CRÍTICA : BRIGHT EYES - THE PEOPLE´S KEY

PUNTUACIÓN (sobre 10) - 5,8

El nuevo álbum de Conor Oberst esta lejos estilísticamente de sus anteriores trabajos como Bright Eyes y mas aún de los más recientes trabajos en solitario, con la Mystic Valley Band y en el supergrupo Monsters Of Folk. Al igual que hiciera en Digital Ash In A Digital Urn, se aleja de su acostumbrado sonido de raíces americanas para acercarse al pop, en aquella ocasión era un pop con tintes electrónicos y en esta intenta acercarse a un indie pop-rock más variado al igual que en sus dos primeros trabajos, pero que aquí se divide en una mitad de canciones power-pop, algunas con sonido y espíritu ochentero de esas que sonarían en cualquier película romántico-juvenil que tanto triunfaron en aquella década y otra mitad que contiene pop con algo de electrónica y tres canciones que desde el pop se acercan bastante a su sonido clásico. Lo más destacado del disco es una de estas últimas "Ladder Song", lo cual deja claro que su giro estilístico no le ha favorecido.
Entre las canciones más power-pop del álbum encontramos varias de escucha fácil, que se guían de claras influencias ochenteras, son "Shell Games", "Jejune Stars", "Haile Selassie" y "Begginner´s Mind". Destaca sobre ellas la más canónica de todas "Triple Spiral " que recuerda mucho a Weezer dejando a un lado las influencias ochentas.Los temas de ligero toque electrónico son la monótona "Approximate Sunlight" y la más rítmica "One For You, One For Me" que despide el disco con la sensacion de que quizás se equivocó al no tirar más por este estilo. La inicial "Firewall" que contiene unas guitarras clásicas muy resultonas que la hacen estar entre lo mejor del disco, sobre todo si obviamos la introducción hablada que la perjudica claramente, al igual que cuando aparece en mitad y final del disco, la fallida "A Machine Spiritual" y la balada al piano "Ladder Song", la mejor como comentábamos, son los temas que podrían pertenecer a algunos de sus discos anteriores.
Es difícil hoy en día aportar algo nuevo a un estilo como el power-pop, sobre todo si te limitas a utilizar las claves más clásicas del estilo. Quizás es por esa elección de estilo donde empieza lo fallido de este intento, no lo se, pero lo cierto es que al igual que le sucede al último de Ryan Adams este trabajo esta entre lo más bajo de la discografía de Bright Eyes. Aún así tiene momentos de calidad este The People´s Key y es bueno que alguien tan productivo como Conor Oberst se muestre inquieto a la hora de componer nuevo material, aunque de momento esperemos con impaciencia que vuelva a publicar trabajos de fok-rock americano tan notables como Cassadaga o Lifted Or The Story Is In The Soil,Keep Your Ear To the Ground, o ya puestos uno sobresaliente como I´m Wide Awake It´s Morning.

CRÍTICA : THE PAINS OF BEING PURE AT HEART - BELONG

PUNTUACIÓN (sobre 10) - 7,3

Cuando hace un par de años los de Nueva York aparecieron en el mercado musical con su debut homónimo, provocaron una doble reacción bastante extendida tanto en prensa como en público. Su disco contenía suficientes hits como para que la mayoría lo incluyeran entre lo mejor de aquel 2009, pero eso no impedía que sobre ellos el término hype sobrevolara insistentemente. Varias pueden ser las razones de esto, sin duda lo indisimulado de su refrito de influencias de finales de los ochenta y principios de los noventa es una, otra pudo ser su irregular directo, su nombre o su imagen. Lo cierto es que desde que los conocimos las dudas de cuanto durarían se hicieron notar y muchos apostaron que su segundo largo sería el fin de su éxito. Sin embargo, aquel mismo año publicaron su Ep Higher Than The Stars y sus aciertos no bajaban un ápice, además durante el año pasado editaron singles que mantuvieron la buena nota. Ahora llega este Belong y para sorpresa de muchos, no solo no se hunden sino que se mantienen al mismo nivel y si bien no despeja todas las dudas, pues sus influencias siguen siendo muy obvias, su imagen la misma y su nuevo directo todavía tenemos que valorarlo, la verdad es que aquí hay otra vez suficientes hits para que vuelvan a aparecer en las listas de lo mejor del año.
Ha habido alguna evolución en el sonido de TPOBPAH, por un lado los teclados son cada vez más protagonistas, por otro el contar con los míticos Flood y Alan Moulder en los controles ha llevado la producción a un sonido mas cuidado, donde las guitarras siguen sonando potentes pero menos distorsionadas, la instrumentación es más completa y ya nada suena a improvisado. Esto ha decepcionado a algunos fans, que veían en el aire lo-fi de su debut uno de sus encantos, pero lo cierto es que Belong triunfa desde donde lo hacía su primer disco, espíritu juvenil con un conjunto de influencias ochentas y noventas que van desde el twee pop al noise pop con algún acercamiento al shoegaze. Para ello siguen acercándose mucho a los grupos de Sarah Records unas veces, y otras a grupos emblemáticos de esos años añadiendo ahora algún nombre como Smashing Pumpkins y The Cure. Ese copia y pega que se aprecia en ciertas canciones es lo que más disgusta a sus detractores, pero lo cierto es que desprenden una energía juvenil y un acierto en las melodías que hace que sus temas sean fáciles de escuchar, se te peguen a la primera y no pares de tararearlas, importándote poco ya su falta de originalidad.
Desde el incio del álbum los hits inmediatos se suceden con "Belong" (merecidos royalties a Smashing Pumpkins por esas guitarras), siguiendo por "Heavens Gonna Happen Now" donde combinan a los Smiths con Teenage Fanclub o The Pastels consiguiendo uno de los mejores temas del disco y llegando al single "Heart In Your Hearbeat" tema bailable de estribillo hiper adictivo. Después del magnífico comienzo, "The Body" tema electro pop donde el teclado lleva el protagonismo y la más lenta "Anne With An E" bajan un punto el nivel, aunque sin defraudar."Even In Dreams" con un principio que recuerda a The Cars para dar paso a un arrebatador estribillo guitarrero recupera el ritmo del inicio y "My Terrible Friend" (royalties para The Cure por ese teclado) lo eleva convirtiéndose en uno de los hits mas instantáneos del grupo. La parte final del disco es la menos inmediata, incluye el tema más guitarrero "Girls Of 10.000 Dreams" donde intentan acercarse a The Jesus And Mary Chain, y aún sin conseguirlo del todo es una de las mejores canciones del álbum, a continuación "Too Tough" reduce ligeramente la revoluciones y así siguen en "Strange" precioso tema de aires Showgaze, que despide el disco en uno de sus puntos álgidos.
En definitiva siguen siendo un grupo que parece no marcará una época ni publicará un álbum definitivo, pero disfrutable al cien por cien y con un nuevo trabajo notable pese a todos los prejuicios, que parecen perseguirles cada vez menos, algo que ellos se ganan, haciendo disfrutar a muchos indies veteranos recordándoles su música favorita mientras hacen disfrutar con euforia a los más jóvenes. Ahora para rematar de convencer, esperamos unos buenos directos este verano.

CRÍTICA : MANEL - 10 MILLES PER VEURE UNA BONA ARMADURA

PUNTUACIÓN (sobre 10) - 7,4

Manel ha sido hace poco número uno de ventas en España. Con este su segundo esfuerzo han conseguido un hito complicado para un grupo que canta en catalán. Porque si bien las grandes ventas que consiguieron con su primer largo "Els Millors Professors Europeus" y la notoriedad que alcanzaron con sus directos, hacían suponer una buena acogida, esta ha sido mucho mejor que buena y demuestra no solo que arrasan en Cataluña, sino que su música empieza a escucharse por toda España. Grandes ideas pues el incorporar a su web la traducción al castellano de sus maravillosas letras, para que los que no tenemos ni idea de catalán, dejemos de usar el traductor de google, y el comienzo de una gira que los llevará por diferentes ciudades fuera de su comunidad, para que todos podamos comprobar si sus directos son tan mágicos como nos cuentan. A pesar de la barrera inicial del idioma, sin duda su música merece un esfuerzo. Las loas de la prensa musical catalana a los grupos de su comunidad a veces nos hacen desconfiar, pero este no es el caso.
Son Manel una banda que se mueve en un estilo pop-folk amable con cierta querencia a algunos cantautores catalanes como Jaume Sisa. Resulta fácil equipararlos con otros combos actuales y sobre todo a Beirut, pues comparten con los de Zach Condon el estilo pop-folk y la preciosista instrumentación que incluye gran variedad de sonidos con ukeleles, banjos, acordeones, teclados, pianos ... Tambien los arreglos son cuidados en Manel lo que les ha traído comparaciones con Sufjan Stevens aunque lo logrado por este en Illinois, es algo que a Manel y a practicamente todo el mundo, les queda muy lejos. Su punto mas inmediato y alegre, ese que tan buen resultado les dio en su debut, los emparenta con el aire desenfadado de Herman Dune, algo que en su nuevo álbum esta menos presente y ha dejado paso a un ligero acercamiento a esos grupos de pop-rock épico con tono dulce que tanto coparon la música británica tras el brit pop y el éxito de OK Computer.
Sin duda hay cambios con respecto a su primer disco, nada exagerado, pero han optado aquí por una producción aún más cuidada y por una rebaja de los temas festivos para tramar un álbum más sesudo. Los mejores temas son los que de nuevo los emparejan con Beirut, en este caso con el de The Flying Club Cup. Son, la inicial "Benvolgut" carta a un ex de la actual pareja, una muestra todas sus virtudes que no decaen en "La Cançó Del Soldadet" triste historia del soldadito que va a la guerra de conmovedora parte final, el recuerdo infantil de "Boomerang" y el fantástico cuento fantástico de amor que es "Aniversari".Los temas en que se acercan al pop británico de tintes épicos destacan menos, aunque van ganando con las escuchas, "El Gran Salt" con un punteo acústico que muchas veces hemos oído en Travis, "La Bola De Cristall" con suaves acústicas y dulces voces que recuerdan a grupos como Turin Brakes o esa batería marcando ritmo con piano de fondo y el pegadizo "que yo creia en tu" de "Flor Groga" a la que Snow Patrol añadirían una guitarra eléctrica comercial para volver a firmar un hit, que ocupara momentos álgidos de alguna serie televisiva de moda. A algunos les desagradará esta nueva sonoridad, incluso los medios más afines al grupo no la verán por ningún lado, pero lo cierto es que las bandas nombradas estarían encantadas de haber firmado estas canciones. La parte final del disco es la que más recuerda al primer álbum, desde la declaración de amor eterno que encontramos en"Criticarem Les Noves Modes de Pentinats", pasando por el tema en el que recuperan el tono alegre e inmediato que es "El Miguel I L'Olga Tornen" sin alcanzar el nivel de los temas de mismo corte de su debut, hasta la final "Deixa-la Toni, Deixa-la" de aires marineros, que también sale perdiendo en la comparación con "Corrandes De La Parella Estable" que cerraba Els Millors Professors Europeus.
Para terminar, hay quien los crítica por ser demasiado perfectos, excesivamente correctos, algo impostados vamos. Cierto es que si eres de los que disfruta del rock guitarrero y de la música más desnuda, poco disfrutarás de ellos, pero no menos cierto es que en lo suyo rayan a gran altura, sobre todo si además de escucharlos nos preocupamos de entender sus cuidados textos. Importante para los que los descubran ahora, el primer disco era aún mejor que este.

