CRÍTICA : GIRLS - FATHER, SON, HOLY GHOST

PUNTUACIÓN (sobre 10) - 8,5

Creo sinceramente que aunque su estreno en 2.009 con Album, pudo recordar en algo a un hype de esos que tanto abundan en las revistas y sitios más cools de aquí y de allá, sobre todo por pelotazos como la irresistible "Lust For Life" o la arrolladora "Morning Light", aquel debut nos mostraba bien a las claras que Girls eran algo diferente, un dúo (ahora se acompañan de tres músicos más) repleto de influencias clásicas, excelentemente actualizadas por las composiciones del líder Christopher Owens y por la instrumentación de Chet "JR" White. Todo se corroboró con la edición de su Broken Dreams Ep el pasado año y ahora con este Father, Son, Holy Ghost , se confirman como uno de los grupos de más talento del momento. Y lo hacen, como no, de una manera diferente a como muchos los esperaban, porque aunque los tres primeros temas puedan engañar, este es un álbum de baladas y medios tiempos, con innumerables influencias de pop y rock clásico de los 50, 60, 70 y algo más, con unas letras aun más desgarradoras que en sus anteriores entregas, llenas de desilusiones, remordimientos, vacíos existenciales ... no sabemos si tiene que ver, pero puede que la muy comentada infancia de Owens en la secta Childrens Of God, que lo hizo permanecer años aislado del mundo exterior, marque muchas de ellas, sobre todo en las que tratan sobre la relación con su madre.
No es sencillo hablar de todos los referentes que recorren el disco, seguro que nos dejaremos muchos en el tintero, porque la riqueza musical es densa, haciendo que durante todo el minutaje tengamos la sensación de escuchar algo familiar y que cada vez descubramos algo nuevo, conservando, eso sí, lo que ya nos ofrecieron antes como esa cercanía a Elvis Costello y su manera de rememorar a los más clásicos del pop y el rock. El inicio del cd es la parte más rítmica, empezando con "Honey Bunny" tema de aires surferos con estribillo pegadizo, que hace difícil no nombrar a Brian Wilson , a continuación "Alex" nos descubre a Owens cantando como Elliott Smith en un tema de pop de guitarras del de toda la vida, dando un excelente resultado y demostrando ya la importancia que van a tener las guitarras y sus solos en este segundo largo. Cierran esta primera parte más rápida, sorprendiéndonos con "Die" tema de hard rock setentero que emparenta directamente con Deep Purple en su parte cantada y se queda a medio camino de la épica folk de alguna balada de Led Zeppelin y del punto progresivo de Uriah Heep en su instrumental segunda mitad. "Saying I Love You" cambia el ritmo y retrocede hasta los años 50, para recordarnos baladas de Buddy Holly, Roy Orbison o incluso las mas melosas de los Everly Brothers, porque Girls no se han cortado a la hora de aplicar azúcar y aún así, bajo las enseñanzas de Elvis Costello, increíblemente consiguen que el tema funcione tras la contundencia de "Die". La desgarradora "My Ma" es un baladón setentero que se acerca a George Harrison mezclado a una lenta de T. Rex, con unos preciosos teclados y coros que elevan la intensidad para introducirnos en los arrolladores mas de seis minutos del single "Vomit", que empieza con reminiscencias de Pink Floyd, continua con una parte central de pura balada rock de los setenta llena de acertadas guitarras que acaba mezclándose con un coro final que recuerda mucho al de "The Great Gig In The Sky" del Dark Side Of The Moon, para que todo unido a la desgarrada interpretación de Owens nos den uno de las canciones del año. "Just A Song" es otro tema largo, que empieza con un solo de guitarra española que descoloca para dar paso a una dulce balada acústica que a mitad de tema cambia de tercio para acercarse a los Pink Floyd de Atom From Heart Mother y posteriormente soltarnos un final que suena a los Carpenters (más azúcar) de manera clara. En "Magic" vuelven a retroceder en el tiempo con un tema que recuerda de nuevo a solistas que ya hemos nombrado, pero aquí a la manera de los Beatles más desenfadados, acertando a relajar la intensidad emotiva que en esta parte lleva el disco. En los casi ocho minutos de "Forgiveness", Owens se queda a medio camino entre John Lennon y algún cantautor acústico, para en la parte final hacer explotar el tema con un solo de guitarra memorable, que recuerda a los de algunos temas de Wilco en A Ghost Is Born. "Love Like A River" aparca directamente en los años 50 y nos trae una balada de Fats Domino remasterizada, mientras "Jamie Marie" despide el trabajo con un preciosista ritmo lento, que se acelera con la entrada de un estupendo teclado en su parte final.
Todas las influencias que hemos nombrado (y todas las que se nos han olvidado), pueden hacernos pensar en una feroz crítica de todas esas revistas y sitios que los encumbraron, pues durante años han venido destrozando grupos que se han dejado caer por el hard rock setentero, por el rock sinfónico, por el soft pop... pero de momento esta siendo todo lo contrario, y es que quizá lo que realmente sorprende de este segundo largo de Girls, es la perfección compositiva y de producción con las que se acercan a cada estilo, sin aportar nada nuevo es cierto, pero redondeando los temas de cada uno de ellos, dejando que sean nuestros gustos más cercanos a un estilo u otro, los que nos hagan elegir nuestros temas favoritos del álbum.
Podemos entender que los de San Francisco perderán algún fan con este trabajo, aquellos que apreciaban la parte más inmediata de Album, pero nosotros no podemos dejar de recomendarlo e igualar nuestra mejor nota hasta la fecha, pues este es un disco que no hace más que confirmar a Girls como un grupo único y a este 2.011 como uno de los mejores años musicales de los últimos tiempos, muy por encima del anterior y eso que aún nos queda para terminarlo (ojo que la próxima crítica tambien es de un discazo). Toda esta bonanza ha hecho que los que rodeamos disconcierto ya estemos discutiendo si este es el disco del año o es el de The War On Drugs, con alguno que aún apuesta por el de Artic Monkeys, Bon Iver o PJ Harvey ... y que felices estamos.

CRÍTICA : CYMBALS EAT GUITARS - LENSES ALIEN

PUNTUACIÓN (sobre 10) - 7,3

Los de Staten Island vuelven dos años después de sorprendernos con Why There Are Mountains?, excelente debut autoeditado para unos chicos que apenas alcanzaban los 20 años, con un segundo esfuerzo que a pesar de contar con un productor de renombre como John Agnello, continua con las mismas señas de identidad y no abandona el espíritu libre e independiente que recorría su primer trabajo. Se confirman Cymbals Eat Guitars como una alternativa ( diferente, muy válida y con enorme futuro) a los grupos que últimamente llegan triunfantes desde New York.
Musicalmente los referentes de Cymbals Eat Guitars son claros, desde el principio nos encontramos con los magníficos Built To Spill y Modest Mouse como su máxima influencia, acercándose también a mitos como Pavement, Sebadoh y en menor medida a Dinosaur Jr. cuando las guitarras se aceleran. A todo esto añade el grupo liderado por Joseph D´Agostino una manera de componer que busca siempre continuas piruetas rítmicas, con subidas, bajadas y varias canciones dentro de una misma canción, todo enrevensando las melodías y huyendo de la facilidad e inmediatez, con un puntito de psicodelia de aires setenteros. Otros hablan también de influencias como la Velvet Underground y Lou Reed o Weezer, pero eso son coyunturas diferentes, como que el nombre del grupo esta sacado de una frase de Reed describiendo el sonido de la Velvet o de que el grupo interpretará algunos temas de Weezer en sus inicios.
Todos sus referentes aparecen en este Lenses Alien desde la inicial "Rifle Eyesight (Proper Name)" tema de mas de ocho minutos y medio que comienza mostrando las guitarras de Built To Spill, después la fuerza rítmica de Modest Mouse y encuentra también espacio para enrevesarlo todo con partes instrumentales llenas d. A continuación CEG nos muestran todo su arsenal de melodías guitarreras, empezando por "Shore Points", una pequeña montaña rusa, que aunque estilísticamente tiene poco que ver, por la forma en que esta construida y cantada, recuerda los inigualables temas rápidos y teatralizados que Peter Gabriel ideó para The Lamb Lies Down On Brodway, continuando con "Keep Me Waiting" el tema más ortodoxo del álbum, quizá el único que te atrapa desde la primera escucha. "Plainclothes", y la estupendas "Definitive Darkness" y "Another Tunguska" se mantienen algo más accesibles que los dos primeros temas, rebajando el ritmo, pero sin dejar de buscarles las vueltas. La parte final del álbum comienza con "The Current" donde vuelve el ligero toque setentero que también tenía el tema inicial y "Plainclothes" llena una vez más de piruetas a medio tiempo. Los dos últimos temas recuperan la fuerza del principio del álbum, en "Secret Family" mostrándose mas duros que nunca y en "Gary Condit" donde empiezan con un ritmo lento, para acabar de nuevo con esas guitarras contundentes que tanto deben a los grupos que tienen como referencia.
Aunque reconocemos que este es un disco ligeramente inferior a su debut, y que el grupo no ha conseguido de momento un sonido personal que consiga que sus influencias no se noten tanto, hay que dejar claro se han quedado cerca de su primer trabajo y que sus esfuerzos por no sonar evidentes pronto les acercarán a un sonido más propio. Lo que nos dejan claro de nuevo es que si eres de los que gusta de aquel Indie Rock de los noventa y no te espantan las piruetas rítmicas, disfrutarás una barbaridad con sus álbums, y con su insultante juventud esperemos que por muchos años.

