribillos fáciles y necesita de escuchas para ir atrapándonos con sus logradas melodías.
Lo último a destacar, hablando de las melodías, son las magníficas guitarras que pueblan todo el álbum, protagonistas absolutas de su carrera, Kurt Vile se muestra magnífico tanto como compositor como de ejecutor. Consigue ritmos y melodías perfectas, con las acústicas de más folk como en las rítmicas "Baby´s Arms" y "Runner Ups", en las más pausadas "On Tour" y "Smoking Ring For My Halo" o en el maravilloso punteo de "Peeping Tomboy". Y también con las eléctricas, en los temas más rock como en los solos de "In My Time" o "Puppet to the man", esta con aires blues, y en la rítmica de "Society Is My Friend". Destacar dos canciones por encima de todas, "Jesus Fever" con una melodía alucinante mezcla de punteado de acústica con rítmica eléctrica y "Ghost Town" una estupenda revisión de la Velvet Underground por un tipo que piensa en folk sin olvidar el sonido de los grupos alternativos de la segunda mitad de los ochenta.
Es este sin duda su mejor trabajo hasta la fecha, quizás la mayor parte de sus fans encontraran su tema favorito en los discos anteriores, pero este es el más completo. Pero creo que todos los que lo escuchamos tenemos la impresión de que aún no ha alcanzado su máximo y su disco definitivo no ha llegado todavía, pero le falta poco.

CRÍTICA : R.E.M. - COLLAPSE INTO NOW

PUNTUACIÓN - 7,0

Hace tres años los de Athens sorprendieron agradablemente con Accelerate, un trabajo que haciendo honor a su titulo, nos mostraba a unos R.E.M. rápidos, directos y guitarreros, recuperando buenos tiempos pasados y cerrando de un plumazo una etapa en la que habían tocado fondo y que nos llego a hacer pensar en el peor futuro para ellos. Como perros viejos que son, y para aprovechar la buena acogida que logró de crítica y público, no faltan en este nuevo disco canciones que perfectamente podrían estar incluidas en su anterior largo. Pero no es Collapse Into Now una continuación de Accelerate. Ahora la idea de recuperar sonidos del pasado, se hace más extensa y además de los temas guitarreros, nos encontramos con temas más variados que nos retrotraen a la época de más éxito comercial del grupo,y en especial a Out Of Time y Automatic for the People.
Los temas más guitarreros e inmediatos, los que más nos hacen recordar Accelerate se distribuyen a lo largo de todo el disco. Desde la contundente "All The Best", pasando por la pegadiza "Mine Smell Like Honey" con su estribillo trufado de voces que recuerda alguno de sus mayores hits y la directa "Alligator_Aviator_Autopilot_Antimatter" con Peaches en las voces que nos traerá a la mente los temas más guitarreros de sus primeros discos, hasta llegar a los menos de dos minutos de "That Someone Is You" una fantástica perla de aires power pop que esta entre lo más logrado del álbum. También podríamos incluir en este grupo la inicial "Discover" aunque tiene un aire de AOR duro que se distancia de la inmediatez y frescura que destilan el resto de canciones guitarreras del disco. Todas podrían pertenecer a Accelerate aunque no superan la calidad de los temas de aquel, quizá sea porque durante la escucha del disco me he preguntado varias veces si el bueno de Mike Mills estaba de vacaciones, se echa mucho de menos, sobre todo en estos temas, un bajo mucho más presente y contundente.
En el otro grupo de temas, los menos urgentes nos encontramos los cuatro consecutivos de la primera mitad del álbum, canciones que claramente recuperan el sonido de por un lado Out Of Time, incluidos los juegos de voces y la mandolina de Peter Buck en las estupendas "Oh My Heart" y "It Happened Today" aquí con la colaboración casi irreconocible de Eddie Vedder y Joel Gibb líder de The Hidden Cameras, y por otro lado las que regresan a las guitarras acústicas y los pianos de Automatic For The People, las menos logradas "ÜBerlin" y "Everyday Day Is Yours To Win". Ya en la segunda mitad aparecen un par de baladas que siguen el mismo camino, como la fantástica "Walk It Back", con un genial piano y una no menos genial voz de Michael Stipe y la acústica "Me, Marlon Brando, Marlon Brando And I", para rematar el disco con "Blue" de nuevo en colaboración con la enorme Patti Smith, muy en el estilo de "E-bow The Letter" de New Adventures On Hi-Fi aunque aquí con Stipe recitando la letra.
La verdad, le ha sentado bien a R.E.M. esta vuelta a sonidos del pasado que han llevado a cabo en sus dos últimos largos. Tan bien que uno se hace ilusiones y se regodea pensando en que Peter Buck habra tomado nota de lo bien que han quedado sus colaboraciones en el último trabajo de The Decemberists, y convencerá a sus compañeros de que su próximo esfuerzo debe ser recuperar el sonido de sus maravillosos cinco primeros discos. Sería el paso lógico. Ojalá.