CRÍTICA : THE STROKES - ANGLES

PUNTUACIÓN (sobre 10) - 5,6

Cinco años después ya esta aquí su esperadísimo cuarto largo y al igual que sucediera semanas atrás con lo último de Radiohead, una pequeña revolución se ha desatado entre prensa y fans. Cientos de críticas aceleradas, la mayoría negativas y confrontación entre los que lo consideran un mal disco y los más adeptos que acusan de que se crítica por que son The Strokes y nada más. Es lo que tiene ser un grupo que, pese a quien le pese y sin inventar nada, revolucionó el universo musical hace ya diez años con la publicación de "Is This It". Que sí, que en aquello influyó mucho la incipiente prensa musical busca hypes del momento, lo bien que cuajó la imagen de los chicos y la necesidad que había de un regreso al rock en aquel momento pero todo eso da igual, aquel era un disco sobresaliente, repito pese a quien pese. Su segundo "Room On Fire" los confirmó como unos magníficos creadores de hits de aires retro, de menor calidad que su debut pero un trabajo notable que los mantuvo en lo más alto. Fue en "First Impressions Of Earth" cuando las primeras dudas llegaron, sobre todo dentro del propio grupo. Quiza todo lo que significaron fue demasiado para ellos.
Leyendo todos los problemas que han tenido durante la grabación del álbum (mal ambiente y tensión entre los miembros, Casablancas mandando las voces por mail, Albert Hammond con problemas de drogas ... ), uno mantiene esa impresión y escuchándolo nos deja la de que The Strokes no son ahora un grupo propiamente dicho. Por que si echamos un vistazo a todas esas críticas que circulan, pocas encontraremos que no coincidan en una cosa, este es un trabajo totalmente disperso que deja una clara sensación de que cada miembro ha aportado sus canciones de manera practicamente individual. Porque ahora en The Strokes todos los miembros aportan en la creación de los temas después de iniciar sus carreras en solitario (las únicas algo meritorias los discos de Albert Hammon Jr. y el del grupo del batería Fabrizio Moretti, Little Joy) durante estos cinco años. Y lo hacen agregando cada uno unos gustos bien diferentes. Esta dispersión es uno de los grandes defectos del disco, el otro el excesivo mimetismo a ciertos estilos y grupos en algunas de las piezas además de fallar claramente en alguna de ellas.
Considerando este un álbum de temas sueltos, nos centramos en ellos empezando por los mejores, que son los que recuerdan a sus primeros trabajos. La más destacada es sin duda el single "Under Cover Of Darkness" una canción directa y efectiva con guitarras irresistibles y que al igual que ocurría con "You Only Live Once" en su tercer álbum nos muestra que todavía son capaces de crear los hits que los encumbraron. Dos temas más de la primera muestran la misma capacidad, aunque en principio recuerdan algo al disco en solitario de Julian Casablancas ambas al llegar los estribillos se disparan y se muestran adictivas y de nuevo con estupendas guitarras, son la inicial "Machu Picchu" y sobre todo "Taken For A Fool". Dentro también de la primera mitad encontramos "Two Kind Of Happiness" un tema dual, donde las estrofas se muestran como una imitación sonrojante de The Cars y de la forma de cantar de Rick Ocasek y con un estribillo que cambia con unas guitarras de aire metalero que forman un batiburrillo sonoro que la verdad acaba agradando. "You´re So Right" es un tema electrónico, oscuro al estilo de These New Puritans con un fraseo al principio que recuerda a Radiohead y que no funciona siendo lo peor de una primera parte bastante buena, de echo si la segunda fuera igual estaríamos hablando de un disco notable. Pero en la segunda mitad es donde se muestran más difusos, empezando por "Games" un facilón tema pop electrónico con estribillo a lo Pet Shop Boys que mejora algo en su parte final cuando entran las guitarras y Casablancas se suelta un poco. Después "Call Me Back" es una balada desnuda que empieza con un ligero toque brasileño pero falla según avanza y se convierte en algo indescifrable. De sorprendente (y a estas alturas del disco ya era difícil) podemos calificar su acercamiento al lado glitter del glam en "Gratisfaction" que además recuerda al "The Boys Are Back In Town" de Thin Lizzy, un tema que puede que se convierta en un himno en sus conciertos si lo interpretan en plan fiesta. De sonrojante de nuevo podemos calificar su imitación de las operetas grandilocuentes de Muse que es "Metabolism" donde Casablancas se confunde a veces con el propio Matt Bellamy (ya puestos podían haber imitado los temas más directos de los primeros trabajos de los británicos). Rematan con "Life Is Simple In The Moonlight", un tema ochentero con una guitarra muy a lo Television, lo mas salvable de un tema que no llega a conseguir explotar del todo.
En definitiva, y dentro de lo malo, este no es un buen disco, le falta cohesión, que Casablancas y Hammond tomen de nuevo el mando, que aclaren sus influencias y que entiendan que es lo que hacen mejor, que para evolucionar no es necesario cambiar de estilo y que es difícil sacar grandes trabajos si como parece no tienes muchas ganas de volver a reunirte con la banda. Pero por el otro lado, no se cuantas veces he escuchado los tres temas que me recuerdan lo que disfrute con ellos en sus inicios, y no me canso, y de echo me crezco pensando en oírselos en directo este verano en medio de sus clásicos, así que si esto sirve para que vuelvan a comportarse como un grupo publicando discos y haciendo gira regulares, pues estupendo porque han vuelto a demostrar, aunque con cuentagotas, la facilidad que tienen para crear hits irresistibles dentro del estilo que mejor se les da.

CRÍTICA : KURT VILE - SMOKE RING FOR MY HALO

PUNTUACIÓN (sobre 10) - 7,6

Cuarto trabajo en solitario de este joven guitarrista de Filadelfia, a lo que hay que sumar algún Ep más el álbum de debut de su banda (aunque ahora esta apartado de ella, para seguir con su carrera solista) The War On Drugs, un lujo de música folk rock de influencias Dylanianas. Mucho publicado si tenemos en cuenta que empezó en el 2008, incluso aunque en el disco de The War On Drugs, el peso lo llevase su compañero Adam Granduciel, que en este trabajo aparece como músico y compone un tema junto a Vile. Mucho y bueno. Es por eso que entre la prensa especializada y los fans de la música indie, su nombre empieza a sonar sin parar y no son pocos los que se preguntan si estamos ante un nuevo gran genio a tener muy en cuenta para los próximos años.
Para definir musicalmente a Kurt Vile, la mayoría han recurrido a nombres clásicos del rock. Los más repetidos, Bruce Springsteen Tom Petty, Neil Young y Bob Dylan. Aunque algo hay, cualquier fan de estos artistas o de los que aún citaremos, que pretenda encontrar aquí algo similar a ellos, se llevara una decepción. Otros nombran a Jef Fahey (por su estilo a la hora de tocar las guitarras acústicas) y a Lou Reed y la Velvet Underground, sobre todo por canciones como las finales de este Smoke Ring For My Halo. En realidad Kurt Vile tiene un estilo que trata de revisionar el folk y el rock clásico, y en eso entran muchas influencias, desde todas las nombradas anteriomente a otras muchas que pueden ir desde otros clásicos como John Mellencamp y los Derek and The Dominos o Rory Gallagher más rockeros y menos blues, hasta grupos de finales de los ochenta claramente influenciados por la Velvet como Spacemen 3 o Galaxie 500, y seguro que es un gran fan de Elliott Smith. Todas estas influencias las amasa para acabar consiguiendo un estilo propio bastante genuino, en el que aunque están claras nunca son demasiado evidentes.
Desde su primer disco Constant Hitmaker, la evolución de su sonido ha sido pequeña pero constante. Y es en este álbum, segundo para Matador donde la progresión ha sido más clara. Sin duda el mayor paso esta en la producción del álbum, a cargo de John Agnello (The Hold Steady, Sonic Youth, Dinosaur Jr.) quien a pesar de lo que podríamos pensar por las referencias, ha ayudado a que el sonido del álbum sea mucho mas suave y ensoñador que los anteriores trabajos de Vile. El de Filadelfia va perdiendo el espíritu lo-fi, pero ha ganado en homogeneidad, ha perdido aquellos arrebatos de los anteriores discos, pero ha conseguido un ritmo que permite escuchar el disco como un todo, haciendo que la escucha se pase volando, ha perdido algunos temas de aire más experimental pero ha logrado un disco más amable para el publico. Ojo, a pesar de esto no es Smoke Ring For My Halo un trabajo para todos , no hay estribillos fáciles y necesita de escuchas para ir atrapándonos con sus logradas melodías.
Lo último a destacar, hablando de las melodías, son las magníficas guitarras que pueblan todo el álbum, protagonistas absolutas de su carrera, Kurt Vile se muestra magnífico tanto como compositor como de ejecutor. Consigue ritmos y melodías perfectas, con las acústicas de más folk como en las rítmicas "Baby´s Arms" y "Runner Ups", en las más pausadas "On Tour" y "Smoking Ring For My Halo" o en el maravilloso punteo de "Peeping Tomboy". Y también con las eléctricas, en los temas más rock como en los solos de "In My Time" o "Puppet to the man", esta con aires blues, y en la rítmica de "Society Is My Friend". Destacar dos canciones por encima de todas, "Jesus Fever" con una melodía alucinante mezcla de punteado de acústica con rítmica eléctrica y "Ghost Town" una estupenda revisión de la Velvet Underground por un tipo que piensa en folk sin olvidar el sonido de los grupos alternativos de la segunda mitad de los ochenta.
Es este sin duda su mejor trabajo hasta la fecha, quizás la mayor parte de sus fans encontraran su tema favorito en los discos anteriores, pero este es el más completo. Pero creo que todos los que lo escuchamos tenemos la impresión de que aún no ha alcanzado su máximo y su disco definitivo no ha llegado todavía, pero le falta poco.