CRÍTICA : THE WAR ON DRUGS - SLAVE AMBIENT

PUNTUACIÓN (sobre 10) - 8,5

Hace unos meses cuando publicábamos la crítica del disco de Kurt Vile Smoke Ring For My Halo (ojo no para de crecer con las escuchas), comentábamos que había abandonado The War On Drugs para centrarse en su carrera en solitario y que con él habían dejado el grupo otros dos miembros, no prometía mucho el futuro para la banda, que nos había sorprendido con su excelente debut Wagonwheel Blues , cuando tres de sus cinco fundadores abandonaban, pero lo cierto es que su líder Adam Granduciel, ahora bajo el formato de trío, no ha permitido que esto le afectara y nos regala este Slave Ambient que supera incluso al trabajo de su amigo Vile. Ojalá todas las separaciones fueran como esta, con las dos partes publicando grandes obras, a partir del estilo que siguen compartiendo, ese que actualiza y filtra por estilos más modernos a grandes nombres del folk y del rock americano con una personalidad propia, y además ayudándose, como demuestra que Granduciel sea parte de The Violators, el grupo de Vile o que incluso componga una canción de su último álbum. Lo cierto es que ya es hora de empezar a reconocer el inmenso talento de estos dos tipos de Philadelphia, pues desde el 2.008 The War On drugs lleva un par de discos y un par de Eps y el más prolífico Kurt Vile cuatro largos y tres Eps, todo de gran nivel y culminado este año con la publicación de dos magníficos albums.
Se pueden detectar fácilmente las muchas similitudes entre el disco de Vile y esta nueva placa de The War On Drugs, pero es importante resaltar sus diferencias. Ambos trabajos, al igual que los anteriores parten de las mismas referencias, Bob Dylan, Tom Petty y Bruce Springsteen son las más evidentes pero mientras Vile se acerca también a otros clásicos como Derek and the Dominos o la Velvet Underground, las influencias clásicas en Slave Ambient se centran ante todo en aquellos tres y en especial en Dylan, sobre todo cuando Granduciel canta con esa voz arrastrada que recuerda al genio de Duluth. Otra diferencia la encontramos en la producción, pues si bien destacamos la mejora en el trabajo de Vile que le hacía abandonar el aire Lo-Fi de sus anteriores discos, allí todo se movía en un tono más acústico que dejaba entrever clarísimamente las influencias clásicas, mientras que lo cierto es que aquí la producción es de un a nivel espléndido, lo que provoca una claridad en la completísima instrumentación que hace que veamos nítida la influencia, a la hora de arropar su folk rock con múltiples teclados y eléctricas, de grupos como Spacemen 3 o Spiritualized. Por último y aunque este es un disco, que desde sus melodías entrelazadas con punteos de guitarra, requiere de escuchas y que no ha todo el mundo le entrará fácilmente, al igual que destacábamos de Smoke Ring For My Halo, lo cierto es que en su segunda parte sí contiene un par de temas que se abren a un público más amplio, acertando de pleno en un acercamiento al indie rock actual de más éxito.
El álbum empieza con "Best Night" una preciosa canción que emparenta directamente con los punteados que marcaban la melodía en el álbum de Vile y que cada vez que la escuchas te atrapa más y más, tras ella "Brothers" sigue en la misma linea pero la mejora con su perfecto acercamiento a Dylan, que parece difícil de mejorar hasta que escuchamos la mas pausada "I Was There" que con las mismas constantes que la anterior se pega a la cabeza irremediablemente con un piano y una harmónica impresionantes, aunque parezca increíble el nivel todavía mejora más con la genial "Your Love Is Calling My Name" donde Tom Petty entra en escena junto con una apabullante instrumentación, que nos enseña toda la calidad de la producción. Excelentes cuatro temas de apertura para un álbum que a partir de aquí cambia, los temas instrumentales entran en escena alternándose con los cantados hasta el final del álbum. Entre los instrumentales, dos son intros, "The Animator" atmosférico y perfecto en la conexión entre dos de los puntos álgidos del álbum, y el anecdótico "Come For It", mientras que los otros dos son temas en sí mismos, uno como continuación "City Reprise #12" lleno de teclados y el otro "Slave Ambient", el mejor de todos, uno de los pocos momentos donde apreciamos un pequeño acercamiento a otras de las referencias que se suelen citar al hablar del grupo y que en anteriores trabajos se apreciaban más, como es el noise y que al escucharlo tenemos la sensación de que Granduciel alucinó con aquella gira de Neil Young del 91 cuando llevó de teloneros a Sonic Youth. Los temas cantados de la segunda parte se dividen en los que continúan la senda del inicio de nuevo con Dylan y Petty en el espejo, en "It´s Your Destiny" arropados por un sonido de aires ochenteros, y en la adictiva y mas canónica "Black Water Falls" que despide el disco de manera maravillosa. Los otros dos temas cantados de esta parte son los que en alguna prensa les están valiendo comparaciones con Arcade Fire, con algunos hablando muy erróneamente de grupo que quiere sonar como los canadienses, pues si bien algún parecido hay en los teclados épicos de la maravillosa "Come To The City" (uno de los temas junto con "Brothers" que compone Dave Hartley el otro miembro fundador que queda y que debería prodigarse más atendiendo a los resultados), y la increíble rítmica de "Baby Missiles" pueda recordar a los de Win Butler, eso no debería llevar a plumillas con poco bagaje a pensar mal, no dándose cuenta de lo 100% Springsteeniana que es la canción, y que esa es una influencia de la banda desde que se formara en el 2.005 y no es más que una coincidencia pues AF se han acercado varias veces al de New Jersey en sus dos últimos trabajos, además el resto del álbum no tiene nada que ver.
Aclarar que algún punto negativo podemos sacar del disco, para empezar "I Was There" debería durar algo más y no cortar tan bruscamente el excelente momento de la harmónica, algunas influencias que se hacían notar más en sus anteriores esfuerzos como la Velvet (que sí ha mantenido Vile) o los toques noise se echan algo de menos pues ampliaban gratamente su espectro sonoro y para terminar la cantidad de instrumentales al concentrarse en la segunda parte, se hacen algo excesivos y hubieran quedado mejor con alguno al principio y con algún tema cantado más al final, que perfectamente podría haber sido "Comin´through" del Ep Future Weather (recomendado hacerse con él) paso inicial de la creación de este trabajo, al igual que Barrel Of Batteries lo fuera de su debut.
Terminamos la que creo ha sido la crítica más larga que hemos escrito, repitiendo una vez más que seguramente este disco no estará en lo más alto de las listas de la prensa y sitios musicales del momento, de tendencias pop bailonas y algo reacios al rock clásico, pero para nosotros este es un disco sobresaliente y como habréis notado los habituales, con nuestra manera de puntuar más baja que la mayoría de sitios musicales, obtiene la mejor nota que hemos dado hasta la fecha. De momento Disco Del Año

CRÍTICA : BEIRUT - THE RIP TIDE

PUNTUACIÓN (sobre 10) - 7,4

Beirut, o lo que es practicamente lo mismo Zach Condon, es uno de esos grupos que parecen estar condenados a demostrar mucho más que otros, para acabar recibiendo siempre menos de lo que merecen. Se estrenó como Beirut, con apenas 20 años, con Gulag Orkestar, un excelente álbum de folk pop lleno de influencias balcánicas (impensable de un oriundo de Nuevo México), impregnado de un aire lo-fi que no ocultaba a un compositor detallista con una dulcísima voz, con un dominio excelente de la mas variada instrumentación (toda la sección de vientos, ukeleles, mandolinas, acordeón ... ) y un don innato para la épica. Tan solo año y medio después, tras publicar algún Ep notable como Lon Gisland, su segundo largo The Flying Club Cup confirmó todo su potencial superando a su predecesor, alejándose por completo de cualquier signo lo-fi, entrando de lleno en el pop preciosista sin perder su espíritu folk y con un algún ligero toque de chanson francesa, y demostró que las canciones de folk pop redondo con estribillos escondidos en sus melodías de trompetas y demás instrumentos de viento, no tenían el más mínimo secreto para él, lo que empezó a hacer que lo compararán con el inigualable Sufjan Stevens, aunque lo cierto es que si bien sus estilos tienen un punto de partida común, siguen caminos completamente diferentes. Unos supuestos problemas de agotamiento, le han llevado en los últimos cuatro años a tomarse con más calma su carrera y solo ha publicado la recopilación de dos Eps March Of The Zapotec/Holland, el segundo bajo el nombre de Real People un proyecto anterior con aires de electrónica y el primero un pequeño acercamiento desde sus propias coordenadas a la tradición mexicana, ambos irregulares pero con momentos de gran calidad. Esta espera de cuatro años para su tercer disco, ha creado más expectativas que nunca en torno a un trabajo suyo, para nosotros se pueden dar por cumplidas, aunque con algún pero.
Empezando por la parte negativa de este The Rip Tide, diremos que se encuentra un peldaño por debajo de sus dos predecesores, entre las razones hay que destacar para empezar la corta duración del álbum, 33 minutos tras cuatro años se hacen muy escasos, aunque seguramente el punto más importante sea la poca variación que encontramos en los temas, todos se parecen a alguno anterior y el trabajo se vuelve algo monótono, el pop preciosista se adueña de casi todo y empezamos a echar de menos en Beirut aquel espíritu más libre y divertido que daban las influencias de folk centroeuropeo a su primer álbum, aquel espíritu y aquella variedad que lo situaban cerca de Neutral Milk Hotel o A Hack and a Hacksaw (Jeremy Barnes y Haether Trost colaboraron para la edición de su debut) y que parece haber perdido. Aún con esto, y pasando ya a lo más positivo, el álbum mantiene un alto nivel y el bueno de Condon sigue demostrando lo bien que se le dan esas pequeñas joyas pop llenas de detalles, y es así como las herederas de "Elephant Gun" que son "A Candle´s Fire" y "Port Of Call" se elevan por encima de todas junto con la más luminosa en la instrumentación "Vagabond", mientras que dos temas más sencillos e íntimos de lo habitual como son "Goshen" y "The Peacock", muy cercanos al folk americano, ganan muchos puntos con las sucesivas escuchas. En conjunto el álbum es más accesible y pop que nunca con algún tema incluso optimista y soleado como el dedicado a su ciudad natal "Santa Fe" o puramente romántico como "East Harlem".
En definitiva, sin ser su mejor obra, es de nuevo este un trabajo notable, que aún así no convencerá ni a un solo oyente al que no le gusten sus anteriores discos y al que la mayoría de la prensa musical volverá a dar una buena nota, pero sin exagerar , que para dar notazas hay suficientes trabajos de tonti-pop por ahí, quedando de nuevo Beirut un poco en segundo plano, lejano de el éxito que a otros les llega demasiado fácil, algo inexplicable viendo su discografía en la que de momento todo obtiene de un notable para arriba y esto hay pocos que lo puedan decir actualmente. En realidad a nosotros esto no nos importará mientras siga publicando buenos discos, que con lo insultantemente joven que es, le quedaran muchos y si es recuperando un poco sus inicios, aún mejor.