CRÍTICA : P.J. HARVEY - LET ENGLAND SHAKE

PUNTUACIÓN (sobre 10) - 8,0

Tengo que confesar que no tenía grandes expectativas con el último álbum de P.J. Harvey. A pesar de que sus últimos trabajos me parecen notables discos, desde Stories From The City, Stories From The Sea (imprescindible, a pesar de que algunos no lo soporten), no tenía esa sensación entre asombrado y maravillado que me provocaron sus primeros discos. Quizá sea porque tanto en su anterior trabajo con John Parish como en Uh Huh Her encontrábamos una Polly Jean a la que ya conocíamos pero un peldaño por debajo de sus mejores obras, o porque White Chalk no conseguía todo lo que pretendía provocar, lo cierto es que no pensaba que este Let England Shake fuera a sorprenderme una vez más. Pero lo ha hecho, y lo consigue porque como otras muchas veces, vuelve a mudar de piel, sin dejar de ser ella misma. Se reinventa sin cambiar, como solo ella sabe hacerlo.
Se nos vendió este trabajo como un disco político, y eso nos hace comenzar hablando de las letras, a pesar de que los mayores logros que encontramos en este disco están en lo musical. Aclaremos que no nos encontramos textos estilo Woody Guthrie, pero si hay un evidente ataque al los males políticos que acechan en el mundo y concretamente en su país. Y a pesar de que no aparecen sus desgarradoras diatribas sobre las penurias del ser humano, no pierde fuerza al mostrarnos como hilo conductor los horrores de la guerra con su habitual contundencia.
Let England Shake es un disco que crece a partir de la voz, más aguda y a la vez dulce y suave que nunca, y de una instrumentación densa en la que todo suena equilibrado. No hay en este disco guitarras desgarradoras ni toques electrónicos furiosos. Todos los instrumentos se conjugan de una manera perfecta, llegando en diversos momentos a sonar casi ambientales, con un aire de indie rock moderno y actual . Y todo esto sin perder fuerza, pues durante el devenir del disco esa furia interna, casi bélica que siempre ha tenido la británica va aflorando bien en un quejido agudo de su voz, bien en un toque de corneta militar, bien en unos coros masculinos que atronan un estribillo, bien en una guitarra que parece querer estallar y no puede ... Los fans de su vertiente más fiera, los que se sintieron decepcionados con White Chalk, no deberían renunciar de antemano a este nuevo trabajo, pues a pesar de la instrumentación más limpia, el ritmo del álbum es intenso y el calado emocional profundo, contando con unos cuantos temas que podrían encajar en cualquiera de sus discos clásicos.
Desde el logrado sonido del disco la artista roza diversos estilos, algunos comunes en su carrera otros totalmente novedosos, todos se adaptan perfectamente en el entramado del disco, por diversos que sean. Desde el pop de "Let England Shake", al toque gaélico celta de la sorprendente "On Battleship Hill", pasando por el folk en "England", haciendo de ella misma en las magníficas "The Last Living Rose", "In The Dark Places" y "Bitter Branches" hasta con los aires World Music de "Writen In The Forehead", todo suena bien conjuntado y es difícil escoger favoritas entre los doce temas que componen el álbum.
Polly Jean no volveré a dudar, ojala todos maduraran como tú.