CRÍTICA : R.E.M. - COLLAPSE INTO NOW

PUNTUACIÓN - 7,0

Hace tres años los de Athens sorprendieron agradablemente con Accelerate, un trabajo que haciendo honor a su titulo, nos mostraba a unos R.E.M. rápidos, directos y guitarreros, recuperando buenos tiempos pasados y cerrando de un plumazo una etapa en la que habían tocado fondo y que nos llego a hacer pensar en el peor futuro para ellos. Como perros viejos que son, y para aprovechar la buena acogida que logró de crítica y público, no faltan en este nuevo disco canciones que perfectamente podrían estar incluidas en su anterior largo. Pero no es Collapse Into Now una continuación de Accelerate. Ahora la idea de recuperar sonidos del pasado, se hace más extensa y además de los temas guitarreros, nos encontramos con temas más variados que nos retrotraen a la época de más éxito comercial del grupo,y en especial a Out Of Time y Automatic for the People.
Los temas más guitarreros e inmediatos, los que más nos hacen recordar Accelerate se distribuyen a lo largo de todo el disco. Desde la contundente "All The Best", pasando por la pegadiza "Mine Smell Like Honey" con su estribillo trufado de voces que recuerda alguno de sus mayores hits y la directa "Alligator_Aviator_Autopilot_Antimatter" con Peaches en las voces que nos traerá a la mente los temas más guitarreros de sus primeros discos, hasta llegar a los menos de dos minutos de "That Someone Is You" una fantástica perla de aires power pop que esta entre lo más logrado del álbum. También podríamos incluir en este grupo la inicial "Discover" aunque tiene un aire de AOR duro que se distancia de la inmediatez y frescura que destilan el resto de canciones guitarreras del disco. Todas podrían pertenecer a Accelerate aunque no superan la calidad de los temas de aquel, quizá sea porque durante la escucha del disco me he preguntado varias veces si el bueno de Mike Mills estaba de vacaciones, se echa mucho de menos, sobre todo en estos temas, un bajo mucho más presente y contundente.
En el otro grupo de temas, los menos urgentes nos encontramos los cuatro consecutivos de la primera mitad del álbum, canciones que claramente recuperan el sonido de por un lado Out Of Time, incluidos los juegos de voces y la mandolina de Peter Buck en las estupendas "Oh My Heart" y "It Happened Today" aquí con la colaboración casi irreconocible de Eddie Vedder y Joel Gibb líder de The Hidden Cameras, y por otro lado las que regresan a las guitarras acústicas y los pianos de Automatic For The People, las menos logradas "ÜBerlin" y "Everyday Day Is Yours To Win". Ya en la segunda mitad aparecen un par de baladas que siguen el mismo camino, como la fantástica "Walk It Back", con un genial piano y una no menos genial voz de Michael Stipe y la acústica "Me, Marlon Brando, Marlon Brando And I", para rematar el disco con "Blue" de nuevo en colaboración con la enorme Patti Smith, muy en el estilo de "E-bow The Letter" de New Adventures On Hi-Fi aunque aquí con Stipe recitando la letra.
La verdad, le ha sentado bien a R.E.M. esta vuelta a sonidos del pasado que han llevado a cabo en sus dos últimos largos. Tan bien que uno se hace ilusiones y se regodea pensando en que Peter Buck habra tomado nota de lo bien que han quedado sus colaboraciones en el último trabajo de The Decemberists, y convencerá a sus compañeros de que su próximo esfuerzo debe ser recuperar el sonido de sus maravillosos cinco primeros discos. Sería el paso lógico. Ojalá.

CRÍTICA : P.J. HARVEY - LET ENGLAND SHAKE

PUNTUACIÓN (sobre 10) - 8,0

Tengo que confesar que no tenía grandes expectativas con el último álbum de P.J. Harvey. A pesar de que sus últimos trabajos me parecen notables discos, desde Stories From The City, Stories From The Sea (imprescindible, a pesar de que algunos no lo soporten), no tenía esa sensación entre asombrado y maravillado que me provocaron sus primeros discos. Quizá sea porque tanto en su anterior trabajo con John Parish como en Uh Huh Her encontrábamos una Polly Jean a la que ya conocíamos pero un peldaño por debajo de sus mejores obras, o porque White Chalk no conseguía todo lo que pretendía provocar, lo cierto es que no pensaba que este Let England Shake fuera a sorprenderme una vez más. Pero lo ha hecho, y lo consigue porque como otras muchas veces, vuelve a mudar de piel, sin dejar de ser ella misma. Se reinventa sin cambiar, como solo ella sabe hacerlo.
Se nos vendió este trabajo como un disco político, y eso nos hace comenzar hablando de las letras, a pesar de que los mayores logros que encontramos en este disco están en lo musical. Aclaremos que no nos encontramos textos estilo Woody Guthrie, pero si hay un evidente ataque al los males políticos que acechan en el mundo y concretamente en su país. Y a pesar de que no aparecen sus desgarradoras diatribas sobre las penurias del ser humano, no pierde fuerza al mostrarnos como hilo conductor los horrores de la guerra con su habitual contundencia.
Let England Shake es un disco que crece a partir de la voz, más aguda y a la vez dulce y suave que nunca, y de una instrumentación densa en la que todo suena equilibrado. No hay en este disco guitarras desgarradoras ni toques electrónicos furiosos. Todos los instrumentos se conjugan de una manera perfecta, llegando en diversos momentos a sonar casi ambientales, con un aire de indie rock moderno y actual . Y todo esto sin perder fuerza, pues durante el devenir del disco esa furia interna, casi bélica que siempre ha tenido la británica va aflorando bien en un quejido agudo de su voz, bien en un toque de corneta militar, bien en unos coros masculinos que atronan un estribillo, bien en una guitarra que parece querer estallar y no puede ... Los fans de su vertiente más fiera, los que se sintieron decepcionados con White Chalk, no deberían renunciar de antemano a este nuevo trabajo, pues a pesar de la instrumentación más limpia, el ritmo del álbum es intenso y el calado emocional profundo, contando con unos cuantos temas que podrían encajar en cualquiera de sus discos clásicos.
Desde el logrado sonido del disco la artista roza diversos estilos, algunos comunes en su carrera otros totalmente novedosos, todos se adaptan perfectamente en el entramado del disco, por diversos que sean. Desde el pop de "Let England Shake", al toque gaélico celta de la sorprendente "On Battleship Hill", pasando por el folk en "England", haciendo de ella misma en las magníficas "The Last Living Rose", "In The Dark Places" y "Bitter Branches" hasta con los aires World Music de "Writen In The Forehead", todo suena bien conjuntado y es difícil escoger favoritas entre los doce temas que componen el álbum.
Polly Jean no volveré a dudar, ojala todos maduraran como tú.