CRÍTICA : LOS PLANETAS - PARQUE DE CASTRELOS , VIGO 13-08-2.011

PUNTUACIÓN (sobre 10) - 6,7

El Sábado el tiempo no acompañó para disfrutar de un concierto en Castrelos, orballando sin parar, algunos llegamos sin tiempo para ver a Munich y pensábamos encontrarnos mucha más gente de la que había, sobre todo en la zona gratuita la de pago, con aproximadamente la mitad del aforo, nos permitía situarnos en un sitio privilegiado a pesar de llegar justos de tiempo.
En cuanto Los Planetas empezaron, todo el mundo corroboró lo que ya sabíamos sobre el despliegue técnico que en sus últimas giras les acompaña, sonido potentísimo y un espectáculo visual de lujo, aún con esto la potencia excesiva estropeó el inicio del concierto, un poco estruendoso de más, algo que no favorece a sus nuevos temas de deje flamenco. Son, como también sabíamos, esos temas que forman sus dos últimos álbums los que ocupan la primera mitad de sus conciertos, algo que viendo al público asistente durante esta parte, muchos dudarían de si es una buena decisión, incluso el propio grupo se toma esta primera parte con un toque de cierta desidia, algo que resulta bastante extraño pues parecen bastante convencidos de su nuevo sonido, pero lo cierto es que hasta que sonaron juntas "Reunión En La Cumbre" y "Alegrías del incendio" que finalizan la primera parte del directo acelerando tanto a fans como al grupo, todo resultó bastante tedioso y monótono. Aunque un par de temas como "Ya No Me Asomo A La Reja" y "Virgen De La Soledad" aumentaron mucho el nivel, lo cierto es que todos los que desde siempre han tachado a Los Planetas de mal grupo en directo, tendrían fácil aquí encontrar sus más comunes reproches, desde la nula interacción con el público hasta la poca fuerza y la escasa vocalización de Jota.
Supongo que a estas alturas la nota de ahí arriba os empieza a resultar extraña, pero aunque no me convenció la primera mitad del concierto, no me ha resultado difícil encontrar cosas positivas como el espectáculo visual o los cuatro temas mencionados y además quedaba la segunda parte. Una segunda parte que empezó con sorpresa, Isa de TAB apareció en el escenario para interpretar la inmensa "No Se Como Te Atreves" haciendo suya la parte que en cd interpreta La Bien Querida y dando el pistoletazo de salida a la parte del concierto en la que Los Planetas recorren sus seis primeros trabajos repasando hits. Podría hablaros de que a estas alturas el sonido estaba perfecto, de que las guitarras se habían afilado, de que Eric es un batería de lujo y de que Jota es Jota y chitón, y todo es cierto, pero de lo que me apetece hablar es de las canciones. Sonaron entre otras "Segundo Premio", "Rey Sombra", "Santos Que Yo Te Pinté", "Un Buen día" y "Corrientes Circulares En El Tiempo" para recordarnos a todos los que estábamos que son los mas grandes de nuestra música, que sus temas clásicos perduraran siempre, que los que no los soportan es porque no alcanzan a entenderlos, que de mal directo nada... pero si no puedo parar de saltar. Al acabar "De Viaje" todos sentimos que no podía ser el final, pero si aún quedan un porrón de temazos por sonar, pensamos, pero lo cierto es que las cerca de dos horas de concierto y las luces encendiéndose marcaban la retirada.
Puede que ahora a alguno le parezca corta la nota de arriba, pero aunque la segunda parte del concierto enseñó lo que pueden hacer vibrar al público, no deja de demostrar que ( y aunque prefiero a Los Planetas anteriores, también me gustan sus dos últimos discos) los temas más actuales ocupan el 60 por ciento de sus conciertos y solo el 40 restante queda para sus seis primeros trabajos, algo sin duda excesivo porque además de ser la mayoría de sus temas aflamencados menos lucidos en directo, dejan una cantidad exagerada de hits fuera y desde aquí reclamamos que por ley sus conciertos no duren menos de dos horas y media y que el reparto de temas entre sus albums sea más equitativo, para que "La Caja Del Diablo", "David y Claudia", "La Copa De Europa", "Si Esta Bien", "Maniobra De Evasión", "Dulces Sueños" y otras muchas no se queden nunca sin sonar.

WILCO EN VIGO

Aunque por motivos personales este año pensábamos que no podríamos hacer críticas de conciertos, lo cierto es que las últimas confirmaciones en la ciudad de Vigo, primero Los Planetas y ahora Wilco, hacen que ya no lo tengamos claro y por si fuera poco un grupazo como No Age en Santiago por 5 euros ....
Los inigualables Wilco tocarán en Vigo el 4 de noviembre en el pabellón de As Travesas, arrebatándole el concierto a A Coruña, donde se rumoreo a principios de año que tocarían los de Jeff Tweedy. Sin querer entrar en polémicas que ni nos van ni nos vienen, Vigo, a pesar del descenso en cantidad de este año y de la rebaja en cuanto a calidad con la excesiva contratación de triunfitos ,Juanes y demás de los últimos años, se confirma como la mejor opción de los aficionados a la música menos comercial en Galicia, algo por encima de Santiago y A Coruña, en otra dimensión con respecto a Orense o Lugo y dejando en evidencia la patética programación musical de Pontevedra, donde solo el magnífico trabajo de la Sala Karma da vida a la tribu alternativa de la ciudad y alrededores.
Pero no todo son buenas noticias, hay puntos sobre el concierto de Wilco, que a muchos en la red les han llenado de decepción y que esperemos que se aclaren con el tiempo dado que la noticia es muy reciente.
- Lo primero es la hora anunciada para el concierto al comprar las entradas (servinova.com, 40 euros+gastos), aparece las siete de la tarde, y es un Viernes con lo cual el currito medio que trabaja hasta las ocho y media de la tarde ...
- Lo segundo es que el lugar elegido es As Travesas, siempre una malísima opción dada su horrible acústica, que además se hace muy extraña al leer que el aforo esta limitado a 2.500 personas, cuando el aforo del pabellón para conciertos suele superar las 4.000. Punto complicado este, sobre el que algunos fans comentan que si el concierto hubiera sido en A Coruña, el Colisuem hubiera sido un sitio ideal y sin necesidad de ver el concierto sentado como ocurrió hace dos años en Santiago.
Esperemos que desde la organización expliquen pronto las razones del horario, el lugar y el limite de aforo. Lo mejor sería que todo fuera un error, pero nos tememos que no. Aún así una gran noticia volver a tenerlos de gira por España para presentar su esperadísimo nuevo trabajo The Whole Love.