CRÍTICA : NACHO VEGAS - LA ZONA SUCIA

PUNTUACIÓN (sobre 10) - 7,4

El último trabajo de Nacho Vegas ha creado cierta división entre sus fans y ha recibido ciertas reseñas bastante perdidas que hablan de mainstream o incluso de ¡¡canción ligera!!. Cierto es, que este La Zona Sucia, presenta un sonido mas limpio y luminoso que sus antecesores (siguiendo un camino empezado tiempo atrás y que ya se apreciaba en varios temas de su anterior Manifiesto Desastre), donde cada vez se impone más el fantástico piano de Abraham Boba, perdiendo protagonismo las guitarras. Tampoco se puede negar que nos encontramos aquí un conjunto de canciones más directas que nunca, con una contención en el minutaje desconocida hasta ahora, además de unas letras que se muestran en algunos temas un punto más optimistas que de costumbre (un punto, no exageremos). Y queda claro que Nacho Vegas deja atrás, definitivamente, ese aura de malditismo que el mismo se había creado. A algunos fans estos cambios les parecen excesivos, quizás asustados por la sorprendente entrada del disco en los puestos de honor en las listas de ventas (curioso que lo consiga ahora que se ha lanzado a la autoedición con Marxophone). Pero tan cierto como todo lo anterior, es que aquí de mainstream nada de nada, y que la mitad de los temas del álbum continúan con la temática y el sonido clásico en el asturiano.
Empezando por esos temas que siguen la senda clásica, abre el disco "Cuando Te Canses De Mi" que nos trae al Vegas que más nos recuerda a cantautores clásicos, como en sus primeros discos, aunque es cierto que no consigue emocionar como otras. Acto seguido "La Gran Broma Final" nos muestra al asturiano, en una de esas canciones de destripe de una relación terminada (sí habla de ella, para que negarlo), que siempre borda y que se convierte en uno de los mejores momentos del disco, nuevo clásico en sus directos sin duda."Incendios" es otro tema de cantautor de aires clásicos, más logrado que el inicial. Ya en la segunda mitad del álbum nos encontramos "La Comedia Humana" tema de corte épico que recuerda mucho al sonido de Desaparezca Aquí ,aunque guiado ahora por un magnifico piano, otro de los momentos álgidos del disco.Cierra el álbum "El Mercado De Sonora" canción confusa y axfisiante con la que parece querer dar un guantazo de antemano a los que hablarían de disco mas comercial.
De entre la parte del álbum, donde destacan más los cambios, podemos empezar por "Taberneros", aunque esta podría formar parte del otro grupo, pues es una canción muy Nacho Vegas, incluso es la más larga del disco, pero es una canción de desamor con una letra mucho más ligera de lo habitual y el coro femenino le da un toque nuevo. De coros, aunque de niños, hay que hablar también en "Perplejidad" y "Lo Que Comen Las Brujas", la primera es un tema con estribillo pegadizo, puede que lo más pop que halla escrito nunca. La segunda, contiene una de las mejores letras del álbum, además de una parada con palmas y un coro de esos pegajosos que no te sacas de la cabeza (por ahí se habla del himno del Sevilla por las similitudes del coro, pero a la que realmente se parece y mucho con el coro y la parada con palmas es a "My Body Is A Zombie For You" del recomendable debut de Dead Man´s Bones). "Cosas Que No Hay Que Contar" es otro de tema de aires pop con una marcada melodía de piano que guía el estribillo. Y quizás la canción más luminosa del álbum sea "Reloj Sin Manecillas" con su dulce estribillo y su precioso entrelazado de guitarra y piano.
Es en definitiva y para terminar, La Zona Sucia un disco superior en conjunto a su anterior trabajo (que contenía algunos temas magníficos pero pinchaba en otros y se hacía algo monótono en su parte central), aunque no llegue a alcanzar el nivel sobresaliente de sus primeros discos. Un disco en el que continua evolucionando, para descontento de algunos (que quizá le afearían el repetir siempre los mismos discos, y que puede que no tengan tantos reparos en las evoluciones de grupos de fuera), y en el que se sigue echando de menos algo del espíritu rockero que sí había en Desaparezca Aquí, pero que lo confirma como uno de los lideres indiscutibles del indie patrio, con una discografía cada día más envidiable.