CRÍTICA : NACHO VEGAS - LA ZONA SUCIA

PUNTUACIÓN (sobre 10) - 7,4

El último trabajo de Nacho Vegas ha creado cierta división entre sus fans y ha recibido ciertas reseñas bastante perdidas que hablan de mainstream o incluso de ¡¡canción ligera!!. Cierto es, que este La Zona Sucia, presenta un sonido mas limpio y luminoso que sus antecesores (siguiendo un camino empezado tiempo atrás y que ya se apreciaba en varios temas de su anterior Manifiesto Desastre), donde cada vez se impone más el fantástico piano de Abraham Boba, perdiendo protagonismo las guitarras. Tampoco se puede negar que nos encontramos aquí un conjunto de canciones más directas que nunca, con una contención en el minutaje desconocida hasta ahora, además de unas letras que se muestran en algunos temas un punto más optimistas que de costumbre (un punto, no exageremos). Y queda claro que Nacho Vegas deja atrás, definitivamente, ese aura de malditismo que el mismo se había creado. A algunos fans estos cambios les parecen excesivos, quizás asustados por la sorprendente entrada del disco en los puestos de honor en las listas de ventas (curioso que lo consiga ahora que se ha lanzado a la autoedición con Marxophone). Pero tan cierto como todo lo anterior, es que aquí de mainstream nada de nada, y que la mitad de los temas del álbum continúan con la temática y el sonido clásico en el asturiano.
Empezando por esos temas que siguen la senda clásica, abre el disco "Cuando Te Canses De Mi" que nos trae al Vegas que más nos recuerda a cantautores clásicos, como en sus primeros discos, aunque es cierto que no consigue emocionar como otras. Acto seguido "La Gran Broma Final" nos muestra al asturiano, en una de esas canciones de destripe de una relación terminada (sí habla de ella, para que negarlo), que siempre borda y que se convierte en uno de los mejores momentos del disco, nuevo clásico en sus directos sin duda."Incendios" es otro tema de cantautor de aires clásicos, más logrado que el inicial. Ya en la segunda mitad del álbum nos encontramos "La Comedia Humana" tema de corte épico que recuerda mucho al sonido de Desaparezca Aquí ,aunque guiado ahora por un magnifico piano, otro de los momentos álgidos del disco.Cierra el álbum "El Mercado De Sonora" canción confusa y axfisiante con la que parece querer dar un guantazo de antemano a los que hablarían de disco mas comercial.
De entre la parte del álbum, donde destacan más los cambios, podemos empezar por "Taberneros", aunque esta podría formar parte del otro grupo, pues es una canción muy Nacho Vegas, incluso es la más larga del disco, pero es una canción de desamor con una letra mucho más ligera de lo habitual y el coro femenino le da un toque nuevo. De coros, aunque de niños, hay que hablar también en "Perplejidad" y "Lo Que Comen Las Brujas", la primera es un tema con estribillo pegadizo, puede que lo más pop que halla escrito nunca. La segunda, contiene una de las mejores letras del álbum, además de una parada con palmas y un coro de esos pegajosos que no te sacas de la cabeza (por ahí se habla del himno del Sevilla por las similitudes del coro, pero a la que realmente se parece y mucho con el coro y la parada con palmas es a "My Body Is A Zombie For You" del recomendable debut de Dead Man´s Bones). "Cosas Que No Hay Que Contar" es otro de tema de aires pop con una marcada melodía de piano que guía el estribillo. Y quizás la canción más luminosa del álbum sea "Reloj Sin Manecillas" con su dulce estribillo y su precioso entrelazado de guitarra y piano.
Es en definitiva y para terminar, La Zona Sucia un disco superior en conjunto a su anterior trabajo (que contenía algunos temas magníficos pero pinchaba en otros y se hacía algo monótono en su parte central), aunque no llegue a alcanzar el nivel sobresaliente de sus primeros discos. Un disco en el que continua evolucionando, para descontento de algunos (que quizá le afearían el repetir siempre los mismos discos, y que puede que no tengan tantos reparos en las evoluciones de grupos de fuera), y en el que se sigue echando de menos algo del espíritu rockero que sí había en Desaparezca Aquí, pero que lo confirma como uno de los lideres indiscutibles del indie patrio, con una discografía cada día más envidiable.

CRÍTICA : RADIOHEAD - THE KING OF LIMBS

PUNTUACIÓN (sobre 10) - 7,3

Cada nuevo disco de Radiohead provoca una pequeña revolución en el mundillo musical, y sobre todo llena las revistas y la red de críticas del álbum. La velocidad con que algunos escriben sus opiniones asusta. Horas después del lanzamiento en la página web del grupo, ya se podían leer abundantes reseñas en internet. Algo poco recomendable para cualquier trabajo, aún más para un grupo como Radiohead, que no se caracteriza por trabajos accesibles. Una de esas reseñas aceleradas, de el periódico con más tirada de nuestro País, para decir que no le gustaba el disco, echaba mano de un articulo de un crítico, que según el redactor era de lo más iconoclasta (peligro : crítico musical actual iconoclasta, normalmente igual a tipo que quiere hacerse un nombre a base de llevar la contraria), en el cual daba sus normas para ser crítico musical. Una de ellas sentenciaba : "Radiohead ya no hacen buenos discos, supéralo". Opinión preconcebida. Crítica inútil. En el lado opuesto, pero con el mismo defecto de base encontramos a los que ante la grandeza del grupo, el nuevo trabajo será buenísimo sí o sí. Tampoco falta quien para hablar de el nuevo disco, se refieren más veces a las obras maestras del grupo, que a "The King Of Limbs", con lo que no dan la información que buscamos. Sin duda todo esto lo provoca la grandeza que han alcanzado los de Oxford, aunque ni siquiera eso es excusa, para ciertos errores.

En este "The King Og Limbs" nos encontramos con unos Radiohead más continuistas que en anteriores trabajos. De hecho hay mucho del sonido de "The Eraser", de Thom Yorke, en la primera mitad del álbum, mientras que la segunda suena mucho al anterior "In Rainbows". Aunque en el concepto este álbum es opuesto a su anterior entrega, pues allí nos encontrábamos un trabajo variado, con temas que entraban a la primera, accesible (dentro de los parametros de Radiohead) y "The kings Limbs" es un trabajo difícil, de ritmo monocorde, sobre todo en su primera parte, sin casi estribillos ni un single evidente (han elegido lo más parecido "Lotus Flower").

Lo más negativo del álbum es la distribución de los temas, que provoca la monotonía rítmica de la primera parte, con los tres temas iniciales de sonido electrónico y aires jazz que recuerdan momentos de "Amnesiac", perdiendo fuerza por estar juntos, para despues dar paso a "Feral" un instrumental electrónico que abunda en el ritmo de las anteriores. En la segunda mitad tampoco ayuda el hecho de que los dos temas más lentos del disco, las estupendas "Codex" (magnífico piano) y "Give Up The Ghost" (preciosa guitarra acústica) suenen seguidas. Otro punto negativo, es la ausencia casi total de guitarras, más teniendo en cuenta que las dos suaves apariciones de punteados en "Morning Mr. Magpie" y "Separator" se encuentran entre lo mas destacado del álbum. Desde luego Radiohead son más grandes cuando más usan todas sus armas.

En el aspecto positivo cabe destacar ese in crescendo de calidad que lleva todo el álbum mejorando conforme avanza su minutaje, con una segunda parte muy lograda, terminando con "Separator" tema que refleja lo que ha provocado el disco, pues hay quien la considera una joya, culmen del disco y otros la ven como el tema más flojo. Yo me alineo con los primeros, desde ya un clásico del grupo, con esa adictiva guitarra que entra en la mitad de la canción que hace que nada más terminar lo primero que quiera hacer es volver a escuchar el álbum. Es este además un trabajo que como casi todos los de la banda crece con cada escucha, y lo hace a pasos agigantados. Por eso no conviene rendirse ante la pesadez que provoca la primera mitad de "The King Of Limbs", pues alguno de esos temas pueden acabar convirtiéndose en tus favoritos con las sucesivas escuchas.

Parar terminar unas cuantas ideas importantes. Este no es uno de los mejores discos de Radiohead, pero es un buen disco. No creo como se dice, que este disco sea la confirmación de Thom Yorke como líder absoluto de la banda, eso ya fue hace mucho tiempo. Esta y todas las críticas que leáis sobre este álbum, positivas o negativas, tendrán en común la total o casi total ausencia de referencias a otros grupos (y el 99% de las que nombren algún grupo, serán grupos que suenan como Radiohead, no lo contrario), muy pocos consiguen esto. No tengo ni idea de si este álbum tiene continuación, los argumentos de quienes los afirman son algo vagos (escasa duración del disco, doble vinilo físico o el titulo y la letra del último tema), pero si llega genial y si no, haber si la espera hasta su próximo trabajo no es tan exagerada como últimamente. Aunque años después hay quien sigue sin querer verlo, han entendido como nadie el fururo del mercado discográfico, y son sin duda el ejemplo a seguir. Aún así, 7 euros para una descarga de MP3 es excesivo para España, y no por ejemplo, para Alemania, creo que el precio debería ser diferente por países.

CRÍTICA : IRON & WINE - KISS EACH OTHER CLEAN

PUNTUACIÓN (sobre 10) - 7,2

Este cuarto disco (quinto si contamos el doble de caras B "Around the Well", sexto si añadimos "In the Reins" a dúo con Calexico) de Sam Beam esta dando mucho que hablar, y no es de extrañar pues si a cualquiera nos hubieran dicho hace 9 años cuando publicó su primer trabajo, que su cuarto álbum iba a ser, como es este "Kiss Each Other Clean" no nos lo hubiéramos creído ni locos. El aspecto del bueno de Sam, con su barba poblada, sus camisas a cuadros y el sonido de folk rock americano, de guitarra y voz, sencillo y clásico de aquel estupendo "The Creek Drank the Cradle" , prometían una carrera prolífica , repleta de grandes discos que le convertirían en uno de los cantautores folk de más peso en los años siguientes (para mí, lo ha sido). Pero las apariencias engañaban una vez más, y es este un músico inquieto, con ganas de experimentar y probar diferentes palos. Y aunque es ahora cuando todos lo vemos claramente, lo cierto es que ya nos había dejado pistas como para no sorprendernos. Porque su segundo trabajo "Our Endless Numbered Days" continuaba y mejoraba las prestaciones de se debut, añadiendo algún tema más trabajado. Su tercer larga duración, el sobresaliente "The Shepherd´s Dog" ya mostraba un cambio de sonido elocuente, mayor instrumentación y una clara presencia de arreglos tanto instrumentales como vocales. Y ahora continua con esa evolución, aunque es cierto que aquí el cambio es mucho mayor.
Porque este nuevo disco de Iron & Wine abandona la senda folk rock, para desaire de algunos de sus fans, y se introduce de lleno en un sonido más cálido que partiendo del pop, se deja caer por diferentes estilos, ayudandose de una cargada instrumentación con algo de electrónica, pianos, flautas, marimbas, vientos, saxos y también coros. Lo que no deja es de sonar a clásico, porque los estilos que recorre, tienen sus referentes en los setenta. Así que durante la escucha nos encontramos momentos folk pop, soft rock, funky, jazz e incluso algunos toques étnicos. Y todo guiado por la maravillosa voz de Sam, cada vez más dulce y también más arreglada, todo hay que decirlo.
El disco comienza con la letanía de aires gospel "Walking Far From Home" ( el tema que más recuerda a su anterior álbum), para enseguida dejar claro su intención con un medio tiempo con matices funk y blues como "Me And Lazarus". Despues "Tree By the River" junta a America y Crosby, Stills & Nash con un sonido de pop dulce, en "Monkeys Uptown" suena de todo con un estilo ligeramente electrónico y aires tropicales, para cerrar la primera mitad acercándose a James Taylor en "Half Moon". La segunda mitad continua picando de diferentes platos, desde la más experimental "Rabbit Will Run" que por momentos recuerda a Paul Simon o a Stevie Wonder, hasta la balada soft setentera "Godless Brother In Love" que habría hecho sentir muy orgullosos a JamesTaylor,Cat Stevens, Carole King ... y muchos otros. En "Big Burned Hand" experimenta de nuevo saturando la instrumentación con algo de Jazz y recordando a Frank Zappa en la parte final, y vuelta al soft setentero en "Glad Man Singing". Cierra el lote con los siete minutos de "Your Fake Name Is Good Enough For Me" tema rock dividido en una primera parte con mezcla de rock guitarrero y vientos de música negra, y una segunda de rock clásico setentero, con un in crescendo que eleva el final hasta el infinito.
Entiendo que es difícil puntuar este disco, un paseo por la red os mostrará a la revistas mas cool , que hasta hace poco puntuaban con notables sus trabajos y no le daban la cobertura que a trabajos de pop insustanciales le regalaban, darle ahora un sobresaliente y tenerlo entre sus favoritos del año. Por contra, publicaciones de corte más clásico trazan un camino inverso. Yo me sitúo más cerca del segundo grupo, porque es este un conjunto inferior a sus magníficos segundo y tercer Lp, con algunos temas que se hacen algo pesados, con un sonido algo cargado de más, y claro resulta fácil entender la decepción de los fans más tradicionales. Pero esto no quita para que este sea un trabajo notable, que parece iniciar una nueva ruta en su carrera y que puede llevarle a ser uno de esos pocos músicos que nos ofrecen discos sobresalientes en estilos diferentes. Con un poco de contención en la instrumentación y los arreglos, y consiguiendo que sus temas queden tan redondos como las geniales "Tree By The River", "Godless Brother In Love" y "Your Fake Name Is Good Enough For Me" (desde ya tres de los temas de este 2011), lo tiene hecho.