EDITO : Jonathan Wilson actuará en Vigo acompañando a Wilco

CRÍTICA : DISCO LAS PALMERAS! - NIHIL OBSTAT

PUNTUACIÓN (sobre 10) - 7,5

Casi se nos pasa el debut de este grupo de Sarria (Lugo), hubiera sido imperdonable. Porque tras ese nombre tan equívoco que nos hace pensar en alguna orquesta de verano, se esconde un disco que ya desde el inteligente titulo, Nihil Obstat es la aprobación moral y doctrinal de la iglesia católica para que una obra pueda ser publicada, nos demuestra que este trío sin bajo (colocan una cuerda extra a una de sus guitarras) tienen muy claro lo que hacen y tras obtener éxito en concursos varios, nos atacan ahora con una colección de temas, que como bien ilustra la portada, son unos tremendos directos en toda la cara.
Las referencias son evidentes en Nihil Obstat, la primera son Triangulo De Amor Bizarro (sobre todo los de Año Santo) no solo por ser paisanos, sino porque comparten el gusto por el noise y el shoegaze y es obligado nombrar a Los Planetas, Sonic Youth y como no a My Bloody Valentine entre las influencias compartidas, pero además Disco Las Palmeras! añaden un gusto por el rock contundente de aires hard y punk que los acerca a grupos como Lagartija Nick, Nueva Vulcano o incluso Hüsker Dü. Todas estas bandas , un montón de amplificadores e innumerables guitarras arrolladoras son lo que encontramos en los once trallazos que componen Nihil Obstat, destacando las iniciales "La Casa Cuartel" y "A Los Indecisos", las directísimas "Me La Jugasteis En China" y "Los Economistas" y los dos temas que suponen un ligero descanso en el continuo golpear del álbum, las magníficas "Estados Emocionales (y Vaticanos)" y "Testigos De Dios". Todo esto sin olvidar sus grandiosas letras, por las que merece sin duda hacer el esfuerzo de intentar entenderlas entre la maraña sonora que las envuelve. Letras duras, directas e inconformistas que pueden tratar sobre el pánico tras un atentado como en "La Casa Cuartel", sobre un miedo más interior en "A Los Indecisos", o rebelarse ante la situación social y política actual en "Los Nuevos Nihilistas", "Los Economistas" y la irónica "La Soga Umbilical". Decididamente un conjunto de música y letras que se unen a la perfección para conseguir su objetivo, sacudirnos a trallazos musicales sin piedad, algo muy necesario en este época de excesivo pop blandito, algo que parece que en el nuevo indie gallego se tiene muy claro.
Aclararemos que el disco no es perfecto, todo lo que aquí escuchamos ya lo habíamos escuchado antes y hay algún momento de cierta monotonía con ritmos que se solapan, sin duda le hubieran venido bien uno o incluso dos temas más (aumentando un poco el minutaje) del corte de "Estados Emocionales (y Vaticanos)" y "Testigos De Dios" que darían variedad, y dado el nivel de estas dos mejorarían sin duda la calidad del álbum. Se puede pensar que hay que esperar para ver la evolución de Disco Las Palmeras! y es cierto, pero no hay que olvidar que este es su primer disco , aunque parezca mentira, que de momento es sin duda el debut nacional del año y posiblemente el disco nacional del año.
Para terminar, e intentando seguir el ejemplo del trio gallego, nos gustaría mandar un par de directos, uno a la prensa musical importante del país, porque si bien las críticas a Nihil Obstat han sido fantásticas, parece ahora que se le da más bola a ciertos debuts de grupos de las regiones de esa prensa, alguno incluso con referentes similares a los de Disco Las Palmeras!, que están a un nivel tan inferior que quizá algunos deberían pensar hasta donde debe llegar la defensa de los grupos "amigos", aunque claro si te paras a ver la bola que le da la propia prensa gallega ... Dos, para toda la organización de ese Rock in Way que teóricamente apoya a los grupos gallegos, vamos a intentar no decir casi nada malo del cartel, más cuando parece que los grupos vienen casi en conjunto con el En Vivo de Getafe con lo cual suponemos que había poco que hacer, pero que la última confirmación sea The View, un grupo británico de segunda, mientras el grupo gallego que firma el debut del año no esta ...

CRÍTICA : THE HORRORS - SKYING

PUNTUACIÓN (sobre 10) - 7,3

Cuando se publicó el primer trabajo de The Horrors casi todo el mundo a excepción de algunos medios que los intentaron encumbrar, descubrió un claro hype en ellos, Strange House era un claro saqueo al garage sesentero con ciertas dosis de punk. Un mal directo y una imagen medio oscura-gótica casi más importante que lo artístico, nos convencieron a todos del carácter caduco del grupo. La sorpresa llego un par de años después, en Primary Colours producidos por Geoff Barrow de Portishead el grupo daba un cambio radical, reduciendo las guitarras y acercándose a los grupos indies de finales de los ochenta y primeros noventa, mucho shoegaze y un toque Kraut en un nuevo saqueo a sus referencias con la gran diferencia de que este álbum contenía muchos buenos temas y alcanzaba un notable nivel. Hace poco conocíamos el proyecto paralelo del líder de la banda Faris Badwan con la cantante de opera Rachel Zeffira, Cat´s Eyes un álbum que desde el pop más clásico y una clara influencia de lo que Barrow había echo en Portishead continuaba con un buen nivel. Para esta nueva aventura The Horrors se han autoproducido y no pocos han sido los que dudaron de si, sin el gran Barrow, podrían mantenerse. Bien pues podemos decir que lo han conseguido e incluso una buena parte de la crítica se esta mostrando encantada con este nuevo Skying. Lo cierto es que para él ,The Horrors se han retrasado solo unos años y han aplicado su último saqueo a algunos grupos que triunfaron en la primera mitad de los ochenta , y al igual que en su anterior disco vuelven a conseguir un trabajo completo con grandes temas, eso sí , en su práctica totalidad, de originalidad cero.
Desde los primeros acordes de la inicial "Changing The Rain" nos queda claro por donde van los tiros, las guitarras siguen perdiendo peso y dan paso a los teclados y sintetizadores, los ochenta se abren paso y grupos como Echo & The Bunnymen, The Psychedelic Furs o The Chameleons surgen en cada nota del álbum e incluso casi podrían pedir royaltyes por el logrado tema final "Oceans Burning". La pegadiza "You Said " y la envolvente "Wild Eyes" no hacen más que confirmar las impresiones mientras que "I Can See Trough You" añade otra influencia de aires más comerciales como Simple Minds que apreciamos más claramente en el single "Still Life". A pesar de que el sonido que comentamos cubre la practica totalidad del disco, the Horrors guardan ciertos momentos para echar la vista atrás, a sus anteriores trabajos haciendo tomar vida a las guitarras , y lo cierto es que consiguen hacer que encaje bien, dando vida al álbum, como en el cambio de ritmo de "Endless Blue", en el magnífico acercamiento a las influencias de su segundo álbum que es "Dive In" o el toque kraut de la gran (en todos los sentidos) "Moving Further Away", hermana pequeña de la que sigue siendo su mejor canción "Sea Within A Sea". Casi al final "Monica Gems" nos sorprende con su mimetismo a Suede, convirtiendose en el tema más inesperado de un álbum que mantiene un buen nivel a lo largo de todo su minutaje.
Hay que aclarar que si eres de los que ante todo buscas un sonido propio en tus grupos favoritos, The Horrors no te harán disfrutar y que si eres de los muchos que no soportan aquellos primeros ochenta y para ti la década empezó después del Psychocandy, este no es tú álbum. Pero lo cierto es que, si consideramos que la originalidad es un bien escaso en nuestros días que ya casi no le pedimos a ningun grupo, no podemos sino reconocer que tanto Primary Colours como este Skying son dos notables discos y que The Horrors empiezan a labrarse una carrera sólida para nuestra sorpresa. Si siguen siendo capaces de ser tan variados como hasta ahora, su música nos acompañará unos cuantos años más, aunque nunca sean nuestro grupo favorito ni publiquen una obra maestra.

CRÍTICA : HOLA A TODO EL MUNDO - ESTELA CASTIZA

PUNTUACIÓN (sobre 10) - 7,2

Esta sera una crítica algo más corta, dado que lo nuevo de HATEM es un Ep muy distante de la duración de su debut. Un debut homónimo que los catapultó a las revistas y sitios especializados y que creo cierta controversia a su alrededor, si bien la mayoría de la crítica los lleno de parabienes y consiguieron un buen número de fans entregados, fueron bastantes los que vieron en ellos un grupo impostado (ya sabéis, eso de perroflautas de diseño) con un mal directo. Estela Castiza no hace más que acrecentar las distancias, los que estaban a favor solo encuentran en este nuevo material una demostración de sus cualidadades y de que todavía siguen creciendo, mientras que sus detractores afirman que aqui no hay más que repetición y pijerio adornado. Lo cierto es que además del cambio evidente, el del idioma (que no provoca grandes diferencias), hay algunos puntos nuevos que hay que tener en consideración, por que traen pros y contras.
En la parte positiva tenemos que empezar destacando que HATEM lo siguen bordando al hacer que su música sea una continua sorpresa, llena de imaginación y continuos vuelcos,que hizo que muchos los emparentaran con Arcade Fire, y lo siguen haciendo a pesar de la drástica reducción de la duración de los temas. También la pequeña evolución del sonido, que les permite acercarse más al pop en los temas cantados (como "Leon Comunión", "Estela Castiza" o "Numero Nadie"), sin perder de vista el folk americano que guiaba su primer trabajo ("Maestra Alegranza" y "Cara Cazador" mantienen esa mezcla entre lo actual de grupos como"Akron Family" y los clásicos del genero), y sobre todo, el acercamiento a pasajes instrumentales de Sigur Rós (evidente en "1=0" y "Estrella De Seis Puntas", dos de los tres cortes instrumentales), nos muestran una sana apuesta por ampliar su paleta de influencias.
En la parte negativa, además de la ya mencionada escasez del minutaje con solo cinco temas más los tres interludios instrumentales, esta la producción del álbum, menos acertada que la anterior (sobre todo en el tratamiento de las voces) y que por momentos se suma al mayor aire pop de los temas, para acercar al grupo a los ya excesivos grupos nacionales de tonti-pop-saltarín desmesuradamente vanagloriados por la revistas y los sitios musicales. Uno se imagina a HATEM evolucionando hacia un sonido cada vez más cuidado, con una producción que aproveche su espíritu imaginativo, muchos lo calificarían como madurez mal entendida, pero sin duda ganarían sonando grandes y es un error acercarlos al pop de juguete que nos satura ultimamente.
Esperamos con ansia su segundo largo, entonces veremos más claramente hacia donde se dirigen. Nosotros deseamos que no pierdan su espíritu y sus influencias americanas y que se conviertan en una banda única en la escena indie nacional, mientras tanto disfrutaremos de los buenos momentos que nos vuelven a dar con Estela Castiza.