CRÍTICA : SMITH WESTERNS - DYE IT BLONDE

PUNTUACIÓN (sobre 10) - 7,3

Hace casi un par de años que descubrimos a estos chicos de Chicago, en su debut homónimo. Por aquel entonces andaban sobre los 18 años y fueron una grata sorpresa gracias a un trabajo que desde el Lo-Fi y el Garage, se agarraba a la influencia de T. Rex y su Glam Rock, para facturar un conjunto de temas , en apenas media hora, lo suficientemente frescos y adictivos como para que esperásemos con curiosidad sus siguientes pasos.
Y es ahora cuando nos llega este segundo álbum. Un trabajo que, aunque pueda parecer una contradicción, es muy diferente al primero y sin embargo mantiene ciertos puntos en común con aquel. Para empezar, el primer cambio importante es que ahora graban con Fat Possum, y además cuentan en la producción con el afamado Chris Coady (Yeah Yeah Yeahs, Tv On The Radio, Beach House ...). No se si debido a esto o por decisión exclusiva del grupo, el segundo cambio más importante que nos encontramos en este "Dye It Blonde", esta en el sonido, ya que no encontraremos ni rastro de Lo-Fi o Garage por aquí. Hace unos meses el grupo comentaba que sus nuevas canciones estaban claramente influenciadas por el Brit-pop de los noventa, pero no es eso lo que aparece en el disco, más bien entra en escena el Power Pop de grupos como Redd Kross o Teenage Fanclub. Y sin embargo hay algo que no cambia y es que el disco esta de nuevo totalmente imbuido por los sonidos Glam Rock de T. Rex y con algunos temas tipo himno que recuerdan también a los Mott The Hoople de "All The Young Dudes".
Algo que tambien consevan en este nuevo álbum, es la adictividad y frescura de los temas, de esos que consiguen que los poco más de treinta y cinco minutos que dura el disco, se te pasen volando y te dejan tarareando con el ánimo y el optimismo subido. Lo consiguen desde los temas donde se nota más su nueva influencia Power Pop como "Weekend" o "Imagine Pt. 3", con magníficos himnos Glam Rock como "Smile" o "Dye the World", y a través de mezclarlo un poco todo como en las logradísimas "End Of The Night" y "All Die Young".
En fin, para acabar reconocer que se me hace difícil imaginar el futuro de este grupo, son muy jóvenes y han demostrado una facilidad pasmosa para escribir grandes temas.Por otro lado tienen unas influencias clásicas a las que pocas novedades aportan y puede que eso juegue en su contra a la hora de labrarse una sólida carrera. Lo cierto es que de momento el difícil paso de un segundo disco más "profesional", por decirlo de alguna manera, lo han superado con nota, así que espero sigan encontrando la manera de evolucionar como han hecho hasta ahora. Lo que sí que puedo asegurar es que si eres de los que consideras que "Electric Warrior" es un discazo y disfrutas del pop de guitarras de los noventa, este "Dye It Blonde" te hará disfrutar como pocos discos actuales.

CRÍTICA : THE DECEMBERISTS - THE KING IS DEAD

PUNTUACIÓN (sobre 10) - 7,0

Cuando conocí el titulo del sexto disco de Colin Meloy y los suyos, me vinieron a la cabeza los Smiths y pensé que era un paso lógico, en este momento de su carrera, volver a sus inicios, claramente influenciados por aquellos. Pensé en que después de haber coqueteado con el éxito con el pop pastoral en "Picaresque" y con el algo mas prog (adelantando lo que vendría) "The Crane Wife", la mala acogida de su excesiva opera rock "The Hazards Of Love", ese era un paso lógico. Pero no van por ahi los tiros, demostrando otra vez, que son de lo más polifacético que te puedes encontrar en el mundillo musical actualmente.
Porque no hay nada hay en este "The King Is Dead" de los Smiths ni de el folk-pop pastoral o el chamber pop de anteriores trabajos. Y sin embargo al escucharlo te das cuenta de que si que hay aquí ese paso lógico del que os hablaba tras "The Hazards Of Love". Tras lo excesivo de aquel nos encontramos ahora un trabajo extremadamente sencillo y directo para lo que acostumbran, un disco de raíces de su Estados Unidos natal, que deja la sensación de haber sido grabado casi en directo.
Es fácil hablar del estilo del disco, "The King Is Dead" tiene diez temas, pues bien, siete son temas de country-folk americano, que recuerdan desde clásicos como Neil Young, Bob Dylan o Gram Parsons hasta el alt-country de grupos como Whiskeytown o The Jayhawks. Y los otros tres temas , son un homenaje(si no fuera un homenaje, casi se podría hablar de plagio) a los inicios de R.E.M. Para los primeros cuentan con la inestimable colaboración de una grande del country como Gilliam Welch y su marido Dave Rawlings, ademas de con la magnífica voz de Laura Veirs. Para los otros, que mejor que contar con el mismísimo Peter Buck a la guitarra.No hay nada nuevo ni diferente en este trabajo, los temas nos parece haberlos escuchado muchas veces ya, y sin embargo tiene algo que atrapa desde el principio.Quizás sea la voz, quizás la simpleza y honestidad de la interpretación. O será que temas como "Rise to me", "All Arise!" o "June Hymn" rozan la perfección dentro del country folk, y que los tres temas con Peter Buck, "Calamity Song", "Down By The Water" y "This Is Why We Fight" te levantarán y te harán contonear irremediablemente mientras piensas en volver a escuchar los primeros discos de R.E.M. , desde "Murmur" hasta "Document".
Algunos lo tacharan de disco menor, y se apoyaran en la falta total de originalidad (todos te nombrarán "The One I Love") y en la sencillez de los temas para afirmarlo, y tendrán parte de razón. Pero no hay duda, de que si tú disfrutas de los artistas antes citados y te apetece algo de música sencilla sin grandes piruetas estilísticas, encontrarás uno de tus discos favoritos de este principio de año.

CRÍTICA : RYAN ADAMS & THE CARDINALS - III / IV

PUNTUACIÓN (sobre 10) - 5,8

La verdad, me resulta imposible hacer una crítica de Ryan Adams, sin hablar casi más del personaje que de su nuevo trabajo. Con este nuevo álbum doble, recolección de temas descartados durante la grabación de "Easy Tiger", desde que empezara su carrera en solitario en el 2.000 son ya doce trabajos publicados (tres de ellos dobles), más algunos Eps , más una infinidad de trabajos que se pueden conseguir por Internet, más un álbum (dos Eps juntos) como The Finger junto con Jesse Malin, más incontables colaboraciones, y algún trabajo como productor. Vale esto para aclarar que Adams tiene incontinencia creativa, y esto que hace unos años a algunos nos parecía una bendición , empieza ahora a mostrarse como una de sus mayores ruinas. La otra sin duda es su cabeza. ¡Porque vaya cabeza!
Durante toda su carrera, el bueno de Ryan ha dado tantas muestras de genio, como de descerebrado, quizás más de lo segundo. Porque ha pasado de un exagerado divismo, a una época de excesivo consumo, que le hacía aparecer sin casi mantenerse en pie por los escenarios de medio mundo, a unos años de tranquilidad, que han dado paso a un supuesto retiro por hastío y a ser uno más dentro del mundo rosa americano por su boda con la estrella pop-actriz Mandy Moore ( lo siento solo la conozco por hacer de si misma en "El Séquito").
Todo esto no le ha beneficiado nada en su trabajo, y si lo sumamos a su nula contención y selección a la hora de publicar, sin duda explicaremos el porque su carrera se ha convertido en totalmente irregular, cuando al comienzo de la década pasada muchos hubiéramos apostado por él como el genio de la música americana de principios de siglo. No podemos olvidar que empezó muy fuerte su camino en solitario y que tiene en su haber una obra maestra como "Heartbreaker" y tres discos sobresalientes como son "Gold"( solo el divismo le impidió que esta fuera su segunda obra maestra), "Cold Roses" ( su primer trabajo con The Cardinals como banda de acompañamiento, era doble y le sobraban algunos temas pero rozaba la perfección en la mayor parte del minutaje) y "Jacksonville City Nights" (un álbum homenaje a su ciudad natal). El resto de su discografía es en conjunto de trabajos de nivel medio, a veces algo más alto ("Love Is Hell", "Easy Tiger"), otras más bajo ("Demolition", "29", "Cardinology").
Y en esas estamos con este "III/IV" otro de esos trabajos que podría haber publicado seleccionando lo mejor de las 21 canciones aquí incluidas. Porque es este un trabajo irregular, completamente alejado del alt-country que suele practicar para acercarse a un pop- rock guitarrero ( como ya hiciera en "Rock N Roll") , que acaba pecando de pesado por sus excesiva duración y por la proliferación de temas algo obvios y facilones, que lo acercan a algunas bandas de estadio o a esos grupos de indie-rock americano, hecho para adolescentes ligeramente más inquietos que los que se conforman con el pop más comercial del momento. Aún así el álbum comienza bien con cuatro primeros temas muy logrados y esconde algunos buenos temas más, que destacan por volverse más potentes ("Numbers", "Kill The Lights"), por casi mimetizar el sonido de sus otrora enemigos Strokes ("My Favorite Song", "Star Wars") o por parecerse mucho a si mismo ("Death and Rats" la mejor del lote).
Y poco más que decir, anda que me llegaría este pequeño párrafo para hacer la crítica si publicara un nuevo "Heartbreaker". Dudo que llegue ese momento, su trayectoria parece estancada en este nivel medio del que os hablaba, pero es sin duda este un tipo impredecible, así que confiemos ...