WU LYF - GO TELL FIRE TO THE MOUNTAIN

PUNTUACIÓN (sobre 10) - 7,2

Cuando leí por primera vez algo sobre Wu Lyf (World United Lucyfer Youth Foundation) en una web musical nacional, despertó mi curiosidad lo mucho que insistían en lo sorprendente y difícil que era definir su música, incluso los artistas que nombraban como referencia ( que tras escuchar el álbum resultaron ser completamente erróneos), resultaban chocantes. Pronto en otras webs especializadas empecé a ver este disco destacado y casi todas coincidían en señalar lo original de su propuesta, muchas acertando con las influencias. Fueron esas afirmaciones los que me llevaron a escuchar el disco, mientras que la otra parte de todas las reseñas sobre el grupo, esa que habla de grupo misterioso, de nombre rebuscado, que no muestra sus caras, que rechaza a los medios, no quiere popularidad y con su página de wikipedia "misteriosamente" borrada continuamente ... esa parte casi hace que desista porque hoy en día estos actos suelen ser intentos de promoción ( en este caso la han logrado), que casi siempre nos conducen a un hype. Algo que sin duda Wu Lyf pueden ser, lo cual no quita que este debut sea un buen disco, con una propuesta de claras referencias pero con un toque personal y ligeramente novedoso (no nos pasemos) . Incluso la definición que le dan a su estilo, Heavy Pop, no se aleja demasiado de la realidad.
Para hablar de lo que nos encontramos en los diez temas de este Go Tell Fire To The Mountain empezaremos por la parte instrumental. Cuentan Wu Lyf con un sonido ligeramente difuminado, tienen algo de Arcade Fire, de sus organos de iglesia y de su épica instrumental, nos bastan los arranques de temas como la inicial "Lyf" o "Summas Bliss" para detectarlo y en la lograda "Such A Sad Puppy Dog" se hace evidente. Tienen además mucho de Modest Mouse, la fuerza con la que atacan las melodías bebe directamente de los americanos, quizás su influencia más clara a lo largo de casi todos los temas, siendo la fantástica "Cave Song" un ejemplo casi mimético. Además, Wu Lyf añaden algunos guiños, sobre todo con las guitarras, al indie pop más saltarín, ese que tan bien acogen las revistas mas modernas, lo apreciamos en "Summas Bliss", "Concrete Gold" y especialmente en "We Bros". Aportan también un punto personal, con esa forma que tienen de tocar sus instrumentos, las excelentes percusiones principalmente, un estilo medio tribal casi salvaje que da gran intensidad a sus temas. Aunque la parte más personal de su música es sin duda la vocal, con un Ellery Roberts que aunque parte del magnífico Isaac Brock de los temas más rápidos de Modest Mouse, aplica una furia y una intensidad más propia de cantantes de metal alternativo, con una ininteligible pronunciación que a veces te hace dudar de si canta en ingles o incluso si es que solo dice una parte de las palabras, llegando a recordar en algún momento la cazallosa voz de Caleb Followill en el debut de Kings Of Leon, pero sin el toque sureño. Todo se junta para dar forma a Go Tell Fire To The Mountain e intentar definir un estilo propio, en un encomiable esfuerzo que tiene en temas como "Lyf", "Heavy Pop" y por encima de todas "Dirt" unas acertadas amalgamas de todo lo citado anteriormente. Este esfuerzo sin embargo, no termina de triunfar completamente porque el disco peca en exceso de monotonía y repetición, muchos son los temas que calcan su estructura con inicios más calmados que van in crescendo a momentos de gran intensidad, e incluso por momentos ciertas canciones se confunden un poco unas con otras.
Terminamos repitiendo que hype o no, este debut es un disco notable, y que si consiguen hacer carrera una vez pasado el revuelo que están levantando, la personalidad y destreza instrumental que aquí exhiben, bien podría llevarlos, con una correcta evolución que les permita ser más variados, a cotas más altas. Lo esperamos.

CRÍTICA : THE ANTLERS - BURST APART

PUNTUACIÓN (sobre 10) - 7,2

Hospice, tercer largo de The Antlers (hasta entonces proyecto unipersonal de Peter Silberman convertido en trío con este álbum), se convirtió en uno de los discos destacados del 2009, partiendo de una historia personal similar a la de Justin Vernon cuando parió el debut de Bon Iver. Silberman, deprimido tras una ruptura sentimental, se paso más de un año enclaustrado en su casa grabando Hospice, un disco conceptual lleno de tristes y explícitas letras, de sonido oscuro y opresivo, que gira en torno a quien sufre un cáncer terminal y sobre todo a quien sufre viéndolo morir. Suponemos que tras el éxito cosechado entonces, la tentación por crear una segunda parte de Hospice ha sido grande, pero la banda ha venido anunciando que para este nuevo álbum querían evolucionar en su sonido y sin llegar a romper del todo con su anterior trabajo, sí lo han conseguido.
A pesar de que la voz afectada de Silberman sigue sonando igual en la mayor parte de los temas y muchos de ellos continúan teniendo ese tono oscuro que caracterizaba a su predecesor, sí apreciamos en este Burst Apart un claro acercamiento a un pop de instrumentación amplía, con toques electrónicos, completamente alejado del aire lo-fi de anteriores trabajos y unos ambientes mucho mas dulces que los emparentan directamente con el sonido de los britanicos Wild Beasts. The Antlers han ampliado sus referencias, y asi nos podemos encontrar temas que recuerdan la redondez melódica de unos Death Cab For Cutie como "I Don´t Want Love" y "Corsicana", claros acercamientos a los Radiohead más electrónicos como "Parentheses" o alguna ligera aproximación, que ya antes habían practicado, al post-rock en "Rolled Together" o "Hounds". Ademas el disco, que no es precisamente de escucha accesible, sí contiene un par de temas con melodías inmediatas ideales para ser singles, como son la rítmica "Every Night My Teeth Are Falling Out" y el baladón pop con aires negroides que despide el álbum "Putting The Dog To Sleep". Las letras siguen tratando de perdida y tristeza, pero en este caso relacionadas con el amor y al igual que en el sonido , no podemos decir que este sea un álbum optimista ni mucho menos, pero si aporta un punto mas luminoso que Hospice.
En resumen, no es este Burst Apart un disco fácil como tampoco lo era Hospice, y lo cierto es que no alcanza el impacto de aquel, pero nos muestra un grupo en clara evolución tras el inesperado éxito y además no baja el nivel en practicamente ningún momento de su minutaje. Lo mejor es, que de momento no podemos ponerle techo a estos aún muy jóvenes neoyorquinos, ni muros al talento compositivo de su líder.

CRÍTICA : BON IVER - BON IVER

PUNTUACIÓN (sobre 10) - 8,3

For Emma, Forever Ago fue para mi una de las más agradables sorpresas musicales de los últimos años, no solo el mejor disco del año, sino también entre lo mejor de la pasada década, folk de emoción inigualable a través de una guitarra y un falsete. Y sin embargo el segundo largo de Bon Iver despertaba en mi más incertidumbre que cualquier otra cosa. El hecho de que su debut fuera consecuencia de una situación personal concreta de Justin Vernon (líder único de la banda aunque ahora se acompañe de sus amigos Matt McCaugham y Sean Carey), que se aisló en una cabaña en las montañas de Wisconsin, durante cuatro meses de helado invierno, tras una ruptura sentimental, durante los cuales compuso y grabo los temas, me hacía dudar de si los logros podrían volver a alcanzarse en una situación más típica, y aunque el ep Blood Bank despejaba algo las dudas, la crisis artística que confesaba Vernon para componer este segundo álbum, no prometía nada bueno. Al saber que para grabar había contado con un numeroso grupo de músicos de lujo, me desconcertó un poco, pero todo se disipó con el adelanto de "Calgary" y con la posterior llegada del material completo. Evolucionando sin perder la esencia, Bon Iver presenta un segundo disco de producción cuidada, instrumentación amplia y excelentes arreglos, que por momentos incluso se aleja del folk para entrar de lleno en el pop, y todo sin perder la intensidad emotiva de su debut. Adiós a la incertidumbre con otro excelente trabajo, y además sin repetirse.
El nuevo sonido que acompaña a Vernon lo apreciamos desde el primer lugar (todos los temas se se titulan como alguno) al que nos acerca, "Perth", desde ya uno de los temas del año, guitarras eléctricas, vientos y arrolladora percusión acompañando el falsete y la deliciosa melodía marca de la casa. "Minnesotta, Wi" mezcla un estribillo de acústicas y falsete, con estrofas de pop sin falsete, fantástica la que arranca tras el primer estribillo acelerando y recordando mucho al genio Peter Gabriel (que incluyó "Flume" en su disco de covers del pasado año). "Holocene" y "Towers" continúan con el sonido denso, aunque aquí con un tono más de acuerdo a su primer álbum, y ambas se muestran espléndidas, la primera con una guitarra acústica mil veces escuchada antes, pero que te conduce como en una nube por los cerca de seis minutos que dura y la segunda con más ritmo y un bonito cambio digno de lo mejor de Fleet Foxes. Tras el magnífico arranque, "Michicant" la canción más parecida a las de su debut y "Hinnom, Tx" que amenaza al comienzo a pop ochentero comercial, aunque después lo arregla con unos pegadizos juegos de voces, bajan ligeramente el nivel respecto a los cuatro primeros temas. Después "Wash" delicado tema al piano digno del mejor Antony, vuelve a elevar el tono, que recupera su máximo con "Calgary", la otra gran joya del disco, una canción de pop preciosista con espíritu folk pastoral y un ritmo irresistible, sin duda otro de los temas del año desde ya mismo. Para el final del disco encontramos "Lisbon, Oh" un pequeño y bonito instrumental que ganaría si no fuera el preludio de "Beth /Rest" el gran error del álbum, donde no sabemos si es que realmente le va el pop plástico y prefabricado puramente ochentero o es que de nuevo intentaba acercarse a Peter Gabriel , pega un resbalón y cae en su reverso tenebroso, su parásito comercial Phil Collins (me sigue resultando increíble la incultura musical de los que mezclan el estilo de Gabriel y Collins solo porque coincidieran en Genesis, genial grupo cuando Gabriel lo lideraba, AOR desesperante cuando Collins se hizo cargo, por no hablar de la diferencia abismal de sus carreras en solitario), pero lo cierto es que el tema es un pegote de cliches horribles, producción plástico puro, piano y guitarras al estilo Bruce Hornsby mezclados con un saxo de juguete que recuerda a Kenny G, una horrible manera de terminar y que lo priva de conseguir algo tan difícil como es mantener un alto nivel durante todo el minutaje.
Bon Iver esta un peldaño por debajo de For Emma, Forever Ago, porque no alcanza (aunque se queda cerca) las cotas de emoción que provocaba aquel y por su desacertado final, aun así las revistas/sitios musicales más cools del momento lo valorarán por encima, dado su acercamiento al pop, y la mayor afinidad que les provocará esto. Lo innegable es que este es de nuevo un trabajo excelente, que sera de lo mejor de este año, sino lo mejor, y además sorprende, confirmando a Justin Vernon como uno de los mayores talentos del momento, con lo cual no queda más que disfrutarlo y esperar ansioso su siguiente álbum sin incertidumbre alguna ..., a no ser que esté lleno de baladas plasti-pop ochentero. Uf.

CRÍTICA : ARCTIC MONKEYS - SUCK IT AND SEE

PUNTUACIÓN (sobre 10) - 8,3

Hace seis años Wahtever People Say I Am, Thats What I´m Not, el debut de Arctic Monkeys se convirtió en uno de los mayores hypes de la historia, éxito desmesurado para unos recién llegados, que sirviéndose de Internet se dieron a conocer desde la nada y a base de hitazos llenos de guitarras y euforia juvenil, rompieron el mercado. Esto creo cierto recelo entre alguna prensa especializada que aún hoy perdura y que provoca que no se permitan dar grandes notas a sus trabajos, ni al primero, superado en algunos sitios por innumerables discos en aquel 2.006, a pesar de lo cual todos lo incluyen después en sus listas de lo mejor de la década. Tampoco el claro y progresivo alejamiento del estilo que les valió aquel éxito hacia sonidos mucho menos explosivos e inmediatos, les ha valido para que cierta prensa (americana sobre todo) olvide el recelo inicial. Una evolución esta que sin embargo sí les ha costado el alejamiento de muchos fans iniciales, desilusionados con la rebaja de adrenalina que ha ido suponiendo cada paso del grupo, aunque los monos siguen contando sus trabajos como éxitos comerciales.
Para este Suck It And See, Alex Turner y los suyos anunciaban un balance de lo que habían hecho hasta ahora, y a fe que es eso, pero también algo más. Porque aquí encontraremos el descaro guitarrero del primer álbum (poco), ese mismo descaro con guitarras más cuidadas y sin estribillos alejándose de la inmediatez que supuso su segundo, Favourite Worst Nightmare, y la entrada en un sonido mucho más duro y pesado de la mano del gran Josh Homme del tercero, Humbug. Pero no se quedan ahí y Alex Turner incluye la querencia por el pop clásico que destilaba su proyecto paralelo con su amigo Miles Kane, The Last Shadows Puppets, donde se acercaba al pop británico de los sesenta, a Scott Walker y a David Bowie. Es esa mezcla entre el tercer largo de la banda y el disco de The Last Shadow Puppets (guitarras afiladas y melodías de pop clásico), con algún toque de sus primeros albums, lo que marca el camino de este variado trabajo, impensable hace solo seis años, cuando nos hartábamos de berrear con temas como I Bet You Look On The Dancefloor.
Empieza el disco dejando claro la mezcla de la que hablábamos con la inicial "She´s Thundertoms" y la logradísima "Black Treacle", después "Brick By Brick" y la genial "Don´t Sit Down ´Cause I´ve Move Your Chair" nos meten de lleno en el sonido a lo QOTSA que iniciaron en Humbug y para compensar entre ambas sitúan la irresistiblemente pop "The Hellcat Spangled Shalalala". En la mitad del Cd encontramos el pelotazo "Library Pictures", un tema fiero que recuerda totalmente a sus inicios y "All My Own Stunts" que a un ritmo más lento, también nos acerca con sus guitarras a aquellos chicos adrenalínicos de Sheffield y se convierte con las escuchas en otra de las muchas joyas del lote. A continuación tres temas lentos nos introducen de lleno en un pop elegante deudor de grandes del género, son "Reckless Serenade" con sus maravillosos coros finales, la tremenda "Piledriver Waltz", que era una de las seis bonitas baladas con las que Alex Turner colaboró en la BSO de "Submarine", aquí mejorada con una acertada instrumentación, y la romántica "Love Is A Laserquest", las tres canciones que van creciendo con cada escucha y se acaban pegando a tu cerebro sin remisión. Aún quedan sorpresas para el final, empezando por la titular "Suck It And See" que de nuevo eleva el ritmo con un pop luminoso y contagioso, y cerrando con "That´s Where You´re Wrong" que empieza con ese entrelazado rítmico de bajo y batería que sacuden con guitarrazos que van tomando protagonismo hasta que al llegar el alucinante estribillo ya no lo puedo negar, esta suena como el primero de los Stone Roses, y lo hace bien, palabras mayores para cerrar de forma magnífica un magnífico disco.
Se puede comprender que los fans de su debut se sientan decepcionados con el camino que ha tomado la banda y que añoren los pildorazos de rock inminente que facturaban , se puede incluso aceptar que cierta prensa no consiga olvidar sus recelos aunque no sean más que prejuicios, pero lo cierto es que llevan cuatro discos (cinco con el de The Last Shadows Puppets) que no bajan del notable y con este acercándose al sobresaliente. Si tú no tienes prejuicios y disfrutas de la música de manera amplia, sin encorsetarte en exceso con los estilos, prepárate para disfrutar. Ojalá que lo superen muchos , pero de momento, lo mejor de lo que va de año junto con P.J. Harvey.

CRÍTICA : DEATH CAB FOR CUTIE - CODES AND KEYS

PUNTUACIÓN (sobre 10) - 6,9

Son Death Cab For Cutie un ejemplo de grupo, que con un par de discos han perdido el status de reyes del indie que la prensa les concedió en la mitad de la década pasada (caso aún más exagerado es el de Tv On The Radio cuyo último trabajo ha pasado casi desapercibido en los sitios y revistas musicales más cools después de dos trabajos sobresalientes, que los habían encumbrado a todas sus listas de lo mejor de ... ). A pesar de que estas caídas suelen empezar por una perdida de calidad en las bandas, también son reflejo de lo acelerado que sigue siendo el mundillo musical hoy en día, a pesar de que algunos crean que la época de la adoración del hype ha pasado. Los de Washington publican su séptimo largo con algo de recelo por parte de la prensa que, con la publicación de sus dos primeros álbums los elevó a promesas del indie americano, para que tras el excelente The Photo Album, con Transatlanticism en el año 2.003 les diera la corona y concediera a Ben Gibbard, que ese mismo año publicaba con The Postal Service el también magnífico Give Up, el titulo de tótem del indie exitoso del momento. Hoy, tras haber fichado por una grande, haber aparecido en series y películas de éxito y haber publicado el algo infravalorado Plans y su disco mas errado Narrow Stairs, que llego a ser numero uno de ventas en su país, lo nuevo de DCFC es esperado con pocas expectativas para un grupo que no hace tanto firmaba obras magnas de la pasada década.
Lo cierto es que Codes And Keys no devolverá a Gibbard, Walla y demás a la primera linea, no porque sea un mal disco, que ni mucho menos lo es , sino porque ahora necesitarían un álbum a la altura de sus mejores obras para conseguirlo y este no es el caso. No lo es porque este es un trabajo demasiado evidente, demasiado evidente a la hora de intentar repetir la formula de sus discos mas exitosos, y aunque por momentos parece conseguirlo nunca llega a alcanzarlo del todo. Aún así Codes And Keys merece la pena por volver a hacernos disfrutar de ese toque emo, de esa innata calidad en las melodías y en la instrumentación, y de la maravillosa voz de Gibbard. Cuando en "Doors Unlocked And Open", tras un inicio discreto, irrrumpen todos los instrumentos y la voz se muestra en todo su esplendor, recordamos que son unos genios, en "Codes and Keys" nos pasa algo parecido y en "St. Peter´s Cathedral" y "Unobstructed Views" nos atrapan a pesar de excederse en la búsqueda de la magia épica de "Transatlanticism". Es en los temas rápidos donde más encontramos esa evidencia de buscar los hits que poblaban anteriores trabajos, así la inicial "Home Is A Fire", el single "You´re A Tourist" o "Monday Morning" a pesar de tener algunas de sus mejores virtudes, se revelan como temas demasiado facilones para una banda de su potencial, y son "Some Boys" y "Underneath The Sycamore" las que se muestran más acertadas. Completan el álbum dos temas más sencillos de lo habitual, que crecen con las escuchas son la optimista "Portable Television" y "Stay Young, Go Dancing" que despide el lote con un aire folkie.
Es pues Codes And Keys un paso adelante tras Narrow Stairs, un disco en el que recuperan la esencia de sus anteriores álbums, pero no es un paso definitivo necesita un par de pasos más en la dirección correcta. Los que no hace mucho disfrutamos tanto con ellos que nos parece inaguantable que en los últimos seis años solo hubieran publicado un largo, deseamos que esa confirmación llegue en su próximo trabajo, y que llegue pronto.