LOS MEJORES DISCOS DEL 2010

Bueno pues como casi todo el mundo por estas fechas, también aquí tenemos nuestra lista de los mejores del año. Pero me gustaría aclarar un par de cosas antes de nada, la primera es que estas listas son siempre muy subjetivas desde el momento en el que todo el mundo tiene unos gustos y ni siquiera juntando 100 redactores consigues hacer una lista completa de los diferentes estilos que existen, vamos quiero decir que no esperéis encontrar por aquí a Kanye West ni a LCD Soundsystem, aunque posiblemente sus discos sean de lo mejor del año, pero a disconcierto no le va su estilo. O sea que estos son los mejores discos para disconcierto y nada más. Lo segundo es que creo estas listas deberían de estar siempre abiertas, porque siempre se descubre algo nuevo y además muchas veces el tiempo cambia la apreciación de un disco.
Aclarar que la lista tiene diez posiciones, pero no quiere decir que sean diez discos (esta vez son 16), puede haber más de uno por puesto, por lo tanto el numero de discos por año no es fijo, eso da una libertad a la hora de hacer la lista muy agradecida. Los trabajos de los que ya hablamos, tienen su enlace a la crítica, los que no, llevan una pequeña reseña.


________LOS MEJORES DEL 2010 PARA DISCONCIERTO_______
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1. THE NATIONAL - HIGH VIOLET .
The National llevan tres trabajos de sobresaliente consecutivos, algo al alcance de muy pocos. Que las portadas y las más altas posiciones de estas listas, no les correspondieran con sus dos anteriores trabajos es una injusticia. Y con este "High Violet" no bajan un mínimo la calidad. Facturan un trabajo menos guitarrero sí, pero a cambio nos entregan un conjunto de temas sin casi ningún bajón, temas llenos de elegancia y clase. Una primera escucha, aún con temas que nos impactarán a la primera como "Terrible Love", "Afraid of Everyone" o "Bloodbuzz Ohio", podrá darnos la impresión de cierta monotonía o madurez mal entendida, impresión que desaparecerá con las sucesivas escuchas al atraparnos cortes como "Anyone´s Ghost", "Lemonworld", "Conversation 16" o la mejor de todas "England", temas que crecen con cada escucha hasta alcanzar el infinito. .Rock eterno, de uno de los desde ya, mejores grupos del mundo en la actualidad. Aún con todo en vuestras revistas favoritas, vereis muchos discos de electro popsaltarinbailable de grupos de los que en cinco años no se acordará nadie, muy por delante de este en sus listas, así anda la cosa.


2. DEERHUNTER - HALCYON DIGEST
Cada vez mejores, recomendado para fans del indie en general.
Crítica : http://disconcierto.blogspot.com/2010/10/critica-deerhunter-halcyon-digest.html


3. ARCADE FIRE - THE SUBURBS
Lo mejor que se puede decir es que no es su mejor trabajo y aún así se merece estar aquí.
Crítica : http://disconcierto.blogspot.com/2010/08/critica-arcade-fire-suburbs.html


4. + NO AGE - EVERYTHING IN BETWEEN
La evolución que no para y los hará grandes.
Crítica : http://disconcierto.blogspot.com/2010/12/critica-no-age-everything-in-between.html

+ JOHN GRANT - QUEEN OF DENMARK

John Grant no había grabado desde la disolución de The Czars, la insistencia de Midlake, músicos y productores del álbum, fue lo que le hizo volver. Es este un disco confesional y liberador para Grant, lo apreciamos en unas letras desgarradoras desde una sinceridad extrema, salpicada de un humor cínico e irónico, con las que nos cuenta con su maravillosa voz, sus problemas de adaptación al mundo por su sexualidad. En lo musical se nota el toque de pop pastoral con sonido denso propio de Midlake, y que Grant ha querido alejarse de se ex banda y homenajear a algunos de sus mitos. Sería sencillo emparejarlo con Rufus Wainwright (que de eso, algo hay) pero en realidad aquí encontramos una especie de soft-rock setentero de ritmo lento con un pie en Carpenters, Randy Newman, Bread... y el otro en las baladas de grupos de prog-rock y rock-sinfónico de esa década ( en "Caramel" una bellísima canción al piano entra al final un sintetizador que si me dicen que es de Emerson, Lake and Palmer, lo acepto sin rechistar). Y ahora, si todas estas referencias no te han hecho huir, seguramente has encontrado tu disco del año.

5. + SUFJAN STEVENS - THE AGE OF ADZ
El mayor talento musical del momento, se puede permitir cualquier estilo.
Crítica : http://disconcierto.blogspot.com/2010/11/critica-sufjan-stevens-age-of-adz.html

+ SUFJAN STEVENS - ALL DELIGHTED PEOPLE
Y puede volverse mas clásico que nunca en un Ep de ¡60 minutos!
Crítica : http://disconcierto.blogspot.com/2010/10/critica-sufjan-stevens-all-delighted.html


6. + TRIANGULO DE AMOR BIZARRO - AÑO SANTO
Reconozco que el debut de TAB aunque me gustaba mucho, despertó en mi ciertas dudas. Quizás la duda de que fueran un hype nacional en toda regla, o que en su música no hubiera nada que no hubieramos oído ya en otros muchos grupos de una manera casi idéntica, fueran las causas del recelo. He de reconocer que su nuevo trabajo, no ha disipado esas dudas, pero y dado que aún me gustan más en esta segunda versión más dura y potente, he dejado de preocuparme por ellas. Es imposible resistirse a esta casi media hora de indie pop-rock, noise, shoegaze ... que practican, sin querer descubrir que dicen sus estupendas letras para poder gritarlas mientras te destrozas el cuello.

+ BIG CITY - CELEBRATE IT ALL
En las listas nacionales de la prensa moderna, encontrareis un monton de patéticos álbumes de tonti-electro-pop en castellano.No estará este magnifico disco de pop-rock.Penita ...
Crítica : http://disconcierto.blogspot.com/2010/09/critica-big-city-celebrate-it-all.html


7. BEACH HOUSE - TEEN DREAM
Para mi esta ha sido la sorpresa del año. Beach House han conseguido un preciosista disco de dream pop, que ha ratos recuerda las producciones de Dave Fridmann y que muchas veces nos hace recordar a Fleetwood Mac. Comienzan el álbum de manera estupenda con "Zebra" y "Silver Soul", pero lo mejor es comprobar que a partir de ahí el nivel no baja e incluso lo superan en temas como "10 Mile Stereo". Eso sí a pesar de que es un discazo, una recomendación, abstenganse los muy guitarreros.


8. + TITUS ANDRONICUS - THE MONITOR
Quizás todos los guitarreros que se abstengan del anterior álbum podrían entregarse a este. Lo que nos encontramos en "The Monitor" esta bien claro desde el inicio. Esto es pub rock o rock hooligan como se prefiera, esto son los Pogues pero en plan potente, con acercamientos al indie rock y una pizca de Springsteen. Algunos pensarán que esto puede hacérseles pesado, mas si añadimos la duración de los temas (hasta 14 minutos) o la temática de la guerra civil estadounidense con discursos militares incluidos. Pero lo cierto es que ahí es donde más gana el disco, cuando hacía la mitad piensas que si todo es igual se te va a hacer largo, te sorprenden con una segunda parte, en la que sin dejar de sonar a lo suyo, hay folk ("Theme From Cheers"), toda una balada ("... And Ever) o indie rock clásico ( en la parte cantada de "The Battle of Hampton Roads").

+ AVI BUFFALO - AVI BUFFALO
Sí, es importante aclarar que Avigdor Zahner Isenberg, líder de Avi Buffalo, tenia 19 años cuando salió este álbum, y sus compañeros de combo pues más o menos. Es importante en primer lugar porque sorprende el estilo folk-rock y pop-psicodélico de los sesenta-setenta que impregna todo el álbum, con la aguda voz de Avi y unos primeros temas que nos recuerdan muy mucho a The Shins. En segundo lugar, y más sorprendente aún, es importante por el impresionante trabajo instrumental, sobre todo en las guitarras, que nos encontramos principalmente en la segunda parte del álbum y que hacen en algún tema recordar a Nels Cline en Wilco. Si un debut de electropopsaltarinbailable tuviera la calidad de este disco, estaría entre los tres discos del año para todas las revistas modernas.


9. JÓNSI - GO
Sabemos que puede hacerlo mejor. Aún así crece con cada escucha, y se dispara en directo.
Crítica :http://disconcierto.blogspot.com/2010/07/critica-jonsi-go.html


10. + THE MYNABIRDS - WHAT WE LOSE IN THE FIRE ...
Lo promocionaron con algo así como Neil Young en la Motown durante los 60. Del genio canadiense poco hay, más allá de la clara referencia del nombre del grupo a The Mynah Birds (grupo canadiense al que perteneció Young), pero aún así no van los tiros desencaminados. Porque aquí encontramos sonido Motown y clásico folk-country rock americano del que practicaba Linda Rondstadt o soft rock a lo Carole King. Esta mezcla de sonidos añejos se ve arropado por la genial voz de Laura Burhenn, una acertada producción y sobre todo unas magníficas a la par que sencillas canciones para que en menos de 33 minutos no solo pensemos en clásicos sino también en destacadas de nuestros días como Cat Power o Neko Case.

+ JOSH RITTER - SO RUNS THE WORLD AWAY
Creando una sólida carrera. De lo mejor en lo suyo, sin ser su mejor disco.
Crítica: http://disconcierto.blogspot.com/2010/09/critica-josh-ritter-so-runs-world-away.html

+ THESE NEW PURITANS - HIDDEN
Esperamos que este no sea el mejor trabajo de These New Puritans, no es un disco perfecto, pero si parece un paso importante que puede llevar a una obra maestra. Porque entre un tono oscuro, algo de electrónica y una percusión espectacular, consiguen un sonido propio, diferente a casi todo. Y lo hacen moviendose entre la belleza de "Hologram" y la contundencia de "We Want War" o "Drum Courts", logrando en el punto medio de "White Chords" lo más destacado del álbum. Esperando con ansia su paso definitivo.


Y ya esta aquí lo dejamos, no sin antes recordar que quizás en seis meses esta lista podría cambiar. Entrarían discos desconocidos o a lo mejor alguno de esos que se han quedado fuera por muy poquito, LOS PLANETAS, ESPANTO (me ha sido imposible conseguir escuchar el disco entero), FOALS, GRINDERMAN, THE BLACK KEYS, THE TALLEST MAN ON ERTH ...

CRÍTICA : NO AGE - EVERYTHING IN BETWEEN

PUNTUACIÓN (sobre 10) - 7,5

Me resulta difícil la crítica del tercer largo de No Age. La publicación de este trabajo ha provocado opiniones enfrentadas, desde fans decepcionados con el nuevo estilo más accesible y menos salvaje que en sus dos anteriores, hasta otros fans y la mayor parte de la prensa especializada que ve en su nuevo disco una evolución y una madurez que les lleva por el camino correcto. A mi me cuesta incluso compararlo con su magnifico segundo Lp "Nouns", a veces me parece a la altura e incluso mejor, otras, sobre todo cuando estoy escuchando la segunda parte del nuevo disco me parece que los nuevos temas se quedan muy por debajo.
Para empezar me gustaría aclarar que el camino iniciado por No Age hacía una mayor producción y claridad en sus temas no es nueva, de hecho "Nouns" era ya un paso adelante en ese sentido en relación a su primer trabajo "Weirdo Rippers". Antes de la publicación de este trabajo, el ep "Losing Feeling" nos dejo claro que el rumbo tomado por el grupo era definitivo y que tenían claro lo que pretendían. El acercamiento al shoegaze, la mayor claridad de la voz, el cantar que no gritar, la mayor instrumentación, la aparición de canciones mas largas ... son algunos de los cambios experimentados desde su primer disco. En este "Everything In Between" no dan sino otro paso más, engrandeciendo esos cambios y añadiendo alguno más.
Sería un error pensar que por lo dicho anteriormente, este nuevo trabajo tenga que ser flojo. La demostración de esto es el magnifico inicio del disco, con cuatro temas potentes y directos que siguiendo la estela de "Nouns" aunque sin renunciar a esos cambios que antes mencionábamos , son posiblemente lo mejor que han grabado hasta la fecha. Inicia "Life Prowler" un tema contagioso lleno de ruidos que nos recuerdan mucho a su anterior disco, sigue "Glitter" single de adelanto, donde los cambios son ya más evidentes, en un tema más trabajado de lo que nos tenían acostumbrados, donde destaca una guitarra completamente shoegaze."Fever Dreaming" el tema mas punk del álbum es un puñetazo sobre la mesa de los que los acusan de ablandarse, y "Depletion" es el tema que demuestra que su apertura estilística puede llevarlos a grandes logros, sus guitarras que por momentos recuerdan a Dinosaur Jr. son un lujo. Cuatro temas que a pesar de los cambios, todavía pueden provocar un esguince de cuello o una grave afonía.
A partir de aquí el nivel del disco cae , quizás porque tres temas instrumentales muy juntos perjudican el ritmo, quizás porque es en esta parte del disco donde la experimentación se hace más evidente, quizás porque algunos de los temas mas lentos no están muy logrados. Aún así, todavía algún tema individualmente nos devolverá al fervor del inicio, sobre todo "Valley Hump Crash" el tema más largo del disco, casi cuatro minutos (algo sorprendente hasta ahora), que es otra demostración de que sus nuevos metodos, si no dejan de lado su pasado, pueden llenarnos de alegrías. Destacar también, aunque en menor medida el instrumental "Dusted" cuya melodía se te pega irremediablemente, y "Shred And Trascend" un tema contundente que gustará mucho a sus primeros fans.
En fin que es este trabajo en conjunto ligeramente inferior a su anterior disco, pero en sus momentos más acertados pueden haber conseguido el culmen de su sonido. No nos quejaríamos desde luego, si su evolución los llevara a publicar desde ahora trabajos llenos de temas como los del inicio de "Everything In Between".

CRÍTICA : ANTONY & THE JOHNSONS - SWANLIGHTS

PUNTUACIÓN (sobre 10) - 7,0

Va a ser esta una crítica corta, se podría resumir en pocas lineas. Algo así como explicar que esta continuación de "The Crying Light" esta un peldaño por debajo de aquel, que a su vez estaba un peldaño por debajo de su fantástico "I Am A Bird Now", y aclarar que a pesar de ello si te gustaron sus anteriores trabajos también te gustará este, si no, no te esfuerces en intentarlo.
Para empezar aclarar que Antony ha mantenido alto el nivel desde su primer trabajo, y aunque su segundo disco es único, el resto de sus trabajos se mueven en el notable, incluido este "Swanlights". El peldaño que desciende lo achacaremos a la ligera reducción de la calidad de los temas, quizás provocada por la repetición de estructuras, porque a pesar de los comentarios previos que hablaban de cambios el disco poco o nada diferente nos muestra en el estilo del artista.
Empieza el álbum con algunas dudas, "Everything Is New" se muestra demasiado repetitiva a pesar de su bonito piano, sus cuatro minutos y medio son excesivos, después "The Great White Ocean" con una bella guitarra y "Ghost" con un piano marca de la casa elevan el tono aunque sin llegar a alcanzar cotas del pasado. "I´m In Love" un tema poco inspirado deja paso a "Violetta" interludio instrumental que nos introduce el tema que titula el disco, el único tema diferente que nos encontramos. En el Antony experimenta ligeramente, se vuelve algo más oscuro y se atreve con una estructura bien diferente de las que acostumbra, no le queda el tema perfecto pero es de lo mejor del disco y bien podría ser un camino en el que perseverar para siguientes trabajos. Después de esto la escucha de "The Spirit Was Gone" se nos hace demasiado vista ya en su carrera. Pero el álbum no decae gracias a la magnífica "Thank You For Your Love", single de adelanto luminoso y con una gran instrumentación que sin duda llevo a los erroneos comentarios sobre el álbum que como os decía se escucharon antes de su salida. "Fletta" es la colaboración con Bjork de la que sale una buena, que no genial canción, marcada por un excelente piano en el estribillo. Cierran el disco la excesivamente arreglada "Salt Silver Oxygen" y la bella "Christina´s Farm", tema que retorna a la canción de apertura pero de manera más acertada, haciéndose menos monótona a pesar de sus mas de siete minutos.
Para terminar decir que puede que a Antony no le venga bien publicar un disco cada año, como ha hecho con sus dos últimos, pues es la suya una propuesta que podría saturar rápido. De todos modos, y a pesar de tener la sensación de que ya no disfrutaremos nunca de otro "I Am A Bird Now", no estaría nada mal seguir escuchándolo cada dos o tres años con discos de este nivel. Sobre todo si a sus preciosos temas al piano, los acompaña de algunos rítmicos y luminosos como "Thank You For Your Love", y de algunos más alternativos como "Swanlights".

CRÍTICA : KINGS OF LEON - COME AROUND SUNDOWN

PUNTUACIÓN (sobre 10) - 4,7

Cuando se publicó el debut de Kings Of Leon, se creo un debate entre quienes los veían con un hype, pastiche del rock sureño y los que los defendían Youth and Young Manhood como un brillante debut para una banda que actualizaba un estilo estancado en los setenta. El disco tenía grandes canciones, además un par de años después publicaban Aha shake Heartbreak un trabajo que sin dejar de lado las raíces ni la voz cazallosa se acercaba al sonido de grupos como los Strokes consiguiendo de nuevo un puñado de buenos temas. A partir de ahí todo cambió porque Because of the Times su tercer largo, si supuso un autentico cambio de estilo, sin casi rastro de rock sureño se acercaba a un rock de sonido potente y aunque fallido en la mayor parte del minutaje si parecía un honesto intento por evolucionar y no estancarse. En realidad fue su cuarto Only by the Night el que nos mostró realmente hacía donde querían evolucionar los Followill. Desde su superexitoso single "Sex on Fire" nos mostraban un rock apto para todos los públicos con practicamente ninguna concesión a sus anteriores trabajos. El objetivo, convertirse en una banda de estadio, lo consiguieron con unas ventas espectaculares. La esperanza de los que disfrutamos sus primeros trabajos se apagó.
Y no es este nuevo Come Around Sundown, más que una continuación de lo que empezaron dos años atrás. Aquí encontraremos rock blandito con una cantidad excesiva de medios tiempos comerciales candidatos a aparecer en el momento-canción de algún capitulo de una serie ñoña Americana estilo Anatomia de Grey, claro ejemplo es "Pyro" pero son hasta seis los temas que repiten esquemas de este tipo a lo largo del disco. Y esto hace cansina la escucha, por momentos incluso estos temas parecen todos el mismo. Las declaraciones e incluso las letras del grupo nos muestran que están un tanto desencantados con su nueva posición de éxito en el mercado musical, la inclusión de tanto tema facilón para gritar todos juntos el estribillo en un estadio lleno, nos hace pensar en falsos intentos para no perder del todo su publico más alternativo.
Aun a pesar de lo anterior Come Around Sundown se acerca al aprobado, porque, seamos justos este no es el típico bodrio comercial que satura el mercado musical actualmente. Aquí sigue estando la atrayente voz de Caleb, siguen teniendo buenos riffs de guitarra, aunque suenan más manidos que nunca y algunos temas, sin ser de lo mejor de su carrera, mantienen bien el tipo. "Radioactive" es un single comercial pero tiene un ritmo muy pegadizo, "Beach Side" a pesar de su sencillez sorprende por su cambio de estilo, con un sonido luminoso muy Californiano , acorde con la portada, "Back Down South" vuelve al rock sureño convirtiéndose lo mejor del lote y "No Money" es un tema rockero que agradará a sus primeros fans. Además los que tengan la versión ¿deluxe? (solo contiene un tema extra y dos remezclas) podrán añadir "Celebration" un tema que recuerda sin llegar a su nivel al inicial "Knocked Up" de Because Of The Times.