CRÍTICA : MY MORNING JACKET - CIRCUITAL

PUNTUACIÓN (sobre 10) - 7,3

A estas alturas esta claro que MMJ son una de las bandas más personales del rock americano de los últimos años. Cuando comenzaron su carrera, sin embargo no era fácil de imaginar, sus dos primeros trabajos, The Tennesse Fire y At Down, estaban claramente marcados por la figura de Neil Young, tanto en la música como en la forma de cantar de Jim James, líder absoluto de la banda. Aun así consiguieron hacerse un nombre entre los grupos de americana de principios de siglo gracias a que esos dos discos, sobre todo el segundo, conseguían mirar al genio canadiense sin palidecer y eso ya es algo al alcance de muy pocos. Pero fue con la publicación de su tercer largo, It Still Moves, cuando apreciamos que Jim James y los suyos estaban capacitados para algo más, sin perder de vista sus raíces empezaron a aprovechar sonidos y métodos de producción modernos para crearse un sonido. La introducción de teclados, sonidos y voz más atmosfericos y unos bajos de lujo convertían este álbum en la primera joya de su discografía. Dos años después Z supuso su consagración absoluta, con todo lo acertado de su anterior disco, firman un trabajo de inspiradísimo rock clásico de sonido actual. Dos discos sobresalientes no aplacaron las ganas de seguir renovando su sonido, y su quinto Evil Urges supuso la incorporación de sonidos negros como el soul y el funk. De producción algo excesiva y con unos temas menos acertados supone su primer tropiezo y lo mejor del álbum son los pocos temas que calcan sus anteriores discos. Tras este bajón, muchas eran las especulaciones sobre una vuelta a las raíces en este sexto largo, pero como empezábamos diciendo, MMJ con Jim James a la cabeza son un grupo con gran personalidad, inquietos y con unas enormes ganas de conseguir un gran sonido propio, así que no han ido por ahí los tiros.
Para este Circuital MMJ han grabado en un gimnasio de su pueblo natal, tocando juntos intentando capturar el espíritu de sus magníficos directos . No lo han conseguido por completo, puede que sea por el ritmo algo monótono y lento del álbum, con un exceso de medios tiempos y lentas en sus partes inicial y final. En cuestiones estilísticas han juntado todo lo que habían hecho hasta ahora y como siempre le han añadido elementos nuevos como algún tema desnudo con James luciendo su excelente voz cual crooner clásico ó un toque soleado a los aires soul que iniciaron en "Evil Urges".
El disco comienza con "Victory Dance" un medio tiempo algo pesado de aires progresivos que aunque mejora con las escuchas nos llena de dudas en principio, dudas que despeja de golpe la genial "Circuital" tema de siete minutos que mezcla lo mejor de sus dos mejores trabajos y que por si sola ya merece la pena todo un álbum. Esa genialidad hace que se perdone la siguiente "The Day Is Coming" tema de Soul blando-ochentero, que perfectamente podría formar parte de un recopilatorio AOR de esos años. La olvidamos pronto, cuando suenan la voz y guitarra de "Wonderful (The Way I Feel)" donde se despojan de ornamentos con una preciosa canción típica de cantautor americano de los sesenta-setenta. "Outta My System" recupera la instrumentación mas cargada del inicio pero aquí de manera más acertada al elevar el ritmo y prepararnos para los dos temas más rápidos del disco, primero la espectacular "Holdin´ On The Black Metal" (sí, se parece demasiado, sobre todo el inicio, a ese tema de pop Tailandes de Kwan Jai & Kwan Jit Sriprajany que podéis comparar en la web) un batiburrillo de teclados, coros y guitarras estilo Jam, y después "First Light" una maravilla de rock clásico, que une una melodía Beatles con una guitarra y batería puro Led Zeppelin y finaliza con unos estupendos vientos para firmar otro de los momentos álgidos del disco. A continuación "You Wanna Freak Out" nos acerca a un pop soleado que aunque no consigue mantener el nivel de sus predecesoras vuelve a lucir unas excelentes cuerdas y nos introduce en la parte final donde reducen drasticamente el ritmo. Empiezan con una "Slow Slow Tune" canción de espíritu crooner donde Jim James luce voz grave y la guitarra solista dispara de nuevo el nivel a lo más alto, y terminan con "Movin´ Away" tema de soft rock setentero que a pesar de que mejora algo con el piano de su tramo final, despide el disco de forma poco acertada.
Es pues Circuital un trabajo notable , aunque esta lejos de sus mejores obras, y supone un paso adelante después de las dudas que genero Evil Urges. Además confirma que siempre podemos contar con su intento por evolucionar con su sonido y, a pesar de que muchos querrían que se dedicaran a intentar repetir Z, eso es lo que más nos gusta de ellos.

CRÍTICA : VETUSTA MORLA - MAPAS

PUNTUACIÓN (sobre 10) - 7,0

Vetusta Morla es posiblemente el mayor exponente de lo que se empieza a conocer entre alguna prensa como maindiestream o indie mainstream nacional, artistas que siendo teóricamente indies alcanzan un éxito considerable de ventas y audiencias, algo que les granjea una numerosa legión de anti-fans que ven en estos artistas una clara muestra de lo que se ha dado en llamar "fakeindie". Para algunos seguidores de los madrileños, los que los conocieron en alguno de los fantásticos y numerosos conciertos que dieron durante los nueve años que tardaron en publicar su primer largo, esto los tiene alucinados. Porque no cumplen precisamente con ninguno de los reproches más comunes a estos grupos nacionales de nuevo éxito : no han cambiado el idioma al español para hacerse más accesibles , su estilo no se ha vuelto más accesible pues podemos considerar este nuevo álbum menos accesible que Un Día En El Mundo y no se han pasado a una compañía grande ya que se han vuelto a autoeditar y seguro que por ello han rechazado jugosísimas ofertas. Pero sin duda, esa legión de antifans es amplia aunque no tanto como los seguidores que se han ganado y es por esto que los críticos de nuestras revistas/paginas , esos que una vez más han publicado aceleradamente sus opiniones sobre Mapas unas pocas horas después de que el grupo lo colgó en streaming en su web, han decidido puntuarlo en su mayoría entre el seis y el seis y medio, dejando sus opiniones sobre este segundo álbum en un sí, pero no, intentando no ser muy sinceros, para por un lado no perder un montón de lectores y por otro no ser acusados de poco alternativos. Y alguno dirá que nosotros puntuamos poco más, pero la cosa cambia mucho si recordamos que la máxima nota que hemos dado desde que comenzamos ha sido un ocho y además no dudamos que este es un disco notable, justito pero notable y que el anterior era aún mejor, sin duda uno de los mejores discos nacionales del 2008. Y sin embrago siendo justos, sí que hay algo de cierto en algunos reproches que reciben Vetusta Morla, justamente los que tienen algún argumento musical, porque es compresible que tú puedas opinar que su estilo, ese que los emparenta con los grupos Británicos de pop épico-sensible post Ok Computer, que idolatraban a Radiohead y Jeff Buckley, abundaron en el final de los noventas y principios de la pasada década como Starsailor, Coldplay, Lowgold, Embrace ... nunca fue un estilo demasiado alternativo y que además ya esta demasiado visto, incluso en algún que otro grupo nacional, o que sus letras son demasiado rebuscadas llegando a cruzar la linea de la pedantería en más de una ocasión. Esos argumentos y no que quinceañeros abarroten sus conciertos, son los que sí se pueden aceptar en contra de Vetusta Morla.
Centrándonos pues en lo que importa, Mapas es un disco algo inferior a Un Día En El Mundo, lo es por una segunda parte llena de altibajos y principalmente porque le faltan algunos temas tan frescos e inmediatos como eran "Salvese Quien Pueda", "Copenhague", "Al Respirar" o "Sharabbey Road" que fueron los responsables máximos de su éxito comercial . De los que aquí deberían cumplir ese cometido, resultan fallidas "Maldita Dulzura" donde intentan acercarse a un pop mas latino y "Canción envuelta" que queda muy lejos de la preciosa balada épica que era "Año Nuevo" y quizás sea "Lo que te hace grande" la que más convenza a sus fans, mientras las más contundentes "En El Río" y la muy lograda "Mapas" se conviertan en las más coreadas en sus directos. Aún así, este disco es una continuación continuista de su debut, con una producción algo más cargada pero con un sonido similar y es en los temas donde más se acercan a los Radiohead menos experimentales, esos que sirven a sus fans para defenderlos de las acusaciones de mainstream, donde igualan o incluso superan su debut. Así la inicial "Los Días Raros" se convierte en el mejor tema del álbum y de largo uno de los mejores temas nacionales de lo que va de 2011, un punto por debajo de ella, pero muy destacadas, se sitúan las más guitarreras "Boca En La Tierra" y "Escudo Humano". Son los tres temas más destacados de un álbum que mantiene un nivel alto en su primera parte, donde a "Los Días Raros" y "Boca En La Tierra" se suman las nombradas "Lo Que Te Hace Grande" y "En El Río", más "Baldosas Amarillas" bonita balada algo afeada por una letra pretenciosa en exceso y "El Hombre Del Saco" muy rítmica y contagiosa. La segunda mitad, a pesar de incluir tres temas como "Escudo Humano", "Mapas" y "Cenas Ajenas", precioso medio tiempo que crece con las escuchas hasta colocarse solo un paso por detrás de las destacadas del álbum, pierde algo de fuelle al contar con los temas menos inspirados, "Maldita Dulzura", "Canción Envuelta" y la final "Mi suerte" un medio experimento que se convierte en un horrible final para el disco.
Repitiendo algo que ya comentabamos con grupos como The Vaccines o TPOBPAH, sabemos que será difícil que Vetusta Morla sea un grupo trasscendente, pero es altamente disfrutable por la gente gustó en su momento del pop emotivo de tintes épicos de "The Bends", "Love Is Here" o "Parachutes" ó para esa gente que empieza a descubrir la música alternativa y todavía no esta preparada para dar el salto definitivo.
Si eres de los que no te va su estilo por convencional y pretencioso, no hace falta que lo intentes de nuevo, pero espero que si te gustaron antes, ahora no te achantes, cualquiera puede soltar un "como te pueden gustar esos", incluso gente con cultura musical cero, pero no olvides que antes que los fans de Vetusta Morla lo vienen sufriendo los de artistas con carrera tan intachable como Love Of Lesbian o incluso ¡Nacho Vegas! tras su último trabajo. Es más recuerdo ahora, unos cuantos plumillas hace más o menos un año, atacando desde sus respectivos púlpitos a Arcade Fire con argumentos muy similares a los que se escuchen contra Vetusta Morla, así que tú a lo tuyo, disfruta el álbum y sus grandes conciertos, aunque estén llenos de groupies.