Este último trabajo de Kings Of Leon va a vender una barbaridad, va a lograr que cada vez llenen más en sus directos, y bueno, no los criticaremos por eso, pues parece que esperar un regreso a sus dos primeros discos esta ya fuera de lugar a pesar de ciertos trucos publicitarios. Si es criticable, el hecho de que aunque seas una banda de rock de éxito, caigas en la obviedad, y aquí les pasa muchas veces. Este es un disco peor que el anterior Only By The night igual de comercial que este pero con mucho más ritmo y con varios temas con gancho, practicamente inexsistentes ahora. Esperemos que obtengan mucho éxito y en posteriores entregas puedan soltarse un poco de tanto tema facilón, regresen a un rock más contundente que les sienta mucho mejor y se conviertan en una de nuestras bandas de estadio favoritas.

CRÍTICA : SUFJAN STEVENS - THE AGE OF ADZ

PUNTUACIÓN (sobre 10) - 7,5

Hace poco que criticamos All delighted People el anterior Ep de Sufjan Stevens y ahí quedaba ya claro la admiración absoluta al de Detroit. Sin embargo ya en esa crítica avisábamos de las dudas que nos transmitía su nuevo disco. A saber, un trabajo de un cantautor que tras cinco años sin sacar un Lp propiamente dicho, anunciaba, tras haber hecho declaraciones en las que se declaraba cansado de la música, un cambio de registro con un nuevo trabajo de pop electrónico, además utilizando cajas de ritmos y sintetizadores con un estilo retro. Teniendo en cuenta que su segundo trabajo era un disco de música electrónica y es lo más flojo de su magnífica discografía, la cosa no prometía mucho. Pero las dudas se han esfumado, The Age of ADZ no será el disco del año porque lo lastra un poco una parte central en la que se concentran los temas menos inspirados del lote, haciendo en ese tramo un poco pesada la escucha, pero sin duda será uno de los discos del 2010.
Porque sí, el sonido del disco es electrónico, pero, y no estoy loco, no se diferencia tanto de su estilo en Illinois, su obra maestra. Aqui estan tambien los increíbles arreglos de Stevens en todo su esplendor, sus letras alucinadas y transcendentales, sus coros y sus vientos.Cambian los instrumentos sin duda, pero la esencia sigue siendo la misma. Si tuviera que buscar una referencia para este disco diría que Flaming Lips, pero sin abandonar ciertas señas de identidad que le hacen ya inconfundible.
El trabajo esta inspirado en la obra de Royal Robertson, cuadros con aire de comic de ciencia ficción y escritos varios en los que se declaraba profeta y anunciaba cataclismos basados en visiones de viajes espaciales. Aunque el mundo alucinado de los cuadros y escritos pega bastante con el universo de Sufjan Stevens, parece más bien que es la vida de Robertson la que inspira The Age Of ADZ. Después de ser abandonado por su esposa, permanecio recluido en su casa, sufrió esquizofrenia paranoide y se volvió un misógino. Y el disco, aunque tiene partes en las que se referencian las visiones alucinadas de Robertson gira sobre todo en torno al abandono y el dolor y la rabia que conlleva.
Empieza Stevens el Lp y lo termina también, de una forma engañosa. Porque Futile Devices es un tema folk muy en la linea de su cuarto disco Seven Swans, un tema que recuerda mucho a Elliott Smith.Pero pronto descubrimos que no van por ahí los tiros pues la electrónica toma el mando. Too Much, Age of ADZ y sobre todo la encantadora I Walked nos muestran a un compositor inspirado y eficaz. A partir de aquí el nivel baja un tanto, quizá porque se juntan varios temas de ritmo más lento, pero podemos destacar el final de Get Real Get Right y la belleza de All For Myself. Y es cuando llegamos a la parte final cuando nos encontramos lo mejor del conjunto, curiosamente cuando la instrumentación se vuelve más cutre, casi de juguete. I Want To Be Well es demoledora con un final gritando "I´m not fucking around!" que firmarían los mismísimos Radiohead. La final Impossible Soul es un tema o más bien una unión de cuatro partes de casi 26 minutos que sacando una sobresaturada segunda parte de la primera parte con voz de mujer, alcanza momentos grandiosos, desde el pop adictivo del principio hasta la festiva invitación al optimismo con coros juveniles de su cuarta parte, y el precioso final, que vuelve como al principio al folk y a Elliott Smith.
Puede ser que Sufjan Stevens este algo cansado del mundo musical, pero si es capaz de publicar dos trabajos del nivel de los que lleva este año en apenas tres meses, bendito cansancio. A lo mejor a partir de ahora lo vemos cambiar aun más frecuentemente de estilo. Este año un trabajo de folk rock con aires setenteros y después un disco pop con envoltura electrónica, después ... Impacientes esperamos.

CRÍTICA : DEERHUNTER - HALCYON DIGEST

PUNTUACIÓN (sobre 10) - 7,8

Deerhunter cautivó a todo el mundo hace dos años con un fantástico álbum "Microcastle/Weird Era Continued" , que acabó siendo doble por la filtración de el que iba a ser el álbum simple "Microcastle" y que en su momento nos vendieron como un trabajo que bebía del indie de los noventa. Sin duda había claras influencias de los noventa pero en el disco había mucho también de otras décadas. Y digo esto porque el excelente nuevo trabajo de los americanos viene promocionado como un disco de influencias ochenteras, pero lo cierto es que aquí lo que encontramos es un trabajo con influencias de los sesenta a la década actual que consigue que el conjunto suene a muchas cosas pero como ocurría en su anterior disco de una manera única y muy personal.
En "Halcyon Digest" encontramos un conjunto de canciones que nos recordaran a algo pero que acabaran sonando diferentes y quizá ahí este su gracia. En este nuevo trabajo encontramos influencias desde el pop sesentero de "Don´t Cry" y "Basement Scene" esta última con momentos que recuerdan claramente al "All I Have To Do Is Dream" de los Everly Brothers (y esta aún era de los cincuenta), glam setentero en "Coronado", "Fountain Stairs" recuerda a The Jesus & Mary Chain o sea indie ochentero y la inicial "Earthquake" podría ser curiosamente la única en que se aprecian influencias de los noventa, algo que pocos podríamos esperar después del éxito de "Microcastle/Weird Era Continued" . Pero no solo encontraremos aquí referencias a la música del siglo pasado, la década que acabamos de dejar atrás aparece en temas como "Desire Lines" con un principio clavado al "Lies" de Arcade Fire y con un final in crescendo muy del gusto de los canadienses aunque aquí con un solo de guitarra de tres minutos. Y notamos que Ben H. Allen ha coproducido y mezclado el disco igual que hizo con "Merriweather Post Pavillion" de Animal Collective en temas como "Helicopter", que podría perfectamente cuadrar como una canción pausada dentro de ese trabajo, o el tema final "We Would Have Laugh" tributo a Jay Reatard, tema en el que además encontramos similitudes, sobre todo en las cuerdas, con el álbum "Bitte Orca" de Dirty Projectors.
La capacidad de Deerhunter de sonar muy personales a pesar de las muchas referencias que hemos citado es uno de los grandes logros del disco, otro es sin duda la capacidad de las canciones de ir creciendo con cada escucha. Si bien un par de temas como "Sailing" y "Basement Scene" bajan el nivel y se acaban haciendo algo pesadas, el resto se agrandan con cada escucha llegando a ser difícil escoger favoritas.

Me gustaria acabar hablando de Bradford Cox, líder de Deerhunter y que va camino de convertirse en el nuevo rey del indie actual y quizás sea lo que busca. Padece el Síndrome de Marfan una rara enfermedad del tejido conectivo que se caracteriza por el aumento inusual de los miembros y que afecta al esqueleto, pulmones, corazón... y explica la extremada languidez de su físico. Esto no le impide haber publicado cinco discos en tres años , tres con Deerhunter y dos con su proyecto en solitario Atlas Sound (todos a un alto nivel aunque los dos últimos de Deerhunter destacan claramente) ni ofrecer directos tremendos el los que se baña en sangre falsa o canta travestido. Además se muestra muy activo en su blog en el que regala trabajos a sus fans o sube fotos o escribe artículos,con alguno que le ha creado problemas y le llevó a cerrar los comentarios por según él respeto a Justin Bosworth primer bajista de Deerhunter fallecido en un accidente de skate.Desde luego es un personaje en la red y algunos ven en el a un provocador que busca notoriedad, otros sin embargo creen en su constante sonrisa y lo abrazan como alguien lleno de bondad y talento.Yo me pregunto como continuará su carrera, me pregunto si le afectará su enfermedad y me doy cuenta de que espero que siga igual de prolífica. Me convence con ese espíritu indie que parece guiar sus pasos, y como canta en "Desire Lines" (una de las canciones del año seguro) me voy con él. "Caminando libre. Ven conmigo. Lejos. Todos los días".