CRÍTICA : RUSSIAN RED - FUERTEVENTURA

PUNTUACIÓN (sobre 10) - 7,4

Las dos próximas críticas van sobre dos casos con similitudes dentro del panorama musical patrio, artistas desconocidos que desde una discográfica indie obtienen un tremendo éxito inesperado con su debut, el cual conlleva controversia a su alrededor. Una controversia que los lleva a arrastrar una buena legión de detractores furibundos que los ven como unos falsos indies, unos mainstream intrusos con poca calidad y mucho artificio. Este es el caso de Lourdes Hernandez y aún en mayor medida de Vetusta Morla, a los que dedicaremos nuestra próxima crítica, pero el éxito en los últimos tiempos de unos cuantos grupos de nuestro panorama indie hace que algo parecido venga sucediendo de un tiempo para acá y no solo con recién llegados como estos. Centrándonos ya en Russian Red, los principales reproches que recibe de estos detractores son la actitud e imagen de la propia Lourdes, la excesiva aparición tanto en televisión como en radios y conciertos con el éxito de I Love Your Glasses, la ruptura con su compañía para firmar por una multinacional y una música soporífera. Con todo esto rodeándola y con los numerosísimos fans cosechados con su primer largo, las expectativas para el siempre difícil segundo álbum podrían haber supuesto una presión insoportable para alguien tan joven y de apariencia tan frágil, pero no ha sido así.
En este segundo trabajo, Lourdes Hernandez lejos de dejarse llevar por el éxito, ha dado un paso adelante, se ha ido a grabar a Escocia con Tony Doogan de productor y con músicos de Belle & Sebastian y dota al disco de un nuevo sonido con un pop luminoso que a veces se acerca inevitablemente a los de Stuart Murdoch y siempre impregnado de un aire de pop clásico, todo sin abandonar los temas de folk pop intimista que bordaba en su primer álbum. Y justo así, partiendo de esos mimbres, se inicia de una manera sobresaliente este Fuerteventura, con dos temas de magnifico pop luminoso como "Everyday Everynight" y "The Sun The Threes" posiblemente la mejor del lote, un tema que figuraría en cualquier recopilatorio de éxitos de Belle & Sebastian, seguidos de dos temas más acorde a lo que esperábamos de ella como son el precioso single "I Hate You But I love You" más instrumentado pero con la esencia de su debut y "Braver Soldier" con un impresionante piano que la acerca a lo mejor de la gran Cat Power, sin duda la otra gran joya del disco. A partir de aquí el álbum decae un poco, porque hay algún altibajo pero aún así sigue estando a un notable nivel y da paso a una segunda parte más variada. "Fuerteventura" y "The Memory Is Cruel" continúan la alternancia, la primera con un alegre espíritu poppie, la segunda recordando a sus antiguos temas pero envuelta en una cuidada instrumentación. Después "Tarantino" se sirve de guitarras fronterizas y "My Love Is Gone" se adorna de un pop elegante con cierto toque electrónico, convirtiéndose ambas en dos agradables sorpresas, mientras que "January 14th" vuelve al pop luminoso aquí con sonidos surferos. El álbum tiene en su recta final los dos temas más parecidos a los de su primer trabajo, aunque ambos con un nivel inferior a los de aquel, "Nick Drake" y "A Hat". Cierra el disco la mayor sorpresa, "Mi Cancion 7" una canción rockera, demasiado corta y algo monótona pero con buenas guitarras y donde demuestra que puede desatarse y obtener resultados satisfactorios, ojalá su próximo esfuerzo pueda incluir algún tema más de este corte, permitiéndole seguir ampliando su sonido y sorprendernos de nuevo.
Es pues este Fuerteventura un disco muy notable, que quizás guste menos a los que gustan del folk pop intimista del anterior, pero que permite escuchas para momentos diferentes y que de momento acalla merecidamente todas esas críticas de las que hablabamos al principio. Por mi parte, casi ni me fijo en la imagen de ningún artista, ojalá sobrexpongan su música y no la que suelen sobreexponer los medios de este país y Sony Music le ha permitido grabar con unos excelentes profesionales que han ayudado a un cambio de sonido en ciertas partes del disco que hace que tenga poco de soporífero. Poco más que decir , hablando exclusivamente de música, dos estupendos discos es lo que queda.

CRÍTICA : THE VACCINES - WHAT DID YOU EXPECT FROM THE VACCINES

PUNTUACIÓN (sobre 10) - 6,8

Esta va a ser una crítica express, porque The Vaccines es un grupo express. Lo es su éxito, la adictividad de sus temas y me temo que lo será su desaparición de la prensa musical. Han entrado con buen pie, en más de un sitio habréis leído/oído eso de que su disco es lo que se esperaba del nuevo de los Strokes y no fue. Es curioso porque de todos los grupos que triunfaron con revivals diversos en la pasada década, los Strokes son de los que menos influyen en este álbum. Porque a pesar de que en casi todas las reseñas de este disco se nombre a un montón de grupos míticos de los setenta y ochenta, lo que realmente influye en The Vaccines son grupos como Editors e Interpol, con un punto a los Manic Street Preachers de "Motorcycle Emptiness" en sus canciones más pausadas ( "A Lack Of Understanding", "Post Break-Up Sex", "All In White" ...) y grupos como The Libertines o Maximo Park en sus temas más espídicos, donde también dejan clara su querencia por el Hooligan Rock ("Wreckin´ Bar", "If You Wanna", "Norgaard" ...). Queda claro entonces que The Vaccines son un refrito de refritos, y también que hay mucho periodista que no tiene verguenza en alabarlos sin reticencias, a pesar de haber acribillado estos años a muchos de los grupos en los que claramente se basan.
Nos queda entonces entender, hasta el punto posible, la excelente aceptación que esta teniendo el álbum entre crítica y público. Para empezar hay que destacar que aunque hay algún tema que baja bastante el nivel ("Westsuit" y "Family Friend" sobre todo), hay unos cuantos hits irresistibles en este largo, canciones que se pegan a tu cerebro desde el principio y que te hacen cantar como un loco, usando de micro lo primero que encuentras por casa. Destacaremos dos que firmarían sin dudar los grupos que antes citamos para incluirlas en sus mejores trabajos, "Post Break-Up Sex", grande desde el titulo, entre las más tranquilas y la adictiva "If You Wanna" entre las más arrolladoras. Y quizás la clave la den los propios The Vaccines en el adecuadísimo titulo del disco, que esperas de ellos es sin duda muy importante. Si esperas un álbum completo y profundo, que aporte algo nuevo y permanezca como obra importante con el paso del tiempo, has errado el grupo, sin embargo si lo que esperas es un álbum que te levante del asiento con unos cuantos temas redondos y que te haga recordar porque disfrutabas hace unos años con unos cuantos grupos que parece que han bajado el nivel definitivamente, estas en el sitio correcto, solo dale al play y disfruta.